1945年以来的艺术运动

出版者:浙江摄影出版社

作者:[英] 爱德华·露西-史密斯

页数:328

译者:陆汉臻

出版时间:2016-6-1

价格:79.00元

装帧:平装

isbn号码:9787551414241

丛书系列:艺术世界丛书

具体描述

本书是论述第二次世界大战以来各种艺术及其流派的标杆式著作，全新版经重大修订、扩展和重新设计。新增的八章和前言，图文并茂，涵盖了*新的国际艺术潮流和各派艺术家，包括1970年代以来的美国艺术、新表现主义流派、后波普布鲁斯、女性主义和同性恋艺术、录像和摄影新媒介，以及俄罗斯、意大利和中国的新古典主义艺术。本书具有全球化的研究视野，因为在现代，艺术已经成为全球化的艺术，同时本书还讨论了来自拉丁美洲、非洲，以及韩国、印度、中国和日本的艺术作品。

有关艺术家、艺术问题和艺术发展这些话题，没有哪本同类著作能提供如此多的*新资料。

作者简介

本书作者爱德华·露西史密斯，生于牙买加，牛津大学梅顿学院历史专业毕业。著名诗人、小说家、传记作者、艺术批评家、电台艺术节目主持人，著作颇丰，其中包括：《西方艺术中的性》《象征主义艺术》《20世纪拉丁美洲艺术》《艺术词典》，均列入Thames＆Huason版“艺术世界丛书”。

目录信息

前言
第一章
抽象表现主义
第二章
欧洲艺术
第三章
后绘画抽象画派
第四章
波普艺术、环境艺术和偶发艺术
第五章
抽象主义雕塑、极简主义和概念艺术
第六章
多元主义时代
第七章
新表现主义
第八章
1970年代至1990年代的美国艺术
第九章
问题艺术与全球化
第十章
录像的兴起
第十一章
摄影媒介
第十二章
后波普的布鲁斯
第十三章
新古典主义
注释出处
参考书目
图片版权
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用户评价

翻阅《1945年以来的艺术运动》，最让我着迷的便是它对抽象表现主义从诞生到走向巅峰，再到其内部出现分歧与转型过程的细致描绘。书中不仅仅是罗列了波洛克、罗斯科、德·库宁等大师的名字，更深入地剖析了他们各自独特的创作方法和哲学思考。例如，对于波洛克的“滴画”技术，书中不仅描述了其物理上的过程，更将其与艺术家内心世界的解放、潜意识的探索紧密联系起来。那种看似随意的线条背后，其实是艺术家对自身情感与存在状态的直接投射。 此外，书中对抽象表现主义如何成为战后美国文化输出的标志性符号，以及它如何面临来自新一代艺术家挑战的过程，也进行了深入的探讨。它揭示了艺术运动并非一成不变，而是在历史语境、社会思潮以及艺术家个体意志的交织中不断演变、更新的过程。我尤其欣赏书中对抽象表现主义的“行动绘画”和“色域绘画”两大分支的区分，并详述了它们各自的美学追求和哲学基础，这帮助我更清晰地理解了这一宏大运动内部的丰富性和多样性，以及它为后来的艺术发展奠定的基础。

读《1945年以来的艺术运动》，我最大的感受是，艺术的演进从来都不是直线型的，而是充满着曲折、反叛和惊喜。《1945年以来的艺术运动》在这一点上做得十分到位。书中对激浪派（Fluxus）的描述，尤其让我印象深刻。 它不是一个有清晰宣言和统一风格的运动，而更像是一种精神、一种态度。书中通过对乔治·麦吉奥纳斯（George Maciunas）等核心人物的介绍，以及对各种“事件”（events）和“表演”（performances）的梳理，展现了激浪派那种对既定规则的挑战，对艺术媒介的拓展，以及对参与者和观众的鼓励。 它模糊了艺术与生活、艺术家与观众的界限，强调的是过程、体验和瞬间的创造。读到这些内容，我仿佛能感受到那个时代艺术家的自由与不羁，他们不拘泥于形式，不畏惧被质疑，而是勇敢地探索着艺术的无限可能。这种对“反形式”艺术的深入挖掘，让我看到了艺术的另一种生命形态。

《1945年以来的艺术运动》这本书，最让我欣赏的一点是，它在梳理艺术运动的同时，也并没有忽略艺术背后的人物。书中对于每一位艺术家的介绍，都不仅仅是简单地罗列他们的作品，而是努力去挖掘他们的创作动机、思想背景以及他们所处的时代环境。 比如，在论述抽象表现主义时，书中对马克·罗斯科（Mark Rothko）的“色彩区域”作品的描述，不仅仅是关于色彩的运用，更深入地探讨了艺术家如何通过色彩来表达人性的情感，以及他对于观众在面对作品时所产生的精神体验的关注。 这种将艺术家作为个体，将他们的思想、情感与作品融为一体的解读方式，让我对艺术的理解更加立体和深刻。它让我看到了，艺术不仅仅是形式的组合，更是艺术家内心世界的投射，是他们对世界独特观察和思考的结晶。这本书就像一位循循善诱的老师，带领我走进了这些伟大艺术家的精神世界。

我一直觉得，要真正理解一个时代的艺术，必须深入理解那个时代的人们是如何思考的。《1945年以来的艺术运动》在这方面做得相当出色。它没有将艺术史变成一串枯燥的事件列表，而是将艺术运动置于更广阔的历史背景下，展现了艺术与社会、政治、科技、哲学之间的复杂互动。以极简主义（Minimalism）为例，书中将其出现与战后工业化、标准化以及对形式主义的反思联系起来。 那些看似简单、缺乏情感色彩的几何形体，在书中被赋予了深刻的意义。它不仅仅是对“少即是多”美学的追求，更是对作品与观看者之间关系的反思，对作品在空间中的存在方式的探索。书中对唐纳德·贾德（Donald Judd）的“特定物体”（Specific Objects）的分析，让我理解了艺术家如何挑战传统的雕塑概念，以及如何通过材质、尺度和空间来构建一种全新的观看体验。这种从宏观到微观，从理论到实践的梳理，让我对极简主义不再停留在表面，而是对其内在的逻辑和哲学意图有了更深的体会。

这本书最让我感到惊喜的地方，在于它能够将那些看似相互独立、甚至截然不同的艺术运动，串联成一条清晰的叙事线。例如，它在探讨波普艺术（Pop Art）的同时，并没有将其视为一个孤立的现象，而是巧妙地将其与消费主义的兴起、大众媒体的普及以及消费文化对艺术的影响联系起来。 书中对安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的丝网印刷作品的分析，不仅仅是关于重复、复制和明星文化，更深入地探讨了艺术家如何从日常生活中提取元素，并赋予其新的意义。这种将艺术与社会现实紧密结合的视角，让我看到了艺术作为时代精神的镜子，也作为对时代精神的批判和回应。 它揭示了波普艺术如何打破了精英艺术与大众艺术之间的隔阂，将艺术带入了寻常百姓家，并引发了关于原创性、作者身份以及艺术价值的深刻讨论。这种对艺术与文化相互渗透的洞察，让我在阅读过程中，不仅看到了艺术作品本身，更看到了它们所处的社会文化土壤。

让我深受启发的是，《1945年以来的艺术运动》在论述不同艺术运动时，并没有刻意地去制造对立，而是展现了它们之间的联系与演进。例如，在讨论大地艺术（Land Art）的宏大叙事时，书中也提到了它与观念艺术、极简主义之间存在的某种精神上的关联。 这种将艺术史视为一个有机整体的视角，让我更容易理解艺术的内在逻辑和发展趋势。书中对“环境艺术”和“生态艺术”的提及，也让我看到了艺术如何从对物质形式的关注，逐渐转向对人类与自然关系的思考。 艺术家们不再仅仅满足于在画布或雕塑上进行创作，而是开始将目光投向更广阔的自然环境，思考人类活动对地球的影响，并试图通过艺术来唤醒人们的环保意识。这种对艺术与社会责任的结合，以及艺术对当下紧迫问题的回应，让我感受到了艺术的深度与力量。

作为一名对现代艺术史充满好奇的读者，拿到《1945年以来的艺术运动》这本书，我仿佛打开了一扇通往变革与创新的大门。这本书不仅仅是一份简单的年表，更像是一次深度对话，邀请我沉浸在那些艺术家们如何打破陈规、重塑美学、乃至挑战社会认知的过程中。1945年，一个历史的分水岭，世界格局的剧变，科技的飞速发展，无疑为艺术注入了前所未有的活力与困惑。从抽象表现主义的磅礴与情感宣泄，到波普艺术的戏谑与大众文化的拥抱，再到观念艺术的智性挑战与媒介的边界拓展，这本书以一种令人信服的逻辑，勾勒出了这些艺术运动的脉络与特征。它没有将这些运动孤立看待，而是巧妙地揭示了它们之间的相互影响、对话甚至对抗。 我尤其对书中对达达主义余波以及随后兴起的激浪派（Fluxus）的阐述印象深刻。这不仅仅是艺术形式的改变，更是对艺术本质的重新定义。激浪派那种跨越学科、强调过程、鼓励参与的理念，在那个时代显得尤为前卫。它不再将艺术束之于博物馆的展柜，而是渗透到日常生活，模糊了艺术家、观众以及作品之间的界限。书中通过丰富的案例分析，让我看到了那些看似“反艺术”的实践背后，蕴含着对社会体制、消费文化以及个体存在的深刻反思。例如，对约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys）“社会雕塑”理念的解读，让我重新思考了艺术的社会功能，以及艺术家作为教育者和变革者的可能性。这种对艺术的延展性思考，远远超出了我以往对艺术的狭隘认知。

在我看来，一本优秀的艺术史著作，最重要的是能够激发读者的思考，而不是仅仅灌输知识。《1945年以来的艺术运动》无疑做到了这一点。它以一种引人入胜的方式，带领我穿越了20世纪下半叶波澜壮阔的艺术图景。书中对大地艺术（Land Art）的介绍，便是我深感震撼的部分之一。 当看到那些艺术家将他们的创作带出画廊和工作室，置于广袤的自然之中时，我仿佛也一同感受到了那种原始的力量和宏大的尺度。书中对罗伯特·史密森（Robert Smithson）的《螺旋形堤道》（Spiral Jetty）的详细解读，不仅仅是描述了一个视觉奇观，更深入探讨了艺术家为何选择如此巨大的尺度，以及这件作品如何与自然环境相互作用，并随时间而变化。这种对艺术创作的地点性、时间性以及与环境的共生关系的关注，让我对艺术的定义有了全新的认识。 它不再局限于画布或雕塑，而是将整个世界视为艺术的舞台，将时间视为艺术的媒介。这种视野的拓展，无疑是这本书最宝贵的价值之一。

我一直认为，艺术的生命力在于其不断挑战与自我颠覆。《1945年以来的艺术运动》恰恰展现了这种生命力。书中对概念艺术（Conceptual Art）的论述，让我看到了艺术从“做”转向“想”的深刻转变。 它不再以作品的物质形态为最终目的，而是将观念、想法、过程置于核心地位。书中对约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth）《一条和三张椅子》（One and Three Chairs）的分析，就是极好的例证。艺术家通过展示一张真实的椅子、一张椅子的照片以及关于“椅子”的词典定义，引发了对“是什么”以及“如何定义”的思考。这种高度的智性挑战，让我不得不重新审视那些我们习以为常的艺术形式，以及艺术作品的意义来源。 它让我意识到，有时候，最深刻的艺术表达，恰恰是那些最不“像”传统艺术的作品。这种对艺术“反形式”的探索，以及对语言、符号、逻辑等元素的运用，都极大地拓展了我对艺术的可能性边界的认知。

当我翻到书中关于摄影和影像艺术的部分时，我感受到了科技发展对艺术形态的巨大影响。《1945年以来的艺术运动》在这方面给予了非常详尽的阐述，尤其是在数字时代到来之前，摄影作为一种新的艺术媒介是如何被艺术家们探索和使用的。 书中对行为艺术（Performance Art）与摄影的结合，以及如何通过影像记录来传播和延续艺术作品的生命，进行了深入的分析。例如，对克里斯·伯顿（Chris Burden）那些极具挑战性的行为作品的介绍，以及它们如何通过摄影和录像被记录下来，并成为艺术史上的重要事件。 这让我意识到，艺术作品的呈现方式和传播渠道，本身也构成了艺术的一部分。书中对影像艺术的演进，从早期的实验电影到后来的录像艺术，再到后来数字影像的兴起，都进行了清晰的梳理，展现了艺术家们如何利用不断发展的技术来表达他们的想法和情感，以及如何挑战传统的观看习惯。

绝不仅仅是一本收集代表作的目录索引，爱德华·露西-史密斯我定义为客观版的约翰伯格。波普艺术是个分水岭，从反叛抽象主义开始，画布逐步“扁平”，视觉上丢失了人们的再现诉求，到后波普的领军人物赫斯特，个人觉得现代历史推动中的艺术模式变得新潮而缺乏趣味

虽然有点流水账，好在自带划重点

有点流水账

略显混乱...

概览式的介绍和评论，适合有一定涉猎积累以后串个线。图怎么都嫌少，因为涉及的门类和人名真的多，每个人也就蜻蜓点水地写几句，好在还是比较犀利的。