South African National Cinema

出版者:Routledge

作者:Maingard, Jacqueline

页数:240

出版时间:2008-1

价格:$ 158.20

装帧:HRD

isbn号码:9780415216791

具体描述

"South African National Cinema" examines how cinema in South Africa represents national identities, particularly with regard to race. This significant and unique contribution establishes interrelationships between South African cinema and key points in South Africa's history, showing how cinema figures in the making, entrenching and undoing of apartheid. This study spans the twentieth century and beyond through detailed analyses of selected films, beginning with "De Voortrekkers "(1916) through to "Mapantsula "(1988) and films produced post apartheid, including "Drum "(2004), "Tsotsi "(2005) and "Zulu Love Letter" (2004).Jacqueline Maingard discusses how cinema reproduced and constructed a white national identity, taking readers through cinema's role in building white Afrikaner nationalism in the 1930s and 1940s. She then moves to examine film culture and modernity in the development of black audiences from the 1920s to the 1950s, especially in a group of films that includes "Jim Comes to Joburg" (1949) and "Come Back, Africa" (1959). Jacqueline Maingard also considers the effects of the apartheid state's film subsidy system in the 1960s and 1970s and focuses on cinema against apartheid in the 1980s. She reflects upon shifting national cinema policies following the first democratic election in 1994 and how it became possible for the first time to imagine an inclusive national film culture. Illustrated throughout with excellent visual examples, this cinema history will be of value to film scholars and historians, as well as to practitioners in South Africa today.

用户评价

要说这本书有什么地方最让我印象深刻，那一定是它对于“声音景观”与“异化”议题的探讨。在很多关于南非电影的讨论中，视觉符号往往占据主导，但这位作者却将听觉元素提升到了与画面同等重要的地位。书中详尽分析了背景音乐、方言的运用，乃至是沉默本身的意义。他指出，在种族隔离的公共空间中，白人使用的官方语言与被压抑群体的母语之间的听觉对立，是如何直接构建了银幕上的权力关系。我特别留意了关于早期有声电影如何被用来灌输种族优越论的章节，作者通过细致的声轨分析，揭示了配乐如何微妙地引导观众的情绪，使审查制度下未能明说的歧视逻辑得以顺利通过。这种对听觉的“声学考古”，是许多电影研究者常常忽略的维度。它迫使我重新审视自己观看影片的习惯——我们究竟是“看”电影，还是在“听”历史？这本书的论述风格在这里变得极其具象和可操作，它提供了一套全新的工具，让读者可以跳出视觉中心主义的窠臼，去更全面地感知影像艺术的复杂性。

对于一个非专业人士来说，这本书的深度和广度都令人感到敬畏，但也正是这种百科全书式的全面性，让我在阅读过程中体验到了一种“迷失在细节之中”的复杂感受。作者试图囊括从殖民早期到后种族隔离时代所有重要的电影流派、关键人物以及意识形态的变迁，其覆盖面之广，几乎没有遗漏任何一个重要的历史节点。然而，正是这种宏大的企图心，导致在某些章节中，叙事节奏显得过于跳跃。比如，从对某位重要导演作品的深度剖析，突然迅速转向对电视媒体在九十年代兴起的影响分析，中间缺乏一个平稳的过渡段，使得读者需要不断地在不同的时间线和主题之间快速切换思维。虽然作者的知识储备毋庸置疑，但这种“大而全”的结构，偶尔会让那些渴望更深层次、更聚焦的案例研究的读者感到一丝意犹未尽。它更像是一部结构严谨的教科书，旨在提供一个无懈可击的知识框架，而非一部轻松愉快的导读。总而言之，这是一部需要投入大量精力的学术巨著，其价值体现在其无与伦比的资料整合能力上，而不是在阅读的愉悦度上。

这部厚重的著作，初翻时只觉纸张泛着一种陈旧而坚实的油墨香，封面上简洁的标题，似乎预示着一场深入非洲大陆肌理的电影史诗之旅。然而，当我真正沉浸其中时，才发现它远非一部枯燥的学术编年史。作者以一种近乎人类学家的细致入微，剖析了南非电影在种族隔离制度下的复杂生态。他没有停留在对意识形态批判的表面，而是深入挖掘了那些在严苛审查制度下，创作者如何运用隐喻、符号，甚至是通过“非主流”的渠道，去讲述被压抑的民族记忆和个体苦难。特别值得称道的是，书中对早期殖民地电影制作人与本土叙事者之间张力的处理。作者巧妙地将电影工业的资本运作、政治干预与艺术表达的挣扎并置，让人清晰地看到，光影的背后，是鲜活的社会脉络在涌动。阅读过程中，我仿佛站在开普敦的某个老旧放映厅里，看着那些斑驳的胶片如何艰难地记录下历史的重量，那种沉浸感，是通过对大量一手资料和深度访谈的精准引用才得以实现的。这本书的价值，在于它提供了一个理解“南非”这个概念，如何通过光影媒介被构建、被抵抗、又最终被重塑的完整图景，这远超出了我对一般国家电影史的期待。

我本以为这是一本会让人感到沉重的书，毕竟主题关乎压迫与抗争，但令人意外的是，阅读体验中时常闪现出一种坚韧的、近乎顽皮的生命力。作者在梳理那些最黑暗的时期时，并没有一味地渲染悲情，而是敏锐地捕捉到了南非电影人如何在看似绝望的处境中，发展出一种独特的“生存美学”。这种美学，体现在对日常琐碎细节的极致放大，对幽默的精准把握，以及对身体语言的强调。例如，书中详细分析了一部关于矿工生活的纪录片，并非重点关注罢工和冲突，而是花了大篇幅去描绘工人在极度拥挤空间中，如何通过音乐和舞蹈来维持个体尊严。这种对“微小抵抗”的关注，使全书的基调保持了一种积极的张力，而不是单纯的控诉。读完后，我感觉自己对南非文化中的“弹性”有了更深层次的理解。这不只是一本关于电影的书，更像是一部关于精神韧性的社会观察报告。那些被影像记录下来的笑声和抗议，都因为作者的解读，获得了超越时代的共鸣，让人在合上书本时，感受到的是一种洗礼后的清明。

这绝对是一部需要耐心和细致体会的书。我花了将近两周的时间才啃完大半，最大的感受是作者在构建叙事结构上的大胆和近乎挑战读者的严谨。它不像某些流行的电影评论那样，用流畅的散文笔法让你轻松入门，相反，它要求你对南非的历史背景，尤其是那些微妙的政治气候变化有基本的了解。我尤其欣赏作者处理“非正式电影场域”那一部分的视角。他没有把目光仅仅聚焦于那些登上国际电影节的少数几部“官方认可”的作品，而是将精力放在了那些游击队式的拍摄、社区放映活动，乃至是地下磁带传播的影像文化。这种对“亚文化”的挖掘，极大地拓宽了我们对“电影”这个概念的理解边界。书中的论证过程充满了学术的交锋，引用了大量晦涩的理论框架来解读特定的场景，比如某位导演对“空间主体性”的探索，或者如何运用光线来象征“透明度”与“监控”。初读时会感到吃力，仿佛在走迷宫，但一旦理清了其中的逻辑线索，你会发现那些看似零散的案例分析，实则编织成了一张无比精密而有力的理论之网。对于严肃的电影研究者来说，这无疑是一座难以绕开的知识宝库，它提供的方法论深度是惊人的。