中国古典戏剧肢体语言

出版者:西南师范大学出版社

作者:张凯

页数:221

出版时间:2005-9

价格:39.80元

isbn号码:9787562133902

具体描述

本书力图用专业化的语言和生动详实的图片、光碟摄像资料，讲述和记录中国古典戏剧舞台上肢体语言的基本描述方法、类别和创作规范等等。它对人们了解中国古典戏剧肢体语言的基本造型、基本律动、基本构成模式，培养戏曲舞台表演人才、普及中国古典戏剧欣赏，具有重要的现实意义。

中国古典戏剧肢体语言是一个全新的边沿学科。它包含了传统表演美学、表演、心理学、表演运动学等多门学科。认真关注和学习中国古典戏剧舞台上的肢体语言描述和构成规律等等，可以减少舞台肢体语言在舞台交流活动中的盲目性、随意性，使表演实践和学习更具宽泛性、效率性和实用性。系统的学习各种戏曲肢体语言的表演程式，还可以从中总结经验，正确对待今天舞台上改革创新出现的困难，避免不必要的失误。另外，学习和研究中国古典戏剧肢体语言，还可以为舞台实践和研究打开一扇科学的方便之门。

本书作为基础表演教材资料，操作性强，理论通俗易懂，可作为表演专业学生和教师的教学参考工具书。同时，也可以作为普通表演爱好者的表演学习教程。

用户评价

不得不说，这本书彻底颠覆了我以往对中国古典戏剧表演的认知。《中国古典戏剧肢体语言》这本书，如同一位技艺精湛的向导，带领我走进了那个由无数精妙绝伦的肢体动作所构筑的艺术殿堂。我曾以为，肢体语言只是表演的辅助，但通过这本书，我才了解到，它在古典戏剧中扮演着何等重要的角色。书中对“身法”的阐述，特别是“拧”、“曲”、“探”、“伏”等基本身法的讲解，每一个动作都蕴含着丰富的内涵和哲学思考。作者还对不同角色的典型肢体动作进行了系统性的梳理，比如林冲的“趟马”是如何展现其矫健的身手，杨贵妃的“起舞”又是如何体现其风姿绰约。尤其让我着迷的是，书中对“眼神”的独到分析，认为“眼为心之窗”，演员通过眼神的传递，能够瞬间捕捉到观众的情绪，并与之产生共鸣。书中还结合了大量的历史文献和舞台实践，为读者呈现了一个全面而深入的肢体语言图景。我发现，那些看似简单或刻板的动作，在经过精心的设计和传达后，能够爆发出强大的艺术感染力。这本书不仅提升了我对古典戏剧的鉴赏能力，更让我对中国传统艺术的严谨与智慧有了更深刻的理解。

《中国古典戏剧肢体语言》这本书，给我带来了前所未有的阅读体验。我一直认为，中国古典戏剧表演是一种高度程式化的艺术，但这本书让我看到了程式背后的自由和创造力。作者并没有把肢体语言描绘成一套僵化的规则，而是深入浅出地阐释了它们如何服务于人物塑造和情感表达。书中对“跑圆场”的多种处理方式进行了细致的分析，例如，如何通过不同的步伐节奏和身体姿态，来表现人物的心理变化，是焦虑、是思念，还是决心。我尤其喜欢书中关于“脸部表情”和“肢体动作”如何相互配合的讨论，强调了“眉目传情”的重要性。书中还探讨了“道具”在肢体表演中的作用，比如马鞭、扇子、剑等，它们不仅仅是道具，更是演员延伸肢体的媒介，能够极大地丰富表演的层次。我记得书中对《穆桂英挂帅》中穆桂英上战场前的准备动作的描写，每一个细节都充满了力量和决心。这本书让我开始更加注重观察演员的每一个细微之处，并且能够从中读出更深层的含义。它不仅是一本理论读物，更是一本实践指南，让我对中国古典戏剧的理解，从此进入了一个全新的境界。

当我翻开《中国古典戏剧肢体语言》这本书时，我带着一份好奇，但也夹杂着一丝疑虑。毕竟，肢体语言这种无形的艺术，要如何通过文字来呈现？然而，随着阅读的深入，我的疑虑逐渐被惊喜取代。作者以其深厚的学术功底和敏锐的艺术洞察力，将抽象的肢体动作转化为具象的文字描述，并且做到如此详尽生动，实在令人赞叹。书中对“趟马”、“亮相”、“圆场”等基本功的讲解，不仅清晰明了，更是将每一个细微的动作分解开来，解释其发力点、重心转移以及与之相伴随的情绪表达。我尤其欣赏作者在分析具体剧目片段时所展现出的功力，例如对《白蛇传》中白娘子水漫金山时的肢体表现，或是《霸王别姬》中虞姬起舞时的每一个眼神流转和袖袍飞扬，都描绘得入木三分，仿佛我真的置身于那个宏大的场景之中。书中还探讨了不同地域、不同剧种（如京剧、昆曲、越旦等）在肢体语言上的差异与联系，这种跨剧种的比较研究，极大地拓宽了我的视野，让我看到了中国古典戏剧肢体艺术的丰富性和多样性。这本书不仅仅是一本理论著作，更是一本实用的“表演指南”。它让我明白，中国古典戏剧的魅力，不仅在于其优美的唱腔和隽永的诗词，更在于那由内而外散发出的，凝聚着东方哲学智慧的肢体表达。

这本书的出版，无疑填补了中国古典戏剧研究领域的一个空白。一直以来，我们谈论古典戏剧，多半聚焦于其台词的韵律、情节的跌宕、人物的塑造，却很少有人深入剖析那些“无声胜有声”的肢体表演。我之所以对《中国古典戏剧肢体语言》这本书产生浓厚的兴趣，正是因为它将目光投向了这一被忽视的角落。通过阅读，我仿佛能够穿越时空，亲临古代的戏台，感受演员们如何通过一个眼神、一个手势、一个转身，将角色的内心世界展现得淋漓尽致。书中对不同行当（生、旦、净、丑）在肢体语言上的独特运用进行了细致的梳理和解读，比如青衣的端庄稳重，花旦的活泼俏皮，净行的刚毅勇猛，丑行的滑稽风趣，这些都通过文字生动地呈现在我眼前。尤其让我印象深刻的是，作者不仅仅停留在对肢体动作的简单描述，而是深入挖掘了这些动作背后的文化内涵和象征意义。例如，一个简单的“亮相”，在不同情境下所传达的情感和信息是截然不同的；一个“圆场”，不仅仅是舞台上的走位，更蕴含着人物内心的起伏和情绪的转换。这本书的学术价值和实践意义都极其显著，它不仅为戏剧研究者提供了宝贵的资料，也为当代演员和导演在理解和演绎古典戏剧时提供了重要的指导。它让我们重新认识了中国古典戏剧表演的深度和广度，也更加体会到中国传统艺术的博大精深。

《中国古典戏剧肢体语言》这本书，对我来说，是一次关于“无声胜有声”的深刻启迪。我一直认为，中国古典戏剧的魅力在于其华丽的唱腔和诗意的唱词，却忽略了那些在舞台上默默传递情感的肢体语言。书中将抽象的动作转化为生动的文字，让我仿佛置身于古代的戏台上，亲眼目睹了那些演员的精湛表演。作者对“身法”的讲解，特别是“转”、“折”、“压”、“踢”等基本功，每一个动作都蕴含着力量的传递和情绪的表达。我尤其赞赏书中对“起范”这一概念的阐释，指出演员如何通过身体的某个瞬间定格，来集中人物的情绪，并以此引发观众的共鸣。书中还详细探讨了“道具”与“肢体”的互动关系，例如如何用扇子来表现人物的内心矛盾，或如何用剑来展现人物的英勇无畏。这些细致的分析，让我对中国古典戏剧的表演艺术有了更深刻的理解，它不仅仅是艺术的呈现，更是人生哲理的体现。这本书让我学会了如何用“心”去感受舞台上的每一个细节，去体会那些言语无法表达的情感。

当我拿到《中国古典戏剧肢体语言》这本书时，我并没有预设它会给我带来怎样的惊喜，毕竟“肢体语言”这个概念听起来似乎比较枯燥。然而，书中以其独特的视角和深入的解析，彻底改变了我的看法。我一直认为，中国古典戏剧的魅力很大程度上在于其唱词的优美和音乐的动听，却从未意识到，那些无声的肢体动作，才是真正连接演员与观众，传递情感与思想的桥梁。作者对“身段”的讲解，特别是对“亮相”的各种变化以及其背后的意图，让我对演员的功力有了更深的敬畏。书中还详细介绍了“发声”与“肢体”如何配合，例如演员在唱腔高潮时，身体会如何做出相应的回应，以增强艺术感染力。让我印象深刻的是，书中对“情节”与“肢体”的关联性分析，同一个动作，在不同的情节中，其含义也会随之变化。作者用大量的案例，如《窦娥冤》中的哭诉、《武松打虎》中的勇猛，生动地展示了肢体语言在叙事中的重要作用。这本书让我重新认识了中国古典戏剧的表演体系，它不仅仅是艺术的展现，更是中国传统文化中“形神兼备”理念的生动体现。

当我翻开《中国古典戏剧肢体语言》这本书时，我抱着一种学习和欣赏的态度，但最终得到的，却远超我的想象。我一直认为，中国古典戏剧的精髓在于其唱词的典雅和旋律的悠扬，却未曾想到，那些在舞台上默默演出的肢体语言，才是真正触动人心的力量。书中对“功法”的系统梳理，如“趟马”、“下场”等基本功，都细致地讲解了其动作要领和技击含义，让我明白了这些动作并非简单的行走，而是蕴含着深厚的功力和技巧。我印象最深刻的是，书中对“戏眼”的捕捉和运用进行了深入的分析，指出演员如何通过一个眼神、一个微小的动作，来抓住观众的注意力，并传递关键信息。书中还详细介绍了不同行当在肢体语言上的典型特征，如老生的稳重、旦角的细腻、净角的豪迈，以及丑角的滑稽。这些分析不仅仅停留在表面，而是深入挖掘了这些特征背后所代表的文化象征和审美追求。这本书让我对中国古典戏剧的表演艺术有了更全面的认识，它不仅仅是技艺的展示，更是文化精神的传承。

《中国古典戏剧肢体语言》这本书，就像是一本尘封已久的武功秘籍，一旦翻开，便能感受到其中蕴含的深厚内功和精妙招式。我一直对中国古典戏剧中的“程式”感到着迷，但总觉得隔靴搔痒，无法真正领会其精髓。直到读了这本书，我才明白，那些程式化的动作背后，是无数代艺人的智慧结晶，是对情感和意境的极致追求。作者对“步法”的解析尤为精彩，从“碎步”、“滑步”到“趟马”，每一个步法都与人物的性格、心理活动以及情节发展紧密相连。书中对“手势”的分类和讲解也让我大开眼界，原来一个小小的“兰花指”，可以传达出多种不同的情绪，或娇柔，或婉约，或哀怨。我尤其欣赏书中对“留白”艺术的探讨，即演员通过省略和暗示，引发观者的想象，从而达到“言有尽而意无穷”的艺术效果。书中还穿插了许多关于戏曲史和表演理论的论述，使得这本书的学术价值和可读性都非常高。它不仅让我学会了如何“看”戏，更让我学会了如何“品”戏，如何从演员的每一个肢体动作中，解读出角色的内心世界和编剧的匠心独运。

一直以来，我对中国古典戏剧的热爱，更多地停留在文本和唱词层面。然而，当我接触到《中国古典戏剧肢体语言》这本书时，我才真正意识到，自己错过了多少精彩。作者并没有仅仅罗列动作，而是将这些动作置于具体的角色和剧情之中，去解读它们所承载的意义。书中的分析非常细腻，比如提到“捋须”这个动作，在不同的情境下，它可以是人物思考的惯性动作，也可以是表达自信、从容，甚至是一种暗示。作者还深入探讨了“眼功”在古典戏剧中的重要性，认为“眼波流转”是传递人物情绪和内心活动的关键。通过书中详实的案例，我开始学会观察，学会去体会那些曾经被我忽略的细节。书中对“身段”的阐释尤其精彩，它不仅仅是身体的姿态，更是人物精神世界的投射。一个“压腿”、“一个“甩发”，背后都蕴含着深厚的文化积淀和情感表达。读这本书，就像是在学习一门新的语言——肢体语言。我开始更加关注舞台上的演员，试着去解读他们每一个细微的动作。这本书让我对中国古典戏剧的理解上升到了一个新的高度，它不仅仅是艺术，更是一种智慧的体现，一种对人性和情感的深刻洞察。

《中国古典戏剧肢体语言》这本书，无疑是为我打开了一扇通往中国古典戏剧表演艺术更深层领域的窗户。我一直认为，古典戏剧的精髓很大程度上体现在其独特的表演程式和审美范式中，而肢体语言无疑是构成这一切的核心要素。书中对“程式化”的肢体动作如何被赋予生命力的解读，让我豁然开朗。作者并非简单地将这些程式视为僵化的套路，而是深入剖析了其产生的历史背景、文化根源以及在不同时代、不同流派中的演变。例如，书中关于“甩袖”动作的分析就让我印象深刻，它不仅仅是展示服装的华丽，更是一种情感的宣泄，一种内心情绪的流淌。作者还特别强调了“虚实结合”在肢体表演中的重要性，指出许多动作的意境是通过“虚”来传达的，需要观者用心去体会。书中对“脸谱”和“服装”如何与肢体语言相互作用的探讨，也为我提供了新的视角。这些元素并非孤立存在，而是共同构建了一个完整的表演体系。阅读过程中，我时常会回想起曾经看过的经典剧目，并尝试将书中的分析应用进去，这让我对那些熟悉的情节和人物有了全新的认识。这本书的价值在于，它不仅仅满足了我的求知欲，更点燃了我对中国古典戏剧更深层次的探索热情。