装饰绘画

出版者:高等教育

作者:本社

页数:162

出版时间:2007-8

价格:28.2

isbn号码:9787040211825

具体描述

《装饰绘画》由王泽旭、吴之越主编，吕璇编著，是美术特色学校高中美术系列教材之一，它主要从装饰的角度出发，以培养学生们对事物的观察能力、理解能力和表现能力为宗旨，在写实与设计之间起着一种承上启下的作用。

本书共分为九章，内容涉及人们的衣、食、住、行、用和生活的各个方面，同时针对高考中装饰绘画部分进行分析、讲解，并介绍了一些非常值得借鉴的经验。前三章以讲解装饰设计基础为主，围绕着装饰造型、装饰色彩和装饰手法展开。第四章到第八章分别针对植物、静物、风景、动物、人物的装饰设计进行进一步分析讲解。第九章是针对高考的一些命题设计。另外，二十七个课题设计都是针对每个章节的教学要点设计的，大量的图片可以使学生更直观地理解书中的内容。本书是作者多年的教学经验和教学方法的概括与总结。

《装饰绘画》适用于美术特色学校，同时也适用于中职学校的学生，是广大美术自学者的必备用书。

用户评价

这本书的语言风格非常口语化，读起来有一种与一位学识渊博的朋友在咖啡馆里闲聊的亲切感。作者似乎并不在乎传统的学术规范，而是更注重将枯燥的艺术史知识用最接地气的方式传递出来。他会突然插入一些关于自己年轻时学画的糗事，或者对某位大师的私人生活进行略带八卦色彩的揣测，这些元素极大地降低了阅读的门槛。尤其是在讲解色彩理论时，他没有使用复杂的色度、饱和度公式，而是用生活中的例子——比如夕阳下的泥土、雨后街道的反光——来解释色彩的冷暖和对比关系，让人茅塞顿开。唯一的遗憾是，这种过于随性的处理方式，导致在涉及一些精确的技术细节时，往往不够严谨。比如在谈及不同年代的颜料化学成分时，信息点过于零散，像是随手记下的便签，缺乏系统的梳理。总而言之，它是一本能让你在放松的状态下，不知不觉吸收大量艺术常识的读物，非常适合在旅途中或睡前阅读，能有效缓解阅读严肃理论著作带来的疲劳感。

这套书的排版和装帧简直是视觉的享受，每一页都像精心设计的画框。作者的叙事手法像一位经验老道的导游，带着我们穿梭于不同历史时期的艺术展览馆。他擅长用极其生动的比喻来解释复杂的风格流变。比如，将巴洛克时期的戏剧性光影比作舞台上刻意聚焦的追光灯，瞬间就将那种强烈的情感张力捕捉到了。书中收录的图片质量极高，色彩还原度令人赞叹，有些细节甚至比我在线上看到的任何高清图都要丰富和微妙。不过，我发现作者在描述某些非西方艺术传统时，似乎带有某种根深蒂固的西方中心主义视角，这种略显傲慢的论断在对待东方美学的章节中尤为明显，让我感到有些不适。这部分内容的处理略显草率和标签化，未能真正深入挖掘其内在的文化逻辑。尽管如此，它作为一本涵盖艺术发展脉络的综合性读物，其宏大的视野和丰富的视觉材料依然是其最大的亮点。适合那些希望获得一个全面、快速、且视觉上愉悦的艺术概览的读者。

这本书简直是艺术史上的一个迷宫，我花了整整一个下午试图理清书中关于文艺复兴时期佛罗伦萨画派色彩理论演变的脉络，结果发现自己像个迷失在庞大图书馆里的孩子。作者的叙事方式极其跳跃，前一章还在津津乐道于早期尼德兰画派对光影的痴迷，下一章就陡然转入了对后印象派构图手法的解构。这种跨度之大，让人不得不佩服作者知识面的广博，但同时也带来了阅读上的巨大挑战。我尤其欣赏其中关于“空间感”营造的章节，他并没有直接给出明确的公式或步骤，而是通过分析达芬奇的素描笔记和提香的晚期油画肌理，用一种近乎诗意的语言，将抽象的透视原理转化为可感知的视觉体验。然而，对于一个期待系统学习绘画技法的初学者来说，这本书可能更像是一本高深的理论精选集，它提供了无数的“为什么”，却很少给出“怎么做”。阅读过程中，我频繁地在书页和我的工具箱之间奔波，试图用铅笔和颜料去捕捉那些文字描述的“瞬间的辉光”或“深沉的阴影”，那种挫败感和随之而来的顿悟交织在一起，构成了这次阅读体验中最复杂的部分。整体而言，它更像是一场智力上的探险，而不是一份实用指南。

坦白说，我原本以为这是一本能提供大量实践技巧的书籍，结果发现自己彻底搞错了方向。这本书几乎完全专注于艺术品背后的市场运作和权力结构。它更像是一部揭露艺术圈“潜规则”的社会学报告，而不是一本绘画教程。作者通过对几起著名的艺术品拍卖案例的深度剖析，揭示了“价值”是如何被策展人、评论家和收藏家共同建构起来的。其中关于“赝品与真迹的界定”一章，简直是一部悬疑小说，充满了利益冲突、身份错位和媒体操纵。我读到后面，几乎忘记了讨论艺术创作本身，而是全神贯注于这些作品是如何在资本的洪流中被定价和赋予神圣光环的。这种冷峻的现实主义视角，虽然令人不快，却异常清醒。它迫使我思考，我们所赞美的“伟大”，有多少是源于内在的艺术价值，又有多少是外部社会因素的叠加效应。对于那些对艺术产业生态感兴趣的读者来说，这本书是必读的警示录；但对于那些只想安安静静学习如何调出完美“群青”的读者，这本书只会让你感到心灰意冷。

读完这本关于艺术哲思的书，我感觉自己仿佛经历了一场精神上的长跑。这本书的笔触是如此细腻和内敛，以至于初读时很容易被其表面平静的文字所迷惑。它的核心似乎并不在于展示作品，而是深入探讨艺术家在创作过程中所经历的“在场感”与“疏离感”之间的辩证关系。我特别关注了其中关于“观看”行为本身的论述，作者引用了大量现象学家的观点，试图将观众从被动的接受者提升为主动的意义建构者。这种理论的深度是毋庸置疑的，但它也使得全书的阅读节奏非常缓慢，每一个段落都需要反复咀嚼才能消化其背后的多重含义。例如，作者在探讨抽象表现主义时，并没有过多地描述画作的视觉效果，而是聚焦于创作者在画布前肢体的运动轨迹和内在的心理波动，这需要读者具备一定的艺术史背景和哲学基础才能跟上思路。我不得不承认，某些章节的晦涩程度让我需要借助其他参考资料来辅助理解，这无疑打断了阅读的流畅性。但正因如此，当那些深奥的概念最终在脑海中搭建起清晰的结构时，带来的满足感是其他通俗读物无法比拟的。它挑战了你对“美”的既有认知，迫使你重新审视你与艺术品的每一次相遇。