BAROQUESCULPTUREINROME

作者:Alessandro Angelini

页数:172

出版时间:2008-10-1

价格:$19.95

isbn号码:9788874391189

具体描述

Reconsidering the terminology art historians use to describe 17th-century Roman sculpture, this history examines how famous artists, such as Bernini, Alessandro Algardi, François Duquesnoy, and lesser-known artists influenced one another during this period. Artistic events and completed works are presented in chronological order with an emphasis on the workshop relationships that allowed accomplished sculptors to apprentice younger artists. The use of Venetian-derived color, sublime accents, and travertine and marble that marked this era created a thoroughly modern Rome as statues and other examples of sculpture were placed in gardens, homes, and churches.

作者简介

Alessandro Angelini is a professor of modern art history at the University of Siena. He collaborated in several important exhibitions and their catalogues, including Disegni italiani del tempo di Donatello, Domenico Beccafumi e il suo tempo, and Francesco di Giorgio e il Rinascimento a Siena. He is a member of the editorial staff on Italy's art history journal Prospettiva.

用户评价

这本书的装帧和排版处理得相当具有“学术品味”，大量的注释和引文索引显示了作者严谨的治学态度，但坦率地说，对于我这种更偏好流畅叙事的读者来说，中间穿插的那些拉丁文引述和德语哲学家的名字，确实增加了阅读的阻力。我尝试从中寻找一些关于雕塑家个人生活逸事的记载，期望能找到一些人性化的角度来平衡那些宏大的理论，但收获甚微。作者似乎对艺术家个人的“天才光环”不太感兴趣，他更关注的是一个艺术流派如何作为一个整体，在特定的历史气候下，被体制化地塑造和推行。书中关于不同家族——比如科尔西尼家族或巴贝里尼家族——如何赞助和引导艺术风格走向的论述非常扎实，它将艺术史与家族政治史编织得密不可分。我特别关注了其中关于“动态平衡”这一概念的讨论，作者认为巴洛克的雕塑美学颠覆了文艺复兴时期追求的静态和谐，转而追求一种在运动边缘被定格的、充满张力的瞬间，这在描述贝尔尼尼的《大卫》时表现得淋漓尽致，尽管描述的侧重点似乎更偏向于对观众空间参与度的讨论。

阅读这本书的过程，对我来说更像是一次对“理解的局限性”的反思。我最初对巴洛克艺术的理解停留在其表面的华丽和夸张上，认为这是一种向内收缩的、过度装饰的艺术。然而，作者通过对罗马城内喷泉、广场和教堂立面之间视觉路径的精妙分析，成功地将这种“夸张”重新定义为一种“扩张的、向外投射的沟通策略”。他详尽地描述了巴洛克建筑师和雕塑家如何故意设置视线陷阱和光影误导，以达到一种“欺骗性现实主义”的效果。让我感到有些遗憾的是，书中对于非传统材料（如青铜、石膏）在雕塑创作中的运用讨论相对较少，大部分的论述似乎都聚焦于大理石所能达到的那种近乎肉体的质感表现上。此外，作者对女性艺术家在巴洛克罗马的地位和成就的提及也显得相当保守和有限，似乎在宏大的教廷叙事中，个体女性艺术家的声音被稀释了，这使得整体的论述在当代视角下略显单薄。

这本书的学术深度是毋庸置疑的，但其最大的挑战在于其语言的密度和主题的广度。它涉及了神学、城市规划、社会阶层变迁以及美学哲学的交叉论点，读起来需要极高的专注度。我发现自己不得不频繁地在正文和页脚的注释之间来回跳转，以确保对某些关键概念如“隐喻的过度饱和”的准确把握。书中对于光线在雕塑表面的反射如何被用来象征“神恩的垂降”这一点的阐释，我给予了极高的评价，这部分内容将视觉艺术与形而上的概念完美地结合了起来。然而，对于那些希望快速了解特定雕塑家生平或作品风格演变脉络的读者来说，这本书可能显得过于沉重和迂回。它更像是一篇深度论文的汇编，而不是一本面向大众的艺术导览。它迫使你思考，在宏大的历史叙事下，那些具体的、可触摸的艺术品本身究竟承载了多少被编码的意识形态信息，以及我们现代人如何有效地“解码”它们。这是一本需要时间去消化、去反复阅读的书籍。

我不得不说，这本书的行文风格非常具有思辨性，它不像教科书那样提供标准答案，反而更像是一位资深策展人带着你进行一场深入的午夜漫谈。我原以为会读到大量关于大理石纹理、肌肉线条处理的细节描述，毕竟“雕塑”是书名的重点之一，但我发现作者真正热衷于探讨的是“感知”与“信仰”的构建过程。其中关于“奇观”（Spectacle）理论的运用尤为精妙，作者将巴洛克艺术视为一种精心策划的心理工程，旨在通过视觉的饱和轰炸，将观众从世俗的怀疑主义中抽离出来，强行带入一种狂热的宗教体验中。书中有一段讨论雕塑在特定壁龛中的安置，如何利用反光和阴影来模拟“神迹降临”的瞬间效果，写得极为细致和令人信服。虽然缺乏那些传统艺术史著作中常见的、细致入微的对作品断代的考据，但这种宏观的、从社会学和心理学角度切入的分析，反而让作品的生命力更加跃然纸上。对于那些已经熟悉了作品本身、渴望深挖其时代精神和观众反应的读者来说，这本书无疑是一剂强心针，它强迫你跳出“看作品”的惯性，转而思考“作品是如何看我们的”。

这本书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，那种厚重的质感和烫金的字体，让人一上手就能感受到其中蕴含的学术分量。我原本是抱着学习文艺复兴后期艺术史的心态翻开的，主要想深入了解卡拉瓦乔在光影运用上的革新，以及贝尼尼那些充满戏剧张力的雕塑作品是如何在空间中“呼吸”的。然而，这本书的叙述角度却出乎我的意料，它更像是一部深入罗马城市肌理的漫游指南，而不是一本专注于某几个大师的技法分析手册。作者花费了大量的篇幅来探讨巴洛克艺术的兴起与罗马政治、宗教权力中心的紧密互动，我印象最深的是他对教廷如何利用宏大叙事和感官冲击来巩固其精神权威的详细剖析。书中对圣彼得大教堂内部光线流动的解读，那种近乎电影镜头的描绘，即使没有实物在眼前，也能让人感受到那种神圣的压迫感和震撼力。我特别欣赏作者在阐述建筑与雕塑如何融为一体时所采用的跨学科视角，他甚至引用了同时期音乐理论中的“对位法”概念来解释不同艺术元素如何在同一空间内相互交织、相互辉映，这对我理解整体艺术效果的构建提供了全新的思维框架。读完后，我对巴洛克时期罗马的城市规划和美学导向有了远超预期的理解，远超我最初仅仅想研究雕塑技法的初衷。