具体描述
作者简介
海因里希·沃尔夫林（Heinrich Wolfflin，1864-1945年），瑞士著名美术史家，著名学者雅各布·布克哈特的高足，被认为是继温克尔曼、布克哈特之后第三位伟大的艺术史家。沃尔夫林的艺术史研究关注普遍的风格特征，而不是对单独艺术家的分析，他把作品形式分析、心理学和文化史结合起来，力图创建一部“无名的艺术史“。主要著作有：《文艺复兴与巴洛克》（1888年）、《古典艺术》（1899年）、《艺术史的基本原理》（又译《艺术风格学：美术史的基本概念》，1915年）和《意大利和德国的形式知觉》（1931年）等。
目录信息
读后感
有机会找原版看看， 内容很好， 但是翻译过来的词汇不知其所指。 先浏览一下吧。 那个入画是啥意思，不太明白。 还有不要配莫名其妙的插图， 需要配的图一件没有， 没图说个基霸呀。
评分话说都是外行看热闹，内行看门道的。严格来说我也不算标准外行了，不过艺术理论我真的他妈的一点也不懂，而且这本书的翻译很差劲很差劲，就怕别人看懂了显不出书的深奥似的，所以说通读一遍之后我居然除了从风格上能够区分贝尔尼尼和米开朗基罗以外，居然都没什么理论性进步，...
评分沃尔夫林的五对概念中，第一对概念是最根本的关键点。 后四对概念都是在第一对概念的基础上提出的。 因为只有第一对是表现手法，而后四对都是视觉感受。 正是由“线描”和“涂绘”，产生了后四种文艺复兴和巴罗克的不同视觉形象。
评分最近正在读这本书，感触甚多，本人有几点想说的。 一是研究视角值得关注，本书几乎是纯粹从形式、风格上来解释艺术（包括绘画、雕塑甚至建筑），这点尤其值得国内学者学习。毕竟艺术从形式上有其独特的发展规律。对研究中国绘画的同仁们来说值得好好琢磨琢磨，自己国家的东西是...
评分用户评价
我最近读完了一本关于现代艺术装置的著作，这本书简直是为我量身定做的。作者在书中对当代艺术装置的演变进行了详尽的梳理，从早期立体派对空间概念的颠覆，到杜尚的现成品艺术，再到如今那些令人目眩神迷的互动装置和沉浸式体验，每一个阶段的代表人物和关键作品都被娓娓道来。我印象最深刻的是关于“空间”这一概念在装置艺术中的转变。从仅仅是画布上的二维空间，到雕塑所占据的三维空间，再到如今艺术家们试图构建一个完全属于观众的、可以被感官体验的“第四空间”，这种转变的背后，其实反映了人类对自身存在和与环境关系的不断追问。书中对不同媒介的运用，比如声音、光线、投影、甚至气味，都进行了深入的探讨，让我意识到装置艺术早已超越了传统的视觉范畴，而是一种全方位的感官体验。作者的笔触非常细腻，常常能捕捉到艺术家创作时的微妙情感和哲学思考，让我能更深层次地理解那些看似抽象的作品。这本书不仅满足了我对当代艺术的好奇，更让我开始重新审视自己与周围环境的关系，学会用更开放和包容的心态去体验艺术。
评分我最近入手了一本关于中国古典园林的书，简直是让我爱不释手。这本书对中国古典园林的设计理念、造园手法以及各个著名园林的特色进行了极其深入的挖掘。它不像很多枯燥的学术论文，而是用一种非常生动、充满诗意的语言，将那些隐藏在山石、流水、亭台、楼阁背后的文化内涵一一展现。我尤其喜欢书中对“移步换景”和“曲径通幽”这些造园手法的阐释。作者通过大量的图例和细致的文字描述，让我仿佛真的置身于苏州的拙政园，漫步在叠石假山之间，感受着亭廊的回转和水池的倒影。书中还详细介绍了不同时期园林风格的演变，从汉代的宫苑，到唐宋的文人园，再到明清的私家园林，每一种风格都深深地烙印着当时的社会审美和哲学思想。作者甚至探讨了园林中的植物配置、色彩运用以及象征意义，让我看到了园林不仅仅是人造景观，更是一种承载着东方哲学、自然观和人生态度的艺术品。这本书让我对“天人合一”的中国传统文化有了更直观的认识，也让我对中国传统美学有了更深的体悟。
评分近期有幸拜读了一本关于摄影艺术发展的著作，这本书为我打开了全新的视觉认知。作者以一种极其精妙的叙事方式，梳理了摄影技术从诞生之初，如何一步步演变成一门独立的艺术形式。我被其中关于早期肖像摄影的章节深深吸引，书中不仅展现了那些面容模糊却充满历史感的照片，更深入地剖析了摄影师如何在有限的曝光时间和技术条件下，捕捉人物的情绪和个性。作者还详细介绍了各个流派的摄影师，比如印象派摄影对光影的实验，表现主义摄影对情绪的渲染，以及纪实摄影对社会现实的关注。我印象最深刻的是关于“决定性瞬间”的探讨，作者通过马格南图片社的经典作品，生动地阐释了摄影师如何在捕捉瞬间的同时，赋予画面深刻的含义和强大的叙事性。这本书让我认识到，摄影不仅仅是对现实的简单复制，更是一种作者通过镜头表达思想、情感和世界观的方式。它引导我从一个单纯的观赏者，转变为一个更能理解摄影语言、更能欣赏作品背后深层意义的读者。
评分这本书以其独特的视角，深入浅出地剖析了艺术史上的种种风格演变。我尤其被其中关于印象派起源的论述所吸引，作者不仅仅是罗列了艺术家和作品，更是挖掘了当时社会、经济、科技背景如何悄然影响了艺术家们的观察方式和表现手法。例如，对于光影的捕捉，书中细致地描述了当时新的颜料技术和光学理论是如何为画家们提供了新的可能性，以及摄影术的出现如何迫使绘画从纯粹的写实走向对主观感受的探索。作者的分析逻辑清晰，层层递进，让我能看到一个艺术风格并非凭空产生，而是与时代脉搏紧密相连的动态过程。读这本书，就像是在和历史对话，感受着不同时代人类情感与智慧的碰撞。那些曾经在画册中只能匆匆一瞥的杰作，在作者的笔下变得鲜活生动，仿佛能听到画笔的沙沙声，嗅到油彩的芬芳。书中穿插的许多小故事，比如莫奈在吉维尼花园创作的场景，或是梵高在阿尔勒阳光下的激情挥洒，都让我的阅读体验更加丰富和沉浸。总而言之，这是一本能够激发思考，拓宽视野的佳作，对于任何对艺术抱有好奇心的人来说，都绝对不容错过。
评分我最近被一本关于建筑历史的书深深吸引了，这本书以一种非常独特的方式，将世界各地的标志性建筑与其所处的时代背景、文化风貌和社会变迁巧妙地联系起来。作者的叙事方式非常引人入胜，他并没有按照时间顺序死板地罗列建筑，而是通过“故事”来串联起那些宏伟的建筑奇迹。例如，他讲述了古埃及金字塔的建造，不仅仅是为了陵墓，更是为了展现法老的权力和对永生的追求，以及其中蕴含的宗教信仰和天文学知识。接着，他笔锋一转，又讲到了古希腊神庙如何体现了对理性、和谐与比例的极致追求，以及由此产生的西方美学基础。我尤其惊叹于书中对哥特式教堂的描写，作者不仅描绘了高耸的尖塔、精美的花窗，更重要的是，他揭示了这些建筑背后，是中世纪人们对上帝的虔诚、对天空的向往，以及当时社会等级制度的体现。这本书让我意识到，每一栋建筑都像是一个时代的“纪念碑”，它们不仅仅是遮风挡雨的场所，更是凝固的历史、文化的载体，是人类智慧、情感和信仰的结晶。
评分3.5分。此书是Principles of Art History英译本在1987年的初版。2011年潘耀昌出版的第三版译本《美术史的基本概念》中，最大的改进就是将“图绘”改成“涂绘”。
评分读得有些匆忙，这本87年的图版质量也是挺差的，诚然风格分析早不是什么新鲜事，但确实又是最基本的一块石头。我和Daisy说，1915年左右写出的书，现在看来还是觉得才华横溢，她说她正在读马克思，感觉也是。
评分读得有些匆忙，这本87年的图版质量也是挺差的，诚然风格分析早不是什么新鲜事，但确实又是最基本的一块石头。我和Daisy说，1915年左右写出的书，现在看来还是觉得才华横溢，她说她正在读马克思，感觉也是。
评分3.5分。此书是Principles of Art History英译本在1987年的初版。2011年潘耀昌出版的第三版译本《美术史的基本概念》中，最大的改进就是将“图绘”改成“涂绘”。
评分书里提到的大部分分析绘画风格的方法并不适用于中国绘画哎
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