中华艺术通史11

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出版者:北京师范大学出版社
作者:单国强
出品人:
页数:401
译者:
出版时间:2006-6
价格:180.00元
装帧:
isbn号码:9787303077076
丛书系列:中华艺术通史
图书标签:
  • 艺术史
  • 艺术史
  • 中华艺术
  • 通史
  • 艺术
  • 中国文化
  • 历史
  • 文化
  • 绘画
  • 雕塑
  • 建筑
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具体描述

《世界艺术史纲要:从史前到现代的审美变迁》 内容简介 本书旨在勾勒一部宏大而精微的世界艺术发展脉络,聚焦于人类审美观念的演变、艺术形式的创新与地域文化的交融。我们避开了对单一国家或特定时期艺术的过度聚焦,转而采用全球视野,深入剖析不同文明在各自历史节点上对“美”与“意义”的独特表达与传承。全书结构清晰,内容翔实,力求为读者提供一个既有深度又有广度的艺术通识框架。 第一部分:起源与奠基——史前至古典时期的艺术萌芽与秩序建立 第一章:人类的第一次创作冲动——史前艺术的象征意义 本章追溯艺术的源头,考察旧石器时代的洞穴壁画(如拉斯科和阿尔塔米拉)如何从简单的记录行为演变为复杂的巫术、生育崇拜或宇宙图景的象征表达。我们分析了新石器时代陶器纹饰的几何化趋势,以及巨石阵等纪念性建筑所体现的早期天文学与社会组织结构的关联。重点探讨了早期人类如何通过物质媒介构建世界观,并确立了“再现”与“符号”的最初关系。 第二章:尼罗河畔的永恒追求——古埃及的“不朽”艺术 着重分析古埃及艺术的宗教性与规范化特征。探讨了从早期王朝到托勒密时期的艺术风格演变,但核心关注点在于其严格的“正射”原则如何服务于法老的永恒统治和来世信仰。我们详细解读了陵墓壁画、神庙浮雕的符号系统,以及雕塑中对“卡”(Ka)与“巴”(Ba)的物质化呈现,揭示其艺术形式如何与政治神学深度绑定。 第三章:两河流域的文明印记——苏美尔、阿卡德与巴比伦的叙事性艺术 本章对比了美索不达米亚文明在泥板、圆柱印章及大型城邦建筑中的艺术实践。重点考察了《汉谟拉比法典》石碑上的浮雕所体现的权力授予仪式,以及亚述宫殿中描绘战争与狩猎的浮雕如何成为国家意识形态宣传的工具。不同于埃及的永恒静止,两河艺术更具叙事动感和历史记录的使命。 第四章:爱琴海的辉煌与理性之光——古希腊艺术的理想化进程 系统梳理了古希腊艺术从几何风格到古典盛期“完美人像”的演变。通过对陶器上神话故事的分析,展现其叙事能力的提升。在雕塑方面,我们深入剖析了从“库罗斯”(Kouros)到“持橄榄枝者”的肌肉解剖学研究与人体比例尺度的革新(如波留克列特斯的“法则”),探讨了理性主义哲学如何塑造了对和谐、比例与理想美的追求。 第五章:实用与宏伟的结合——古罗马的工程艺术与现实主义 本章侧重于罗马人在继承希腊艺术遗产的基础上所做出的关键性贡献:工程技术与现实主义肖像的结合。详细介绍了万神殿的结构创新、公共浴场的空间规划,以及凯旋门和纪念柱(如图拉真纪功柱)如何将艺术作为政治宣传的载体。罗马肖像艺术对个体特征的细致刻画,标志着古典艺术从理想化转向世俗化和写实化。 --- 第二部分:信仰的塑造与地域的张力——中世纪至文艺复兴的转向 第六章:光与彼岸的营造——拜占庭与早期基督教艺术 考察了罗马帝国晚期至拜占庭帝国,艺术重心如何从世俗转向神圣。本章详细解析了马赛克镶嵌画的非物质化特征,如圣索菲亚大教堂的穹顶,以及圣像画(Icon)作为“通往神性之窗”的神学意义。分析了这种对平面化、符号化和金色背景的偏爱,如何为后来的西方与东方艺术发展埋下了伏笔。 第七章:黑暗时代的秩序重建——罗马式与哥特式建筑的演进 本章聚焦于中世纪欧洲的艺术中心——教堂。对比了罗马式(厚重、封闭、象征性防御)与哥特式(轻盈、向上、光线渗透)建筑风格的结构差异,并分析了飞扶壁、肋拱和玫瑰窗等技术创新如何服务于“让建筑充满上帝之光”的宗教目标。同时,探讨了手抄本插画、雕塑装饰在教化大众中的作用。 第八章:回归人文的觉醒——早期文艺复兴的透视革命 本章深入探讨了十四、十五世纪,艺术思想如何从神本转向人本。重点分析了透视法(线性透视)的发明者布鲁内莱斯基和阿尔伯蒂对空间再现的革命性贡献。通过研究乔托对情感的首次自然表达,以及马萨乔对人体体积感的重新认识,揭示了古典精神在佛罗伦萨如何被重新激活。 第九章:盛期的完美与张力——达·芬奇、米开朗基罗与拉斐尔的和谐 分析了十六世纪初意大利文艺复兴的巅峰成就。探讨了达·芬奇对“晕涂法”与心理深度的探索、米开朗基罗在西斯廷天顶画中对英雄式人体和精神挣扎的刻画,以及拉斐尔对古典和谐的集大成。本章强调了这一时期艺术家如何将科学、哲学与艺术完美融合,追求极致的完美形式。 --- 第三部分:动荡与反思——巴洛克至现代艺术的多元探索 第十章:情感的洪流与戏剧性光影——巴洛克艺术的冲击力 本章分析了巴洛克艺术如何作为反宗教改革的工具,通过强烈的动态、深沉的明暗对比(卡拉瓦乔的“明暗对照法”)和对观众情感的直接调动,来重申天主教的权威与感召力。考察了贝尔尼尼雕塑中捕捉瞬间动作的技巧,以及鲁本斯作品中丰沛的生命力。 第十一章:理性之镜与感官的解放——新古典主义与浪漫主义的对立 对比了十八世纪末至十九世纪初两种截然不同的艺术倾向。新古典主义(如大卫)对古罗马共和国美德的推崇与对清晰线条的坚持,与浪漫主义(如德拉克洛瓦)对非理性、自然伟力、个人情感和异域风情的赞美形成鲜明对比。这标志着艺术开始关注个体经验与社会变革。 第十二章:工业革命的阴影与光斑——现实主义与印象派对世界的重新观看 探讨了摄影术的出现如何解放了绘画对“如实再现”的责任。现实主义(如库尔贝)将目光投向普通劳动者,而印象派(如莫奈)则彻底转向了光线、色彩和瞬间视觉印象的研究,打破了传统学院派对主题和笔触的限制。 第十三章:个体经验的无限延伸——后印象派与现代艺术的开端 本章是理解二十世纪艺术的关键过渡点。分析了塞尚对结构和形式的几何化重构,梵高对色彩的主观情感表达,以及高更对原始性与象征意义的追寻。他们的工作直接导向了野兽派、立体主义和表现主义的诞生,标志着艺术主体从“描绘世界”转向“建构世界”。 第十四章:二十世纪的革命浪潮——抽象、结构与反思 系统梳理了二十世纪初至二战后的主要艺术运动:从康定斯基的纯粹抽象,到毕加索和布拉克的立体主义对多视点视角的探索,再到超现实主义对潜意识的挖掘。探讨了战后艺术如何转向探索媒介本身(如抽象表现主义)以及艺术与日常生活的界限(如波普艺术)。 本书的价值在于提供了一个跨越数千年、横跨各大洲艺术实践的综合参照系,帮助读者理解艺术史并非线性的进步,而是人类文化、哲学、宗教与社会结构相互作用下产生的复杂景观。

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读后感

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读完《中华艺术通史11》,心中涌动着一种难以言喻的激动。这本书的内容实在是太丰富太全面了,简直是一部浓缩的中华艺术史百科全书。它不仅仅覆盖了绘画、雕塑、建筑、书法、音乐、戏曲这些传统意义上的艺术门类,更深入地探讨了许多我之前未曾留意过的艺术形式,比如陶瓷工艺、丝织品设计、园林艺术等等,其广度令人惊叹。作者的笔触兼具学术的严谨性和文学的感染力,在讲述艺术流派和风格演变时,常常会引经据典,旁征博引,但又不会显得枯燥乏味。我尤其喜欢书中对不同地域、不同民族艺术特色的对比分析,这种视角让我看到了中华艺术内部的多样性和包容性,打破了我原有的某些片面认知。书中对每一件代表性艺术品的解读都十分到位,不仅描述了其外在形态,更挖掘了其产生的历史背景、工艺特点以及文化象征意义。读到某些精彩的段落,我甚至会掩卷沉思,仿佛身临其境,感受那份来自遥远时空的艺术魅力。这是一本值得反复阅读、细细品味的著作,每一次翻阅,都会有新的发现和感悟。

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《中华艺术通史11》是一部真正意义上的“通史”,它不仅全面覆盖了中华艺术的各个领域,更在各个领域之间建立起了深刻的联系,展现出中华艺术一以贯之的精神内核。作者的叙述角度非常独特,在讲述绘画史时,会穿插描写与绘画相关的书法、诗歌,甚至建筑和园林的设计理念,这种多学科融合的视角,使得整部作品的叙事更加立体和生动。我尤其喜欢书中对艺术史上的重要转折点的分析,比如佛教传入对中国绘画和雕塑的影响,士大夫阶层兴起对文人画的影响,以及西方绘画技法传入对中国传统绘画的冲击和融合。作者对这些复杂问题的阐释清晰而深刻,能够帮助读者理清艺术发展的内在逻辑。阅读过程中,我常常会因为作者的某个独到见解而茅塞顿开,也会因为书中描绘的某些艺术瑰宝而心生向往。这是一本让我受益匪浅的书,它不仅传授了我丰富的艺术知识,更重要的是,它教会了我如何从更宏观、更深入的角度去理解和欣赏中华艺术。

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这是一本让我真正感受到“通”的书。 《中华艺术通史11》在梳理和介绍中华艺术的发展脉络时,展现出一种令人佩服的宏观视野和高度概括能力。作者并非孤立地看待艺术,而是将其置于中国社会、哲学、宗教、科技等各个方面的影响之下,立体地展现艺术的产生、发展与流变。我尤其欣赏书中对不同时期艺术风格成因的分析,比如汉代艺术的雄浑奔放与秦代艺术的严谨粗犷之间的联系,唐代艺术的雍容华贵与宋代艺术的清雅内敛的对比,以及明清时期艺术的世俗化和生活化趋势。作者的论证过程严谨而富有说服力,通过大量的实例和深入浅出的讲解,将复杂的艺术史变得清晰易懂。阅读这本书,我感觉自己仿佛置身于一个巨大的艺术博物馆,在一位博学多识的向导的带领下,欣赏着一件件精美的艺术品,聆听它们讲述着千年的故事。这本书极大地拓展了我的艺术视野,也让我对中国传统文化的博大精深有了更深层次的理解。

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《中华艺术通史11》给我带来的震撼,是一种对历史纵深的全新感知。这本书的叙述方式非常有特点,它不拘泥于线性时间顺序,而是巧妙地将不同时期、不同主题的艺术现象联系起来,形成一种网状的、互文式的理解。我特别喜欢其中关于“意境”的探讨,作者如何通过对山水画、诗歌、音乐的分析,层层剥离出中国传统艺术中那种“言有尽而意无穷”的独特美学追求,让我对“留白”、“气韵生动”等概念有了更深刻的理解。书中对一些被忽视的艺术细节的关注也让我印象深刻,比如古代服饰的刺绣纹样、宫廷建筑的木雕工艺、民间生活的剪纸艺术,这些看似“小”的艺术形式,在作者的笔下却闪耀着时代的光辉,折射出当时社会的风貌和人们的生活情趣。阅读的过程中,我常常会因为某些精辟的论述而拍案叫绝,也常常会因为某些感人的艺术故事而潸然泪下。这本书不仅是一次艺术知识的普及,更是一次心灵的洗礼,让我对中华民族深厚的文化底蕴有了更敬畏的认知。

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这是一本厚重的作品,从书名就能感受到它的分量。《中华艺术通史11》在我手中,不仅仅是一本关于艺术的书,更像是一扇穿越历史的窗户,让我得以窥见那些在时间长河中闪耀的中华文明的璀璨篇章。翻开第一页,便被其宏大的叙事所吸引,作者并非简单地罗列艺术品,而是将它们置于社会、文化、政治的脉络中,细致入微地展现了各个时代艺术发展的动因与演变。从古代陶器的古朴粗犷,到青铜器上精美绝伦的纹饰,再到唐诗宋词的韵味悠长,乃至明清绘画的细腻写实,每一个时期的艺术成就都被赋予了鲜活的生命力。我尤其欣赏作者在分析艺术品背后的思想内涵时所展现的深刻洞察,那些看似冰冷的器物和画作,在作者的笔下,都承载着古人的喜怒哀乐,反映着他们对天地、对人生的理解。阅读的过程,仿佛与古圣先贤进行了一场跨越时空的对话,他们的智慧、他们的情感,都通过艺术的形式传递给我,让我对中华民族的文化根脉有了更深切的认识和体悟。这本书的排版和印刷也属上乘,精美的插图与文字相得益彰,极大地提升了阅读体验,即便是在细节之处,也能感受到出版方的用心。

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