Islamic Design

作者:Dover

页数:127

出版时间:2004-11

价格:361.15元

isbn号码:9780486996363

具体描述

Among the world's great decorative art traditions, Islamic design has inspired the arts and crafts of many cultures. High-quality, royalty-free illustrations — reproduced from a wealth of rare sources — include exquisite patterns, borders, and motifs displaying all the beauty and intricacy of Islamic art. 201 colorand 12 black-and-white illustrations.

用户评价

我是一个历史系的研究生，我的主要研究方向是中东地区的贸易路线和商品流通，尤其是早期丝绸之路上的文化交流现象。我偶然在导师的书单上看到了《Islamic Design》，本来是抱着姑且看看的心态去借阅的，目的是想找到一些关于进口瓷器或纺织品上的装饰元素在不同地区接受度的侧面证据。这本书对于我的研究而言，简直是意外的宝藏。它没有采用传统的编年史叙事，而是构建了一个基于“模式流动”的地理网络。作者通过对比从安达卢西亚到撒马尔罕再到印尼群岛的装饰母题的细微变异，清晰地勾勒出了商品贸易、手工艺人迁徙以及思想传播的隐形路径。书中详尽地对比了三种不同类型柳叶纹的演变——一种偏向植物学写实，另一种是高度抽象化的几何处理，第三种则明显受到了早期拜占庭金属工艺的影响。这种将艺术风格“去地域化”并将其嵌入到宏大的经济和文化交流背景下的分析方法，极大地拓宽了我对“文化传播”的理解。这本书的数据翔实，引用的文献横跨语言障碍，为我的研究提供了坚实的视觉和结构支撑。

这本书，我是在一个不太相关的场合偶然接触到的，当时我正在寻找一些关于色彩心理学和东方传统图案如何影响现代室内设计的资料。坦白说，我对“伊斯兰设计”这个主题原本只有非常模糊的认识，停留在清真寺拱顶和几何瓷砖的刻板印象上。然而，当我翻开这本《Islamic Design》时，立刻被它细腻的排版和跨越时空的叙事方式所吸引。作者并没有将重点放在宗教教义的阐述上，而是以一种近乎考古学家的严谨态度，深入挖掘了那些隐藏在宏伟建筑和精美手工艺品背后的数学逻辑与自然哲学的对话。我印象最深的是关于“无穷重复”这一概念的探讨，它不仅仅是一种装饰手法，更像是对宇宙无限性的哲学表达。书中花了大量篇幅分析了莫里茨·科尔内利斯·埃舍尔（M.C. Escher）在无意中借鉴了这些古代设计原理，这种跨文化、跨领域的连接性思考，让我对“设计”的定义都有了新的认识。这本书的图版质量极高，很多细节纹样的放大图，清晰到仿佛能触摸到工匠指尖留下的温度。它让我意识到，那些看似冷峻的几何图案背后，蕴藏着对和谐、秩序与完美的极致追求，这比我预想的要深刻和广博得多。

我购买这本书的初衷，其实是想找一本能帮我梳理二十世纪以来平面设计史中那些被边缘化的影响源头的参考书。当时我正在做一个关于现代主义设计如何吸收非西方元素的课题。这本书出乎我的意料，它没有过多纠缠于纯粹的艺术史梳理，而是更侧重于“工艺”和“材料”如何塑造了设计的最终形态。尤其让我眼前一亮的是其中关于金属锻造和细木镶嵌（Marquetry）工艺的章节，作者用了非常生动的笔触描述了工匠们如何在不使用绘图工具的情况下，仅凭经验和对材料特性的理解，将复杂的星形图案精确地嵌入黄铜或象牙之中。这种对“动手做”的尊重和细致记录，对于一个习惯于屏幕设计的人来说，是一种极大的震撼。我感觉自己仿佛置身于马拉喀什的作坊里，听着工具敲击的声音。更令人惊喜的是，书中有一部分内容涉及了早期印刷术对图案传播的影响，它探讨了如何从手抄本的微缩插画中，提取出适合大规模复制的简化模板，这对于理解信息是如何在不同载体间“进化”的，提供了绝佳的案例。这本书的视角非常独特，它让我们看到了设计不仅仅是“看”的东西，更是“做”和“用”的积累。

说实话，我对这类带有强烈文化标签的书籍通常抱有警惕心，总担心会遇到过度美化或者视角单一的叙事。我是一个比较关注当代艺术批评和后殖民理论的学生，我对传统的、被定义好的“古典美学”体系总持有一种审视的态度。当我拿起这本《Islamic Design》时，我预设它会是一本对辉煌历史的赞歌。然而，这本书最令我感到惊喜的地方，恰恰在于它如何巧妙地回避了这种宏大叙事，而是聚焦在了“边缘”和“实用性”上。它花了不少篇幅讨论了那些没有被皇家或宗教正式收藏的日常用品——比如陶罐的刻痕、市场摊位遮阳布的拼接技术，甚至是游牧民族帐篷上为加固而设计的编织结构。作者通过分析这些低技术含量但却是社区日常必需品的图案，揭示了设计如何在物质稀缺和功能至上的环境下，依然顽强地保持着美学的生命力。它提出了一个挑战性的观点：真正的设计创新往往诞生于解决实际问题的过程中，而非仅仅是宫廷贵族的审美追求。这种对“民间智慧”的关注和对其背后社会结构的深入挖掘，彻底颠覆了我对传统“艺术史”的理解，它让我看到了一种更具韧性、更贴近生活的艺术实践。

说实话，我买这本书是冲着它名字里带有的“设计”二字，希望能从中找到一些关于色彩搭配和空间布局的实用技巧，毕竟我正在着手翻新一个采光不太理想的公寓。我期望看到的是那种教你如何用深色调拉伸空间，或者用高明度色彩提升亮度的“干货”。然而，这本书的走向完全偏离了我的预期，它更像是一本关于光影、纹理和象征意义的哲学导论。它没有直接告诉你“墙漆刷什么颜色”，而是深入探讨了特定色彩（比如钴蓝、赭石）在不同历史时期和地域文化中被赋予的象征意义，以及它们如何与自然光线相互作用。例如，书中有一段分析了西班牙阿尔罕布拉宫中庭光线随时间变化的描写，那种通过雕刻的石膏网格捕捉和折射阳光的技巧，简直是诗意的表达。虽然它没有提供直接的室内设计手册，但它教会了我一种更深层次的“设计思维”——即环境元素是如何影响人的心境和体验的。读完之后，我不再只想着如何遮盖缺陷，而是开始思考如何与现有的光线和空间进行对话，这种认知上的提升远超我最初的期望。