Film Art

出版者:McGraw-Hill

作者:David Bordwell

页数:539

出版时间:2010-1-1

价格:GBP 41.99

装帧:Paperback

isbn号码:9780071220576

具体描述

Film is an art form with a language and an aesthetic all its own. Since 1979, David Bordwell and Kristin Thompson's "Film Art" has been the best-selling and widely respected introduction to the analysis of cinema. Taking a skills-centered approach supported by a wide range of examples from various periods and countries, the authors strive to help students develop a core set of analytical skills that will deepen their understanding of any film, in any genre. Frame enlargements throughout the text enable students to view images taken directly from completed films, while an optional, text-specific tutorial CD-ROM helps clarify and reinforce specific concepts addressed in the text with the use of film clips. Building on these strengths, the ninth edition adds coverage of new technologies, updated examples, and references to the authors' acclaimed weblog to provide unparalleled currency and connect students with the world of cinema today.

用户评价

这本书给我最大的冲击来自于它对“声音设计”的重视程度。在此之前，我一直认为电影的灵魂是画面，声音顶多是锦上添花，或者说，仅仅是交代环境的辅助元素。然而，这本书用大量的篇幅和精妙的论证，彻底颠覆了我的固有认知。它清晰地展示了声音层次——从对白、音乐到环境音效——是如何在潜意识层面与画面产生复杂的互动，甚至主导观众的情绪走向。我记不清具体是哪一部经典影片的例子了，但书中分析了如何通过突然的“死寂”来放大人物的孤独感，这种处理方式远比直接用悲伤的配乐来得更有力量。阅读到这部分时，我甚至忍不住暂停了手头正在看的电影，回去仔细辨别和聆听那些平时被我忽略的背景噪音和音效的衔接过渡。它教会了我，电影的艺术是“视听的交响”，而声音，往往是那个隐藏在幕后的指挥家。这本书对于声音艺术的深度挖掘，绝对是其超越一般入门读物的核心竞争力所在。

这本**《电影艺术》**简直是打开了我对电影理解的一扇新窗户。在读这本书之前，我总觉得电影就是导演想说什么就拍出来，观众看懂了或者没看懂，仅此而已。这本书的结构安排非常巧妙，它没有一开始就陷入晦涩难懂的专业术语，而是从最基础的光影、景别这些视觉元素入手，像一个循序渐进的老师，引导你认识电影语言的“语法”。我尤其喜欢它对蒙太奇理论的梳理，将爱森斯坦的辩证法和库里肖夫的实验性成果并置对比，让我清晰地看到了剪辑如何不仅仅是时间的拼接，而是一种主动构建意义和情感的强大工具。书中大量的案例分析，比如对某个特定镜头的光线选择如何烘托人物内心挣扎的剖析，都显得非常扎实且具有可操作性。读完第一部分，我再看老电影时，总会不自觉地去分析那些潜藏在画面背后的意图，那种“顿悟”的感觉非常美妙。这本书对于想从纯粹的“观众”提升为“有意识的欣赏者”的人来说，是极佳的入门读物，它教会的不是如何去拍电影，而是如何“观看”电影，如何去拆解创作者精心布置的每一个视觉陷阱和情感触发点。

老实说，我对这种理论性的书籍向来敬而远之，总觉得它们大多是纸上谈兵，对实际创作毫无裨益。然而，《电影艺术》这本书的笔触意外地流畅且充满生命力。它并没有沉溺于学院派的空洞说教，而是将艺术理论紧密地植根于具体的电影实践之中。特别是它探讨“空间”和“时间”在银幕上如何被重构的那几章，简直让人拍案叫绝。作者没有用那种生硬的学术腔调去定义“长镜头”的价值，而是通过分析安东尼奥尼或者塔可夫斯基的片段，阐述了当时间被拉伸或压缩时，观众的心理体验是如何被彻底颠覆的。这让我开始反思，我们日常生活中对时间和空间的感知，在电影中是如何被精心操纵的。这本书的优点在于它强调的是“体验”的艺术，而不是僵硬的“规则”。它鼓励读者去感受、去质疑，而不是被动接受。对于一个渴望提高自己审美敏感度的业余爱好者而言，这种强调实践感悟的叙述方式，比那些堆砌术语的教材要有效率得多，真正做到了将深奥的艺术理论“翻译”成了人人可懂的视觉对话。

我是一个对电影叙事结构极其着迷的读者，一直试图破解经典三幕剧之外的可能性。《电影艺术》中的叙事分析章节，可以说是为我量身定做的指南。它不仅仅满足于分析好莱坞的经典线性叙事，更敢于挑战那些非传统、碎片化、甚至是循环往复的叙事模式。书中对于非线性叙事中“悬念”和“揭示”如何被重新分配和操纵的讨论，极其精妙。作者没有把叙事看作一个固定的公式，而是一种可以根据导演意图自由塑形的黏土。我特别欣赏它对后现代电影中“元叙事”的探讨，即电影开始谈论自身是如何被构建的这种现象。这种自我指涉（Self-reflexivity）的美学，过去总让我感到困惑，但通过书中的梳理，我明白了它其实是对观众既有观影期待的一种戏谑或挑战。这本书的叙事理论部分，就像是一个高明的侦探，不仅告诉你故事是怎么讲的，更告诉你为什么导演选择用这种“不寻常”的方式来讲，极大地拓宽了我对故事表达边界的想象空间。

我购买这本书的初衷是想找一本关于电影美学发展脉络的通史，期望能系统了解从默片到有声片，再到新浪潮各个阶段的美学主张变化。《电影艺术》在这方面做得非常出色，它不仅梳理了技术革新带来的形式变化，更深入挖掘了背后文化思潮的推动作用。比如，书中对意大利新现实主义的论述，不仅仅停留在“去布景化、找真实场景”的表面，而是将其置于二战后欧洲的社会重建背景下去考察，展示了艺术如何对现实的创伤做出回应。我特别欣赏它处理流派差异时所展现的平衡感，既没有过度美化某个流派的主观性，也没有贬低其历史贡献。阅读过程中，我感觉自己像是在听一位经验丰富的策展人，耐心地导览一个世纪以来的电影画廊，每件“展品”都有其独特的历史语境和审美价值。它不是一本教你“如何做”的书，而是一本帮你建立“电影世界观”的地图集，让你知道不同风格的作品分别位于哪一个坐标轴上，这种宏观视野的建立，对我接下来的深入研究非常有指导意义。

art of moving image..我現在同時讀中文第八版和國際第九版= =

大二时啃得我一脸血

这里的教科书

课本。

Clear and easy to understand for the layman. 边做边学的“恶补型”良友！