中国艺术设计史

出版者:陕西人民美术

作者:赵农

页数:289

出版时间:2004-1

价格:98.00元

isbn号码:9787536817500

具体描述

缘于中国近代史的演变，传统文化在一个世纪中的衰败、挣扎、覆灭、复兴，其中借助了西学东渐之风，进行过大规模的激烈革命行为。当动荡的时间钟摆正常运行时，中国社会需要对自身的行为进行深刻的反省，因为一个民族如果没有了自己的文化，就如同丧失了自己的精神家园。一个民族没有了深刻地文化反省，颠沛流离的苦旅结果只能是丧失了自身的立场和意志。

用户评价

明清两代的章节篇幅虽然宏大，但叙事却丝毫没有显得拖沓，反而有一种层层递进的压迫感和繁复美。我对作者如何梳理明代官营手工业与民间设计差异性的分析特别赞赏。书中详细对比了永乐大典的版式设计与江南文人家具的结构美学，清晰地勾勒出官方规范化和士人个性化两条并行不悖的发展路径。进入清代，这本书更是将焦点精准地对准了“集大成”与“程式化”这一核心议题。对康乾盛世的繁复装饰，如掐丝珐琅、雕漆的工艺解析，充满了技术细节的干货，让我这个门外汉也大致了解了其制作的复杂性。然而，更重要的是，作者没有止步于赞美技艺的极致，而是探讨了这种极致装饰下，设计语言逐渐走向僵化的历史必然性。这种对设计生命力衰退的敏锐洞察，使得整个明清部分的评价显得既有温度又有深度。

读完关于魏晋南北朝隋唐部分的心得，我感到一种强烈的文化冲击。这部分内容的处理极为精彩，它没有停留在对异域元素简单罗列的层面，而是深入探讨了佛教艺术如何与本土审美进行深度融合与本土化演变的全过程。特别是对敦煌壁画中人物造型、色彩运用以及图案装饰的分析，简直是教科书级别的范例。作者对“唐风”的界定并非是扁平化的，而是展现了其雍容华丽背后的多元文化血液。此外，书中对隋代隋代（尤其是隋代）的建筑构件和唐代金银器的纹饰细节，进行了非常详尽的图文并茂的阐述，那些复杂的联珠纹、宝相花纹，在文字的引导下变得栩栩如生。整段的叙述节奏感极强，从北朝的雄强到盛唐的开阔，那种时代情绪的流转变化，让人读起来酣畅淋漓，深感中华文明兼容并蓄的巨大能量。

宋元时期的设计美学，在这本书里得到了极其细腻和克制的表达，这让我这个偏爱内敛风格的读者感到惊喜。作者对宋代瓷器，尤其是汝窑、哥窑等官窑产品的描述，简直是“以文喻物”的典范。那种对“素雅”、“天真”、“道法自然”的审美追求，不是空泛的口号，而是通过对釉色、线条、器型比例的精确描述体现出来的。章节中穿插的对宋代文人画意境如何渗透到生活器物设计中的探讨，尤其精辟。他们如何将山水画中的留白哲学应用到器物空间布局上，这本书提供了非常清晰的思路。至于元代，作者没有忽略蒙古民族强大的审美影响，对比了中原传统与游牧文化在视觉表达上的张力与融合，展示了不同民族在艺术语言上的相互渗透，这种辩证的视角，让整个宋元的设计史不再是单线程的演进，而是充满了复杂交织的张力。

最后的部分，关于近代中国设计在西方冲击下的挣扎与新生，是全书中最具现实意义和前瞻性的部分。作者对“五四”新文化运动时期，如何在传统与现代、东方与西方的巨大漩涡中，寻求“中国式设计”的突围，进行了深入而细致的梳理。书中详尽介绍了如林风眠、徐悲鸿等艺术家的设计思想，以及早期留学生群体如何试图将现代主义理念引入本土教育体系的努力。这种对“现代设计教育”萌芽期的追溯，对于理解当代设计领域的困境与机遇至关重要。尤其是关于抗战时期，设计如何承担起宣传、鼓舞人心的社会责任，那部分内容的论述，让我看到了设计强大的社会功能性，远超出了单纯的装饰范畴。全书的收尾，提供了一个开放性的平台，引人深思，而不是简单地画上句号。

这本《中国艺术设计史》无疑是一部重量级的学术著作，它不仅仅是对中国设计发展脉络的梳理，更像是一场穿越时空的视觉盛宴。我尤其欣赏作者在开篇部分对史前陶器纹饰与新石器时代文化符号的深度挖掘。那种将早期人类的生存智慧与艺术表达紧密结合的叙事方式，让我对“设计”的起源有了全新的认识。书中对商周青铜器上的饕餮纹、云雷纹的解析，细致入微，不仅描述了其美学特征，更探讨了其背后的礼制、宗教意义，这种跨学科的整合能力令人印象深刻。进入秦汉时期，作者对画像砖、漆器装饰的分析，也展现出不同地域、不同阶层对审美需求的差异化表达。阅读这些章节时，我仿佛能触摸到历史的粗粝质感，感受到那个时代工匠们精湛的手工艺和深厚的文化自信。它成功地将艺术史的宏大叙事与具体器物的微观审视完美地融合在一起，为读者构建了一个坚实而丰富的历史基座。

我老师朋友写的作品，不得不说地方美院的水平还是很地方，不推荐。

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终于忍痛……把它给还了

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