中国国画名作100讲

出版者:百花文艺出版社

作者:刘会彬

页数:225

出版时间:2007-1

价格:27.00元

isbn号码:9787530646434

具体描述

《中国国画名作100讲》包括：中国画温良敦厚之一——晋·顾恺之《洛神赋图》、山水形势，可以媚道——隋·展子虔《游春图》、文人画与禅意相通——唐·王维《山阴图》、却待细闻取，林幽水杳然——唐·李思训《江帆楼阁图》等。

用户评价

《中国国画名作100讲》这本书，就像一位饱经风霜的艺术大师，用温厚的声音向我娓娓道来那些沉淀在宣纸上的千年故事。我并非科班出身，对国画的了解也仅限于一些泛泛的认识，甚至在翻开这本书之前，我脑海中的国画印象还停留在“山水”、“花鸟”、“人物”这样最基础的分类上。然而，当我的指尖拂过书页，触碰到那些精心印刷的、仿佛拥有生命力的画作时，我感到一种前所未有的震撼。它没有给我枯燥的理论，而是用一种非常接地气的方式，将每一幅名作背后的创作背景、作者的心路历程，甚至当时的历史风貌都一一呈现。我尤其喜欢其中关于《清明上河图》的讲解，不仅仅是那些错落有致的建筑、熙熙攘攘的人群，作者更是深入剖析了张择端是如何通过这些细节，精准地捕捉到北宋汴京最真实的生活气息，那种市井的喧嚣、商贾的吆喝、百姓的欢笑，都仿佛穿越时空来到了我的眼前。作者的笔触细腻而富有情感，不是简单地罗列事实，而是将自己对艺术的热爱、对历史的敬畏，以及对人性的洞察，融入到每一段文字中。读完关于《千里江山图》的章节，我仿佛真的站在了那片壮丽的江山之中，感受着王希孟年少时的豪情壮志，也体会着他对色彩与构图的极致追求。这本书让我明白，国画不仅仅是绘画，它是一种文化，是一种精神，是一种对生活的热爱和对自然的敬畏。它让我重新认识了中国传统艺术的博大精深，也激发了我进一步探索和学习的欲望。

《中国国画名作100讲》这本书，就像一位经验丰富的向导，带领我穿越了中国绘画的浩瀚星河。在此之前，我对国画的了解非常有限，更多的是一些模糊的印象和片面的认知。然而，这本书彻底改变了我对国画的看法。作者的视角非常独特，他不仅仅是介绍画作的技法和内容，更重要的是他能够挖掘出画作背后所蕴含的文化信息、历史背景和作者的个人情感。我尤其喜欢书中对元代四大家，特别是王蒙《青卞隐居图》的解读。作者详细描绘了王蒙如何将自己的生活情趣和对山林的喜爱，融入到这幅画中，那种高远深邃的意境，仿佛将我带入了那个隐士的悠然自得之中。他分析了画中的皴法、构图，以及如何通过这些元素来营造出一种宁静致远的氛围。同样，对于明代唐寅的《山路松风图》，作者也进行了细致的解读，他不仅描绘了画面中人物的动态和山势的雄伟，更重要的是他让我理解了唐寅作为一个落魄文人的情怀，以及他对自由和自然的向往。这本书让我感觉到，每一幅名作背后都有一个故事，都蕴含着一位艺术家的灵魂。它让我看到了中国国画的丰富多样性，也让我对中国传统文化有了更深层次的理解和感悟。

《中国国画名作100讲》这本书，是我近期阅读中最具启发性的一本书。作为一名对艺术充满好奇但缺乏专业知识的读者，我常常感到自己无法真正领略国画的精髓。然而，这本书以其独特的方式，打破了艺术与我之间的隔阂。作者的功力体现在他能够将复杂深奥的艺术理论，用通俗易懂、生动有趣的语言呈现出来。我尤其喜欢他对清代宫廷绘画的解读，他不仅详细介绍了那些皇家御用的画作，更重要的是他深入探讨了这些画作所反映的政治背景、社会风貌以及当时的审美趣味。读到关于郎世宁的章节，我被他将西方绘画的写实技巧与中国传统绘画相结合的创新精神所折服，作者更是详细分析了他如何通过细致的观察和精湛的技法，创作出那些栩栩如生的动物和人物。这本书让我明白，国画并非一成不变，它也在不断地发展和演变，吸收和融合着各种文化元素。作者还善于在解读画作时，融入自己独到的见解和思考，让我不仅仅是了解画作本身，更是能够引发我对艺术、对历史、对人生的更深层次的思考。例如，在解读元代黄公望的《富春山居图》时，作者不仅仅描绘了画面的美景，更让我体会到了黄公望那种对生活的热爱和对自然的向往。这本书让我感觉，我不仅仅是在阅读一本书，更是在与一位博学的艺术家进行一场心灵的对话。

我不得不承认，在接触《中国国画名作100讲》之前，我对国画的认知是有些片面的，我总觉得国画离我太远，是一种阳春白雪的艺术。然而，这本书以其独特的魅力，彻底颠覆了我的这种刻板印象。作者的叙述风格极其引人入胜，他没有使用那些枯燥乏味的学术术语，而是用一种通俗易懂、富有感染力的语言，将每一幅名作背后的故事娓娓道来。我印象最深刻的是关于“海上画派”的章节，作者不仅介绍了他们的代表作品，更重要的是他深入探讨了他们如何将中国传统绘画与西方绘画元素相结合，如何创作出既有民族特色又符合时代潮流的作品。读到关于虚谷的章节，我被他那种“丑怪”的笔法和独特的构图所吸引，作者更是深入解读了他作品中蕴含的幽默感和对传统美学的挑战。这本书让我明白，国画并非只有一种解读方式，它同样可以充满个性和创新。作者还善于将一些看似不相关的画作联系起来，让我能够更清晰地理解中国绘画在不同历史时期的发展脉络和风格演变。比如，在解读了宋代山水画的严谨之后，再阅读元代文人画的写意，我能够更直观地感受到这种风格的转变和艺术理念的差异。这本书真正让我感受到了中国国画的魅力所在，也让我对中国传统文化充满了敬意。

拿到《中国国画名作100讲》这本书的时候，我内心是带着一份好奇和忐忑的。我担心它会像很多艺术类书籍一样，充斥着晦涩难懂的术语和学院派的理论，让像我这样的普通读者望而却步。然而，事实证明我的担忧是多余的。这本书以一种极其友好的姿态，向我展示了中国国画的魅力。作者的语言风格非常朴实自然，没有故作高深，而是用一种娓娓道来的方式，带领我走进中国国画的殿堂。我尤其喜欢它对明清时期绘画的解读，比如关于“扬州画派”的那些介绍，作者不仅仅是介绍他们的作品，更是深入探讨了他们的创作理念，他们如何打破陈规，如何在绘画中融入自己的个性和对社会的观察。读到关于八大山人的章节，我感受到了他画作中那种特有的孤寂和对生命的思考，那种寥寥几笔的写意，却蕴含着深邃的情感。作者还善于将不同时期、不同风格的画作进行对比和关联，这让我能够更清晰地理解中国国画在历史长河中的发展脉络和演变。书中关于《富春山居图》的讲解，更是让我惊叹不已，作者详细介绍了黄公望创作这幅画的艰难历程，以及这幅画在历史上传播过程中所经历的波折，这些故事让这幅画不仅仅是一幅山水画，更承载了一段传奇的历史。这本书真正做到了“雅俗共赏”，让我在享受艺术的同时，也收获了丰富的知识。

《中国国画名作100讲》这本书，给我带来的不仅仅是知识的积累，更是一次心灵的洗礼。我一直认为，艺术品之所以被誉为“名作”，是因为它们拥有超越时空的生命力，而这本书恰恰做到了这一点。它不是简单地将一百幅画作陈列出来，然后加上几句官方的评价，而是通过作者深厚的学养和独到的视角，将每一幅画作背后的故事、创作意图、甚至作者当时的心境，都展现得淋漓尽致。我读到关于《洛神赋图》的章节时，就被深深吸引。作者详细讲解了顾恺之是如何将曹植的诗词意境，通过笔下飘逸的线条和细腻的色彩，转化为一幅幅充满情感的画面，那种若即若离、哀婉动人的情愫，透过书页仿佛渗透出来。他分析了画中人物的衣袂飘飘，眼神的顾盼流转，每一个细节都充满了艺术的张力和人文的关怀。同样，在解读《韩熙载夜宴图》时，作者更是带我进入了那个纸醉金迷的南唐宫廷，从画中人物的表情、动作、服饰，我看到了那个时代的生活方式、审美情趣，甚至是一些潜藏在繁华之下的危机。作者的文字如同拥有魔力，能够将静态的画面赋予生命，让我仿佛置身于那个历史的洪流之中。这本书让我明白，欣赏国画，其实就是在阅读历史，阅读人性，阅读那些流传千年的情感与智慧。

我一直以为，要欣赏国画，需要很深的艺术功底和漫长的学习过程。直到我遇见了《中国国画名作100讲》，我才发现，原来艺术可以如此触手可及，如此引人入胜。这本书最大的魅力在于，它不是高高在上的理论说教，而是将那些看似遥不可及的名家名作，通过一个个生动的故事、一段段引人入胜的解读，拉近了与我们普通读者的距离。我印象最深刻的是关于“扬州八怪”的章节，作者没有简单地介绍他们的画风，而是深入挖掘了他们与当时社会环境的互动，他们不拘一格、挑战传统的艺术精神，以及他们作品中蕴含的独特个性和对自由的向往。读着读着，我仿佛看到了郑板桥在竹林间挥洒笔墨，感受到了金农笔下金石味的庄重，也理解了他们为何能够在中国艺术史上留下浓墨重彩的一笔。书中对每一幅作品的解读，都充满了作者的个人见解和独到思考，他会引导你去发现画作中那些容易被忽略的细节，比如一笔线条的力度、色彩的搭配、甚至是留白的巧妙运用，这些都能够极大地提升我们对画作的理解和欣赏能力。我特别喜欢作者在分析齐白石的虾时，不仅仅描述了虾的形态逼真，更重要的是他解读了齐白石如何通过简练的笔触，捕捉到虾的生命活力，那种在水中游弋的灵动感，简直呼之欲出。这本书让我从一个门外汉，逐渐变成了一个对国画充满好奇和热情的爱好者，它点燃了我对中国传统文化的热爱之火。

我一直认为，要真正理解中国国画，需要花费大量的时间去学习和研究。直到我遇见了《中国国画名作100讲》这本书，我才意识到，原来艺术可以如此贴近我们的生活，如此引人入胜。作者的叙述方式非常独特，他没有采用枯燥的学术语言，而是用一种充满人文关怀的笔触，将每一幅名作背后的故事、作者的心境，以及那个时代的风貌，都一一展现在我面前。我特别喜欢书中对明代文徵明的解读，作者不仅介绍了他的画作，更深入挖掘了他作为一个文人的生活经历和艺术追求。读到关于《寿山福海》的章节，我被他那种祥和、喜庆的氛围所感染，作者更是详细分析了他如何通过笔墨来传递对美好生活的祝愿。这本书让我明白了，国画不仅仅是视觉的享受，它更是情感的传递，是文化的载体，是历史的见证。作者还善于将不同时期、不同风格的画作进行对比和关联，让我能够更清晰地理解中国绘画在历史长河中的演变和发展。例如，在解读了宋代山水画的宏伟壮丽之后，再阅读清代“扬州八怪”的写意和个性，我能够更直观地感受到这种风格的转变和艺术理念的差异。这本书让我感觉，我不仅仅是在看画，更是在与那些伟大的艺术家进行一次穿越时空的对话，感受他们的人格魅力和艺术精神。

我一直觉得，艺术是一种语言，而《中国国画名作100讲》这本书，就是一本能够帮助我解读中国国画这种语言的“词典”和“语法书”。作者的功力非常深厚，他对中国国画的理解已经达到了一个非常透彻的境界，但他并没有因此而故弄玄虚，而是用一种非常平易近人的方式，将那些精妙的艺术表达呈现出来。我非常欣赏书中对于清代“海派”绘画的解读，作者详细介绍了任伯年、吴昌硕等艺术家的创作风格，以及他们如何在继承传统的基础上，融入西方的绘画技法和时代精神。他让我看到了中国画在近代如何应对西方艺术的冲击，并从中汲取营养，焕发出新的生命力。读到关于吴昌硕的章节，我被他那雄浑的笔力、古朴的金石味所折服，作者更是深入剖析了他如何将书法、篆刻的功力融入绘画，以及他对花卉、蔬果的独特表现手法。这本书不仅仅是介绍画作本身，更是将画作置于其所处的时代背景、文化土壤中进行解读，让我能够更全面地理解每一幅作品的价值和意义。例如，在分析明代沈周的《庐山高》时，作者不仅描绘了画作的宏伟壮丽，更让我体会到沈周那种隐逸的情怀和对高洁品格的追求。这本书让我感觉，我不仅仅是在看画，更是在与那些伟大的艺术家进行跨越时空的交流，感受他们的人格魅力和艺术精神。

《中国国画名作100讲》这本书，对于我这个对中国传统艺术充满向往，却又常常感到力不从心的人来说，简直是一份宝贵的礼物。我曾经尝试阅读一些关于国画的书籍，但往往因为其艰深的理论和晦涩的文字而放弃。然而，这本书却以一种完全不同的方式，让我重新燃起了对国画的热情。作者的叙述方式非常生动有趣，他不是简单地介绍画作的“是什么”，而是更注重讲述画作的“为什么”以及“怎么样”。例如，在分析唐代阎立本的《步辇图》时，作者不仅仅描述了画面中的人物和场景，更是详细解释了这幅画所代表的历史意义——汉族与吐蕃的友好往来，以及它在中国绘画史上的地位。他用非常形象的比喻，让我能够理解画中人物的身份和关系，也让我体会到中国古代画家是如何通过画笔来记录历史、表达情感的。我特别喜欢作者对宋代山水画的解读，他不仅仅分析了范宽《溪山行旅图》的雄浑气势，还探讨了当时的哲学思想如何影响了山水画的创作。他让我看到了中国山水画中蕴含的“天人合一”的哲学理念，以及画家如何通过笔墨来表达对自然的敬畏和对宇宙的思考。这本书让我感觉到，我并非在阅读一本画册，而是在与一位博学多才的智者对话，他循循善诱，引导我一步步深入国画的奥秘。

入门看画，至于文字，多数忽略。

入门看画，至于文字，多数忽略。

中国画100讲

准备炒下回锅肉！再读，不只是画，而是化

正如该书的跋里面介绍的那样，这不是一本从技法和构图角度简单介绍中国国画作品的书，而是全面基于这些作品所处的时代审美情趣和文化氛围，深入阐述作品内涵的一本好书。读着作者对一幅幅国画名作的讲解，对中国传统文化的认知和感情日渐深厚。