表演应试手册

出版者:中国电影

作者:林洪桐

页数:249

出版时间:2007-1

价格:30.00元

isbn号码:9787106026455

具体描述

本书强调了书中内容的对应性和有效性，强调了信息量的充分，务实与实用地解决了考生备考的心理准备问题，在心理上、观念上、方法上告诉和引导考生，对阅读招生简章、查询资料、思考报名，准备资料、填写志愿、自选项目、自选选题、如何应对、文字准备、事前辅导、命题准备、考场发挥、注意事项等各个方面的问题，均从考试的实际要求和考生的需要出发进行阐释。 本书系统论述和解决了考试的宏观认识和宏观指导的问题，突出了几项重要的考试观念和观点： 1）考试是一场竞争的PK，具有淘汰的性质，具有不可重复和逆转性，要想办法在考试的过程中，突出自己的个性优势与特点，充分注意扬长避短。 2）考试的过程关键是人，是人的心理状态和感觉，所有的题目是要做一些相应的准备，出题的目的对人来讲，是要通过解题了解人，我们要善于通过考试的解题，将本人的知识、才华、特点充分地表达出来，即便是自选的朗诵、歌唱、形体，都要能充分展示个人的优势与特点。 3）考生要注意吸引、感动和征服考官，考试的过程防止应付，避免大众化、概念化、一般化与雷同化，争取与众不同。考试的过程是教师观察考生、了解考生的过程，更是考察考生基本表演潜质、素质的过程。 4）所有考生大都没有表演的经验，也没有经过专业的训练，关键是要看考场上能否表达出个人的特点、优势，考生的悟性、反应、信念、真实、真诚都比较重要，我们也是在这个过程中，考察考生的反应力、理解力、想像力、表现力，提高心理应变的能力，要有平和心态，充分发挥自己的水平。 5）在考试前，考生要充分、认真做好心理与专业的准备，考试的一次性和变化性，决定了考试的复杂性，我们要善于把握一年一次的机会，牢牢记住初试、复试、三试的内容、环节、目的、要求，所以，考生要全面掌握考试的信息，发挥特长的优势，有针对性地进行认真的准备。 6）准备小品的考试，是一个锻炼考生综合能力的考试，为节约考试时间，表演命题无论大小、命题无论集体个人，都是通过考试来观察单独的个人，考生要有心智去面对群体，要学会在融入集体的过程中，充分表现自己，注意不要被命题、集体、人数所束缚，尽一切可能在众多的表演中发挥出彩，脱颖而出。 7）告诫考生怎么样调整自己的心态，如何正、确地面对考试和竞争，怎样进行科学化的准备，如何正确地估价自己和看待考试。

用户评价

我是在朋友的极力推荐下接触到这本关于舞台艺术的书的。坦白说，我原本以为它会充斥着大量的术语和晦涩的理论，但实际阅读体验完全出乎意料——它像一本散文集，文笔流畅且富有画面感。作者似乎有一种魔力，能把枯燥的排练过程写得引人入胜。书中对于“即兴创作”的探讨，可以说是点睛之笔。它不是简单地罗列即兴的规则，而是描绘了一幅在压力下迸发灵感的“心智地图”。书中提到，真正的即兴不是无所顾忌地胡说八道，而是建立在扎实基本功之上的一种“有准备的自由”。我特别欣赏其中关于“倾听的艺术”的章节，它指出，在表演中，你对搭档的反应比你预设的动作更重要。这让我开始反思自己在以往的表演片段中，是否总是过于关注自己的台词和走位，而忽略了与对手之间微妙的能量交换。从这本书中，我学到了一种新的看待排练的态度：排练不是为了演出一次完美的结果，而是为了在探索中发现角色新的生命力。它让我对排练这件事重新燃起了热情，不再视其为一种必须忍受的苦役，而是一场与自我、与剧本持续对话的冒险。

读完这本关于表演哲学的书籍，我最大的感受是它提供了一种非常扎实的“心理安全网”。很多演员害怕失误，害怕在关键时刻“掉链子”，而这种恐惧本身往往就成了最大的障碍。这本书似乎洞悉了这种普遍的焦虑，并在开篇就着力构建了一种“允许犯错”的创作氛围。作者用了大量的篇幅来讨论“角色分离”与“角色沉浸”之间的平衡，这对我这样一个容易“出戏”的演员来说简直是救赎。它强调，入戏是必须的，但如何安全地抽离同样重要，这关系到演员的心理健康和可持续发展。书中没有空泛的说教，而是提供了一套系统性的“心理复位”练习。比如，当一场戏结束后，如何通过特定的仪式性动作或思维转换，快速地将角色的情绪包袱卸下，回到自己身上。这种对演员身心健康的关注，让这本书超越了单纯的技术指导，更像是一部贴心的“同行互助指南”。它让我明白，一个强大的演员，首先是一个心理素质过硬的个体。

这是一本可以反复翻阅的工具书，每次重读都能发现新的领悟。它最独特的地方在于对“非语言沟通”的深度挖掘。许多表演书籍会谈论眼神交流和肢体动作，但这本则将焦点对准了“空间利用率”和“舞台上的留白”。作者认为，演员在舞台上占据的空间，以及他们选择“不做什么”的时刻，与他们积极表达的内容同样重要。书中详细分析了大师们如何通过微小的走位调整来控制观众的视线焦点，如何利用舞台的边缘地带营造悬念或疏离感。比如，一个角色站在舞台中央，看似不动，但其身体的微张或微收，都在无声地向观众发出信号。我尤其对书中关于“角色动机的视觉化呈现”的案例分析印象深刻，它教我们如何将一个抽象的内心渴望（比如“被认可”），通过一个具象化的、重复的小动作（比如不自觉地整理衣领），不动声色地传递给台下的人群。这本书彻底改变了我对舞台空间以及个人存在感的认知，它让我明白，在表演中，安静的力量往往比喧哗更有穿透力。

这本书的结构设计得非常巧妙，仿佛是一部由浅入深递进的“内功心法”。它并非面向单一领域的表演者，而是对所有渴望提升舞台表现力的人都具有指导意义。我印象最深的是关于“声音的色彩”那一章。通常我们都关注声音的响度和清晰度，但这本书深入挖掘了声音所能承载的情感细微差别——比如，同样是“害怕”，一个人物因紧张而屏住呼吸的声音，和一个因震惊而突然倒抽凉气的声音，其背后的身体状态和心理暗示是完全不同的。作者通过详细的呼吸练习和发声示范（尽管是文字描述，但逻辑清晰到仿佛能听见），指导我们如何调动身体的共振腔来发出“有质感”的声音。这对于舞台演员至关重要，因为在没有麦克风的剧场里，声音的穿透力和情绪的传递是成败关键。此外，书中还提到了很多关于如何在不同光影条件下调整面部微表情的技巧，这些细节之处，正是区分业余和专业表演者的地方。它教会我，表演是一门精确的科学与感性的艺术的完美结合体。

这本关于表演的指南，内容涉猎之广，让我这个非科班出身的爱好者也受益匪浅。它并没有直接提供一套“速成秘籍”，反倒更像是一位经验老到的导师，循循善诱地引导读者去理解表演的本质。书中对人物内心世界的剖析尤其精彩，不仅仅是教你如何“模仿”情绪，而是深入探讨了情绪的触发机制和层级变化。我特别喜欢它关于“情境构建”的部分，作者用了很多生动的案例来解释如何在舞台上或镜头前，通过对环境的细致观察和代入，来完成角色的塑造。例如，它会详细解析一个微小的肢体语言是如何传递出复杂潜台词的，这对很多初学者来说是至关重要的基础功。更重要的是，这本书强调了“真诚”在表演中的不可替代性，它告诫我们，技术是工具，而只有源于生活、源于内心的真诚，才能真正打动观众。对于那些在表演路上感到迷茫，总想寻找捷径的人来说，这本书无疑是一剂清醒剂，它告诉我们，真正的表演是长期的积累和对人性的深刻洞察，而非一时的技巧炫耀。读完之后，我感觉自己对舞台和镜头的敬畏感更深了，也更清楚地认识到，要成为一个好的演员，首先要成为一个更懂得生活、更懂得观察世界的人。

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