古典吉他名作演奏指导 古典主义时期

出版者:上海音乐

作者:闵元禔

页数:194

出版时间:2011-8

价格:65.00元

isbn号码:9787807517719

丛书系列:古典吉他名作演奏指导

具体描述

《古典吉他名作演奏指导:古典主义时期(1750年-1820年)》总结了古典吉他音乐的历史以及古典主义时期1750年-1820年古典吉他音乐与当时社会的相互影响和作用。《古典吉他名作演奏指导:古典主义时期(1750年-1820年)》第一部分都探究了音乐与文学、美术、科学、社会以及政治事件之间的关系。第二部分着重介绍了10位伟大的古典主义时期作曲家的影响，第三部分介绍了古典吉他制作家，并独具匠心地采用了综合艺术的方式，为每一位古典吉他教师、学生以及音乐爱好者呈献了一份不可多得的音乐财富。

目录信息

古典主义时期(1750—1820)第一部分 古典主义时期社会、政治、文化背景及音乐的特征 古典主义时期的音乐 社会、政治背景 启蒙运动的影响 新古典主义 在雕刻上的表现 在建筑上的表现 早期的工业革命 工业革命对音乐生活的影响 古典主义时期的音乐观 古典主义时期音乐特性 前古典(Pre-Classic)时期 古典主义盛期(High Classic) 音乐的语言特性 织体 旋律 节奏 调式 和声 古典主义时期的装饰音 古典主义时期歌剧与宗教音乐 歌剧的改革 喜歌剧的诞生 宗教音乐 约翰·弗雷德里希·弗朗兹·布格缪勒 (Friefrich Bugmuller，1806—1874) 古典主义时期的主要音乐体裁 奏鸣曲式 室内乐 古典主义时期的小步舞曲 交响乐的诞生 独奏协奏曲 3位伟大的维也纳古典乐派音乐家 弗朗茨·约瑟夫·海顿(Franz Joseph Haydn，1732—1809) 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特(Wolfgang Amadeus Mozart，1756—1791) 路德维希·范·贝多芬(Ludwig Van Beethoven，1770—1827) 古典主义时期的吉他音乐 六弦吉他的出现 西班牙，吉他的圣地 西班牙的民间音乐—弗拉门科(Flamenco) 吉他中的车尔尼：卡尔卡西(Matteo Carcassi，1792—1853) 一一 吉他中的贝多芬：费尔南多·索尔(Fernando Sor，1778—1839)第二部分 10位伟大的古典主义时期作曲家的影响 第一黄金时期 西班牙 费尔南多·索尔(Fernando Sor，1778—1839) 索尔的作品风格 迪奥尼西奥·阿瓜多·加西亚(Dionisio Aguado Garcia，1784—1849) 阿瓜多的吉他技巧 阿瓜多与索尔的友谊 意大利 莫洛·朱里亚尼(Maur0 Giuliani，1781—1829) 费尔迪南多·卡路里(Ferdinando Carulli，1770—1841) 马迪奥·卡尔卡西(Matteo Carcassi，1792—1853) 尼科罗·帕格尼尼(Niccol6 Paganini，1782—1840) 法兰西斯科·莫里诺(Francesco Molino，1768—1847) 德国 卡尔(Leonhard von Call，1768—1815) 约瑟夫·库夫纳(Joseph Kuffner，1776—1856) 奥地利 安东·迪亚贝里(Anton Diabelli，1781—1858)第三部分 古典吉他制作家 古典吉他制作家 斯陶芬(Staufer) 拉柯特(Lacote) 帕诺尔摩(Panormo) 托雷斯(Tortes) 埃尔南德斯(Hernandez) 豪斯(Hauser) 米格尔·罗德里格斯(Miguel Rodriguez) 拉米雷斯(Ramirez) 埃斯特索·孔德(Esteso Conde) 弗莱塔(Fleta) 布谢(Bouchet)
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用户评价

作为一名接触古典吉他已经有十多年的爱好者，我总是希望能找到一些能突破现有技术瓶颈的“钥匙”。这本书虽然着重于“古典主义时期”，但它在基础功的论述上，却有着令人耳目一新的视角。例如，书中花了很大篇幅讨论了那个时期乐器弦轴的张力变化对音色圆润度的影响，这对于我们现在使用现代设置的吉他演奏者来说，提供了一个非常有价值的“参照系”。它并没有要求我们完全复古，而是启发我们思考，如何利用现代技术去模拟或致敬那种特有的、略带“空气感”的音色。我尤其赞赏作者在解析奏鸣曲式主题发展时，所采用的类比手法，将音乐结构比作建筑学的“对称与对比”，这极大地帮助我理解了那些看似简单的旋律线背后隐藏的宏大结构，让我在练习时更加胸有成竹，不再是机械地重复音符。

说实话，我买这本书更多是出于一种“情怀”而非“实用”的目的。我一直认为，学习任何艺术形式，最终还是要回归到对那个时代精神的理解上。这本书的排版非常清晰，大段的文字论述与穿插其中的乐谱片段对比鲜明，使得阅读过程不至于过于枯燥。我最感兴趣的是其中关于“力度记号”在不同乐章间处理差异的章节。它没有简单地套用现代的强弱概念，而是深入挖掘了那个时期乐器本身的动态限制与听觉审美，比如对“crescendo”和“diminuendo”在室内乐环境下的微妙运用。我感觉作者在写作时，是真正地抱着对作曲家原意的敬畏之心去揣摩的，而不是简单地进行技术分解。这种对历史语境的尊重，使得这本书具有了一种超越普通演奏指南的价值，更像是一部音乐美学随笔，引导读者思考“为何要如此演奏”而非“如何才能弹响”。

我一直觉得，许多现代吉他教材在处理早期作品时，总是有意无愧地加入了太多浪漫主义时期的“色彩”，使得巴赫或者索尔的作品听起来过于“热情洋溢”。这本书则像一股清流，它坚定地站在“古典的克制与清晰”这一立场上。阅读过程中，我被作者对“节奏的精确性”的强调所深深折服。他详细分析了那个时期作曲家如何通过微妙的重音错位来制造张力，而不是依赖于大幅度的揉弦或推弦。这种对节奏和线条的纯粹关注，对我目前的演奏风格起到了强力的矫正作用。读完特定章节后，我立刻拿起吉他尝试，立刻就能感受到音色的变化——那种更加清晰、更具逻辑性的线条感，让人在演奏中体会到一种秩序之美，这种心流体验是其他很多教材无法给予的。

这本书的装帧和内页设计，透露出一种对“古典”二字的执着。它没有使用过多花哨的彩色插图，而是以简洁的黑白为主，这使得注意力能完全集中在文本内容本身。我个人认为，这类专业书籍的价值，往往在于那些“反直觉”的观点。这本书里就有一个观点让我印象深刻：它认为古典主义时期的快速音阶练习，其目的并非单纯追求速度，而是在于均匀地展现每一个音符的“独立人格”，避免连奏带来的模糊性。这个细腻的区分，让我对以往的练习方法产生了深刻的反思。每读一章，都感觉像是在与一位经验丰富的导师进行深入交谈，他提供的不是现成的答案，而是引导你找到自己问题的真正症结所在。它的深度，足以让资深学习者回炉重塑基础认知。

这本书的封面设计得相当素雅，那种深沉的酒红色和烫金的字体，一下子就让人感受到一种历史的厚重感。我是在一家老旧的书店里偶然发现它的，当时只是被它那种沉静的气质吸引。拿到手里，纸张的质感也十分考究，翻阅时能听到轻微的沙沙声，这本身就是一种享受。虽然我对古典吉他的了解仅限于业余水平，但光是目录的编排，就足以看出作者在学术上的严谨和对材料的精挑细选。它似乎不像那种速成的“教材”，更像是一部需要沉下心来细细品味的“匠人手札”。我特别欣赏它在引言部分对“古典主义”这一音乐时期风格演变的探讨，那种细腻的文字描述，仿佛能把我带回到那个由海顿和莫扎特主导的黄金年代。我期待着能从中找到那些被现代演奏家忽略的、细微的音色处理和指法选择的奥秘，真正体会到那个时代音乐的纯粹与平衡之美。