西方现代艺术设计简史

出版者:上海人民美术出版社

作者:郑立君

页数:151

出版时间:2005-9

价格:38.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787532242108

具体描述

本书以工艺美术的设计运动、现代设计的思潮以及设计师相互间的影响，从传承发展到个性的体现，总体概括了西方现代设计的简史。本书文字通达，表述清晰，并配以大量插图，具有很强的可读性。

随着我国现代化发展的过程，不仅美育成为大学生的人文素质建设的一大课题，而且用美的形态和应用技术丰富和提升我国人民大众的生活质量也是必然趋势。绝大多数美术院系培养学生的方向，可能越来越多的是应用型人才，而不是架上绘画或纯艺术创作人才了，这种变化带来的教学思路的调整也就是必然的了。出版社为教学服务是天职之一，而面对这种变化，首先就想到了教材的变革与调整。大学美术和设计专业在培养应用型人才的教学中，实用类、应用技术类学科内容和知识范畴成为课程的中心部分，大多数学生在校期间也会花费相当多的时间在这些内容上。为此，学校院系调整师资配置，调整课程安排，甚至调整办学模式来适合学科的发展。我社也积极配合出版了一批应用型的各门类基础教材，以满足调整的需要，其中不少教材受到学校老师和同学们的认可和好评，形成了一定的影响力。

但是，我们又和一批高校的教师和作者共同想到教材的另一个课题：美术院校的高等教育和职业教育仅仅是为了培养一批批“匠人”吗？高等教育和职业教育有什么区别呢？回答也是明确的，高等教育和职业教育有什么区别呢？回答也是明确的，高等教育培养人才应该走设计师之路，开创培养有创意和创新能力的专业技术人才之路。那么高等院校的四年本科学习里，理论类和史论类的内容就绝对不能缺少，而且肯定应该是知识架构中的骨干课程。如果是偏重了应用和实践课程，忽视了理论基础的学习，是很危险的。

针对这种调整，上海人民美术出版社决定拿出两套理论类教材，充实我社的教材体系。一套《高等院校美术理论系列教材》，主要围绕美术传统基础理论进行编写；一套《高等院校设计理论系列教材》，主要围绕艺术设计类基础理论进行编写。两套教材构思一致，完全按照国家教育部教学大纲要求制定选题和课程。在策划和组稿中，我社充分注意到编纂到把知识点和学习重点的论述和安排放在首位，同时，根据现代学生的阅读习惯，把教材的可读性和图版资料互动的形式结合起来，力争以最好的图书形态克服以往理论类图书呆板的面孔，使这两套教材成为满足我们追求完美教学目的的帮手，以证明我们正在努力着。

用户评价

我特别欣赏这本书在时间跨度上的宏大视野和对不同地域文化影响的考量。很多同类书籍往往将焦点过分集中在欧美主流艺术中心，使得我们对非西方世界，或者说“全球南方”在现代设计演变中的角色认识不足。这本书则明显打破了这种地域中心主义的窠臼，它细致地描绘了殖民历史、冷战格局以及全球化进程如何巧妙地渗透并改变了世界各地的视觉语言。书中关于二十世纪中叶亚洲新兴国家在汲取西方现代主义精髓的同时，如何融合本土传统元素，创造出具有独特身份认同的设计风格的论述，读来令人深思。这种跨文化的比较分析，让我重新审视了自己过去对“现代性”这一概念的狭隘理解。它提醒我们，艺术和设计从来都不是孤立的文化事件，而是全球权力结构、经济流动和身份认同建构的复杂产物。这种全球视野的引入，极大地提升了这本书的深度和厚度，使其从一本区域艺术史升级为一部全球文化史的侧写。

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种略带磨砂质感的封面，配合着烫金的字体，透露出一种低调的奢华感。拿到手里沉甸甸的，明显感觉到纸张的厚度和质感都非常考究，让人忍不住想马上翻开看看里面的内容。内页的排版也很有章法，图文的比例拿捏得恰到好处，既保证了视觉上的美观，又没有牺牲内容的详实度。尤其值得称赞的是，那些高清的艺术作品插图，色彩还原度极高，细节纤毫毕现，即便是那些年代久远的画作或设计稿，也能感受到创作者当初的笔触和匠心。这种用心制作的实体书，本身就是对艺术的一种尊重，让人在阅读的过程中，就能享受到一种仪式感和愉悦感。翻阅时，那种纸张轻微摩擦的沙沙声，都比电子屏幕的冰冷触感要来得亲切和温暖许多，非常适合放在书架上细细品味，或者在周末的午后，泡上一杯茶，静下心来慢慢研读。总的来说，从触感、视觉到整体的阅读体验，这本书在物质层面上已经达到了一个很高的水准。

这本书的价值，还体现在它对“设计”这一行为本体的深刻反思上，它不仅仅在展示“是什么”，更是在探讨“为什么”和“如何持续”。作者没有将艺术设计视为一个已经完成的历史结论，而是将它呈现为一个持续进行、充满张力的动态过程。书中对某些经典设计案例的“解构”，其批判性是相当有力的，它敢于直面那些被过度神化的设计偶像背后所隐藏的商业逻辑、性别偏见，甚至是环境代价。这种“去魅”的过程，虽然可能让一些偏爱“赞美史”的读者感到不适，但我认为恰恰是这种批判性的反思，才使得这本书具有长久的生命力。它鼓励读者跳出盲目崇拜的怪圈，转而用一种更具批判精神和责任感的态度去面对未来的设计挑战。它似乎在向我们低语：真正的艺术设计，其使命远不止于创造美，更在于参与对人类生活方式和价值体系的重塑与质疑。这是一本能让人在合上书页后，依然久久不能平静，并开始主动进行深度思考的著作。

这本书的叙事手法非常新颖，它不像传统的艺术史书籍那样，只是按时间线索简单罗列重要的流派和人物。相反，作者似乎更热衷于挖掘那些被主流叙事忽略的“边缘故事”和“幕后花絮”。比如，书中用很大篇幅探讨了某个特定时期，技术革新如何反过来塑造了艺术家的创作工具和思维定式，而非仅仅是艺术推动了技术的应用。这种“反向因果”的探讨视角，极大地拓宽了我的认知边界。阅读过程中，我仿佛置身于那些大师的工作室里，不仅看到了他们最终呈现的作品，更窥见了他们创作过程中的挣扎、妥协与突破。行文的语气非常平实，没有故作高深的学术腔调，反而像是一位经验丰富的老者，带着好奇心与你分享他发现的那些“秘密”。特别是对于一些跨界合作的案例分析，逻辑链条清晰得令人拍案叫绝，让人不禁感叹，原来看似风马牛不相及的领域，在那个特定的历史节点，竟然有着如此深刻的内在联系。这种娓娓道来的叙事魅力，让人欲罢不能，总想知道下一页又会揭示出怎样一个被埋藏的细节。

这本书对于概念的梳理和术语的解释，简直是一份及时的“救命稻草”。在此之前，我对许多现代艺术设计中的核心概念，比如“功能主义的内在矛盾”、“后现代符号的挪用策略”等，都停留在模糊的理解阶段，一遇到复杂的文本分析就容易迷失方向。然而，这本书的作者似乎深谙读者的这种困境，他们不是简单地给出定义，而是通过大量的实例对比和类比，将抽象的概念具象化。举个例子，书中用来阐释“极简主义”与“装饰艺术”冲突时，引入了城市规划的案例，这个比喻非常形象，瞬间打通了我的思维壁垒。读完相关章节后，我再回过头去看那些原本让我头疼的作品标签，顿时清晰明了，仿佛所有的碎片信息都被强力磁铁吸附到了一起，形成了一个有机的整体。这种深入浅出的讲解能力，使得这本书不仅适合专业人士参考，对于渴望入门但又害怕晦涩理论的普通爱好者来说，也极其友好，它真正做到了降低理解的门槛，同时保持了学术的严谨性。

顺一遍

入门

咱得教科书~为了准备考试我看三遍啊三遍！谁叫考试内容就是里面的呢！看完背完估计对西方设计史也有辣么一点了解了吧！不过我想说这本章节排版乱啊！一下子谈前面一下子讲后面的！ 看历史最怕的就是章节乱了！

入门

不愧是简史