中国历代装饰纹样

出版者:人民美术出版社

作者:吴山

页数:417，593，585，437

出版时间:1988-03

价格:62

装帧:平装

isbn号码:9787102002569

具体描述

1.新时期时代 商 西周 春秋

2.战国 秦代 汉代

3.魏 晋 南北朝 隋 唐 五代 宋

4.辽 金 元 明 清

用户评价

这本书的学术严谨性毋庸置疑，但让我这个非专业人士也读得津津有味的原因，在于作者在历史叙事上的功力。它不是冷冰冰的图谱，而是将纹样视为一种“社会密码”来解读。例如，书中对明代家具上连续回纹的出现频率和它所代表的宗法伦理的联系的分析，让我对那个时代士大夫阶层的生活哲学有了更深层次的理解。作者在引文和注释方面做得极其扎实，每当出现一个重要的历史节点或艺术流派时，总能引用恰当的文献佐证，让人感到这本书背后有着深厚的学术根基。更难得的是，它没有陷入过度学术化的晦涩，而是用清晰、富有画面感的语言来描述那些抽象的几何形态，比如形容某个时期的缠枝纹“如水波般连绵不绝，生生不息”，这种文学性的描述极大地提升了阅读的愉悦度。

说实话，我买这本书纯粹是出于对传统手工艺的好奇心，没想到它居然成了我进行平面设计实践的重要灵感源泉。这本书的价值远超于一个简单的图集，它更像是一本活生生的“视觉词典”。我发现，许多我们现在认为“老气”的元素，在书中被赋予了全新的生命力。作者对纹样结构和母题的解构非常到位，比如如何将一个复杂的折枝花卉纹样拆解为基本的曲线和节点，这对于我进行数字化再创作非常有帮助。书中收录的大量非主流、地方性的纹饰，比如徽派建筑中的砖雕细节，或者西南少数民族服饰上的几何刺绣，这些“边角料”反而激发了我最大的创作热情，它们摆脱了主流审美的束缚，更具野性和创造力。这本书的实用性体现在，它不仅告诉你“是什么”，更巧妙地引导你去思考“为什么会是这样”，从而激发你的主动创新。

这本书的装帧设计简直太棒了，封面那种古朴又不失典雅的气质，一下子就把人拉回了历史的长河里。我本来以为这会是一本枯燥的学术著作，没想到里面的插图和版式处理得如此精美。那些繁复的纹样，通过高清的印刷技术，每一个细节都纤毫毕现，简直就像把文物请到了我的书桌上。特别是对于那些早期青铜器上的饕餮纹、玉器上的龙凤纹的解析，看得我心潮澎湃。作者在叙述中并没有直接堆砌大量的专业术语，而是用一种娓娓道来的方式，将这些符号背后蕴含的文化心理和审美变迁娓娓道来。比如，在讲到汉代的几何纹时，那种追求对称和秩序的美感，与当时社会对大一统的渴望形成了奇妙的对应，这种结合让我对纹样的理解不再停留在“好看”的层面，而是上升到了历史语境的解读。全书的排版疏密有致，留白恰到好处，阅读体验极其舒适，即便是长时间沉浸其中，眼睛也不会感到疲惫。

我购买这本书的初衷是想找一本清晰的图鉴来对照学习古代陶瓷上的装饰图案，结果发现它的价值远远超出了这个范围。这本书的目录编排非常巧妙，它没有完全按照朝代顺序来划分，而是开辟了“动物象征”、“植物寓意”、“神话传说”等多个维度来分类纹样，这使得我在检索特定主题时非常方便，例如，我可以直接查找所有与“吉祥瑞兽”相关的图案，而不是被朝代的时间线所限制。其中关于特定纹样在不同文化交流中如何被吸收和改造的章节，特别是丝绸之路上纹饰的传播路径分析，视角非常宏大且具有国际视野。这本书的印刷质量也值得称赞，尤其是对金银错嵌工艺的复原图，细节的层次感处理得非常到位，让我得以窥见古代匠人鬼斧神工的技艺，这对于我理解古代工艺的复杂性是一个极大的帮助。

作为一个研究古代建筑装饰的爱好者，我一直在寻找一本能系统梳理不同朝代风格演变的参考书，这本书的出现简直是为我量身定做的。它最让我惊喜的是，它不仅仅停留在对纹样的罗列和描摹，而是深入探讨了不同材质（如木雕、石刻、陶瓷）对纹样表现力的影响。比如，书中对唐代宝相花纹在敦煌壁画和定窑瓷器上的差异进行了细致的对比分析，前者热烈奔放，后者则内敛温润，这种跨媒介的比较分析视角非常独到。我尤其欣赏作者对色彩运用的考量，虽然是图册形式，但对某些特定时期色彩搭配的倾向性描述，比如宋代极简主义的单色釉对纹饰的烘托，都提供了非常宝贵的思路。这本书的结构逻辑性极强，从远古图腾到近现代的融合创新，脉络清晰，索引做得非常实用，需要查找某个特定时期的纹样时，可以迅速定位，大大提高了我的研究效率。

从画室顺走了第一卷

眼花缭乱，丰富多彩。

工艺美术

眼花缭乱，丰富多彩。

超级好资料。