The Listening Composer

出版者:University of California Press

作者:George Perle

页数:202

出版时间:1996-12-4

价格:USD 31.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780520205185

具体描述

George Perle takes us into the composer's workshop as he reevaluates what we call "twentieth-century music"—a term used to refer to new or modern or contemporary music that represents a radical break from the tonal tradition, or "common practice," of the preceding three centuries. He proposes that this music, in the course of breaking with the tonal tradition, presents coherent and definable elements of a new tradition. In spite of the disparity in their styles, idioms, and compositional methods, he argues, what unites Scriabin, Stravinsky, Bartók, and the Viennese circle (Schoenberg, Berg, and Webern) is more important than what separates them.

If we are to understand the connections among these mainstream composers, we also have to understand their connections with the past. Through an extraordinarily comprehensive analysis of a single piece by Varèse, Density 21.5 for unaccompanied flute, Perle shows how these composers refer not only to their contemporaries but also to Wagner, Debussy, and Beethoven.

Perle isolates the years 1909-10 as the moment of revolutionary transformation in the foundational premises of our musical language. He asks: What are the implications of this revolution, not only for the composer, but also for the listener? What are the consequences for the theory and teaching of music today? In his highly original answers, Perle relates the role of intuition in the listening experience to its role in the compositional process.

Perle asserts that the post-Schoenbergian serialists have preoccupied themselves with secondary and superficial aspects of Schoenberg's twelve-tone method that have led it to a dead end but he also exposes the speciousness of current alternatives such as chance music, minimalism, and the so-called return to tonality. He offers a new and more comprehensive definition of "twelve-tone music" and firmly rejects the notion that accessibility to the new music is reserved for a special class of elite listeners.

作者简介

George Perle is one of this country's most respected composers and critics, winner of the Pulitzer Prize in music and a MacArthur Foundation Fellowship. His writings on twentieth-century music include the now-standard text Serial Composition and Atonality, Twelve-Tone Tonality, and The Operas of Alban Berg, all available from the University of California Press.

用户评价

这本书带来的震撼，更多的是一种“润物细无声”的力量。我原本以为会读到关于某位作曲家生平事迹或者某部作品的详细分析，但《The Listening Composer》却将焦点放在了一个更根本、更普世的主题上——“聆听”。作者用极其细腻的笔触，描绘了作曲家如何通过“聆听”来感知世界，如何将这种感知转化为音乐的语言。我被其中关于“内心的回响”的讨论深深吸引，作者认为，真正伟大的音乐，不仅仅是对外部声音的模仿，更是作曲家内心深处某种共鸣的外化。这种“共鸣”可能来自于一段回忆，一种情感，甚至是一种模糊的预感。书中的每一个字都仿佛经过精心打磨，充满了诗意和哲理，让我不禁放慢阅读的速度，细细品味作者想要传达的深层含义。它没有直接给我答案，而是提出了问题，引导我进行自我探索。我发现，在阅读这本书的过程中，我自己的“聆听”能力似乎也在悄然发生改变，我开始留意生活中那些曾经被我忽略的细微声音，以及它们所蕴含的情感信息。这是一种非常奇妙的体验，仿佛这本书开启了我新的感知维度。

在我看来，《The Listening Composer》与其说是一本书，不如说是一次关于创作本质的深度对话。作者并没有选择那些为人熟知的作曲家作为切入点，而是通过一种更抽象、更哲学的方式，去探讨“聆听”在音乐创作中的核心地位。我印象最深刻的是书中关于“情绪的频谱”的描述，作者认为，作曲家能够感知到那些比普通人更宽广、更细腻的情绪范围，并将这些情绪转化为可以被听见的音符。这种能力并非来自天赋的奇迹，而是源于一种持续的、主动的“聆听”。我尤其赞赏作者对于“倾听内在声音”的强调，他认为，作曲家不仅要聆听外界的万千声音，更要倾听自己内心深处最真实的声音，即使那些声音有时是混乱、矛盾甚至难以理解的。这本书的文字风格非常独特，它不像传统的学术论文那样严谨，也不像小说那样情节曲折，而是一种介于两者之间的、充满思辨色彩的散文。阅读过程中，我常常会停下来，思考作者提出的观点，并尝试将其与我自己的生活经验联系起来。它让我意识到，“聆听”是一种主动的、充满创造力的行为，它能够帮助我们更好地理解自己，以及我们所处的世界。

《The Listening Composer》带给我的，不仅仅是关于音乐创作的启迪，更是一种对生命“感知力”的深度反思。作者并没有选择去剖析某位作曲家的创作技法，而是将焦点放在了“聆听”这一普适性的能力上。他认为，作曲家之所以能创作出动人的音乐，关键在于他们拥有一种超越常人的“聆听”能力，能够捕捉到生活中那些被大多数人忽略的细微之处。我特别喜欢书中对“无声的语言”的探讨，作者认为，伟大的音乐往往蕴含着一种无声的语言，它通过音符传递的不仅仅是旋律，更是作曲家内心深处的情感、思考，甚至是关于宇宙的某种体悟。而要理解这种语言，就需要具备深刻的“聆听”能力。书中的文字风格非常独特，它既有哲学的深度，又不失文学的感染力。作者能够将极其抽象的概念，通过生动形象的比喻和细腻的心理描绘，呈现在读者面前。我尤其欣赏他对“专注”的描绘，他认为，作曲家在创作过程中，能够将自己的全部注意力聚焦于“聆听”，从而屏蔽外界的干扰，深入到创作的本质之中。这是一种对艺术极致追求的体现，也为我在其他领域提供了宝贵的借鉴。

翻开《The Listening Composer》，我脑海中立刻浮现出那些在幽暗烛光下，作曲家沉浸在自己的世界里，手指在键盘上跳跃，或是在纸上奋笔疾书的画面。这本书并没有试图去解构某位具体的作曲家，也没有去考证某首乐曲的创作背景，而是更像是一种精神的探索，一种对“如何成为一名聆听者”的哲学思考。作者用一种非常感性的笔触，描绘了艺术家在创作过程中所经历的心理状态，那种时而灵感迸发，时而陷入泥沼的挣扎，以及最终从混沌中提炼出秩序的喜悦。我尤其被其中关于“沉默”的论述所吸引，作者将沉默视为孕育音乐的土壤，是那些未被发掘的声音最原始的栖息地。这种将“无”视为“有”的视角，彻底颠覆了我过去对音乐创作的认知。我过去总觉得音乐是“被创造”出来的，而这本书则让我意识到，很多时候，音乐更像是“被发现”的，是被作曲家从自然的律动、人心的起伏中捕捉并呈现出来的。书中的许多段落，即使没有音乐的具象存在，也能引发我强烈的共鸣，仿佛我本人也置身于那种宁静而又充满张力的创作氛围之中。它提供了一种全新的理解艺术的方式，一种超越技艺本身，直抵灵魂深处的力量。

这本书给我最深刻的印象，是它对于“创造”这个概念的全新诠释。在我阅读《The Listening Composer》之前，我总以为音乐创作是一种“从无到有”的线性过程，是艺术家主观能动性的极致发挥。《The Listening Composer》则打破了这种认知，它强调了“聆听”作为一种“发现”和“转化”的过程。作者通过对作曲家精神世界的描绘，让我看到了他们如何像一个孜孜不倦的探险家，去探索那些隐藏在世界和心灵深处的“声音”。我被书中关于“捕捉瞬间”的论述深深吸引，作者认为，作曲家能够敏锐地捕捉那些转瞬即逝的情感、意念，甚至是一些模糊的感知，并将它们转化为音乐的形态。这种捕捉，并非简单的记录，而是一种深度的理解和再创造。书中的文字充满了诗意，它用一种近乎冥想的语调，引导读者去感受创作的孤独与喜悦，以及天赋与坚持之间微妙的联系。我尤其欣赏作者对于“耐心”和“沉淀”的推崇，他认为，伟大的作品并非一蹴而就，而是经过长期的“聆听”与“孕育”，最终在恰当的时机“绽放”出来。这本书让我对“创造”有了更深刻的认识，它不仅仅是技艺的展现，更是一种对生命本质的体悟。

《The Listening Composer》的魅力在于它以一种极其内在的方式，触及了艺术创作的核心。作者并没有选择去分析具体的音乐作品，也没有去罗列作曲家的生平事迹，而是将焦点放在了“聆听”这一被许多人忽视的、却又至关重要的能力上。我被书中关于“内在的回声”的论述深深吸引，作者认为，作曲家能够从生活中汲取灵感，而这种汲取的过程，实质上是一种与内在自我进行对话，并捕捉“内在回声”的过程。这种“回声”可能来自于过去的经历，也可能来自于当下的感受，或者是对未来的某种预感。书中的文字风格非常细腻，它能够将抽象的精神活动，通过富有画面感的语言，生动地展现在读者面前。我特别欣赏作者对于“专注”的描绘，他认为，作曲家在创作过程中，能够达到一种极高的专注状态，屏蔽外界的干扰，全身心地投入到“聆听”和“转化”的过程中。这种专注，并非一时的努力，而是长期训练的结果。它让我意识到，“聆听”不仅仅是一种听觉行为，更是一种全情投入的生命状态。

我是一个对音乐的“幕后故事”充满好奇的人，尤其对那些伟大作品是如何从无到有的产生过程感到着迷。《The Listening Composer》恰恰满足了我的这种好奇，但它的方式却出乎我的意料。它没有给我一本枯燥的音乐理论教材，也没有列出作曲家创作的“秘籍”。相反，它像一位循循善诱的导师，引领我进入作曲家的内心世界，去感受他们如何与外界以及内心的声音进行对话。书中对“灵感”的描绘，不是那种凭空出现的奇迹，而是经过精细的“聆听”和“吸收”的过程，就像海绵吸收水分一样，将生活中的点滴转化为艺术的养分。作者非常善于捕捉那些转瞬即逝的情绪和感受，并将其转化为富有画面感的文字，让读者能够身临其境地体验作曲家创作时的心境。我特别喜欢书中的一些比喻，将创作比作“编织”、“雕刻”甚至“捕风”，这些生动形象的描绘，极大地丰富了我对音乐创作的理解。它让我明白，创作不仅仅是技巧的运用，更是一种深刻的生命体验和精神世界的投射。这本书带给我的启发是多方面的，它不仅让我对音乐创作有了更深的认识，也让我反思了自己在生活中如何去“聆听”和“感知”。

这本书给我带来的，是一种前所未有的对“创作”的理解。我过去总以为音乐创作是一系列技巧的组合，是一种有意识的、逻辑性的构建过程。《The Listening Composer》则彻底颠覆了我的这种看法，它将“聆听”置于创作的核心地位，认为作曲家是“发现者”，而非仅仅是“创造者”。作者以一种极其深刻和富有洞察力的方式，描绘了作曲家如何通过“聆听”来感知世界，并从中汲取灵感。我被书中关于“生命的律动”的论述深深打动，作者认为，音乐的本质在于捕捉和表达生命的律动，而这种捕捉，需要作曲家具备一种高度敏感的“聆听”能力。书中的文字充满了哲思，它没有提供明确的答案，而是引导读者去思考，去探索。我尤其欣赏作者对于“耐心”和“沉淀”的强调，他认为，伟大的作品并非一蹴而就，而是需要作曲家经历漫长的“聆听”和“孕育”过程，最终在最恰当的时机“爆发”出来。这种对创作过程的深入剖析，让我对艺术产生了更深的敬畏。

当我拿起《The Listening Composer》的时候，我并没有预设它会给我带来怎样的阅读体验，但它所呈现出的深刻洞察和独特视角，远超我的想象。这本书的核心不在于具体音乐作品的分析，而在于揭示了“聆听”作为一种艺术创作的基石。作者笔下的作曲家，不是简单的乐谱的编织者，而是一种能够捕捉和转化生命中细微律动的“感知者”。我被其中关于“意念的种子”的论述深深打动，作者认为，每一个伟大的音乐作品，都源自于作曲家内心深处对某个意念的捕捉，而这种捕捉的关键，就在于“聆听”。这种聆听，既包括对外部世界的感知，也包括对内心深处情感和思想的体察。书中的语言极具画面感，它能够将抽象的概念具象化，让我仿佛看到那些尚未成形的旋律在作曲家脑海中闪现，听到那些被捕捉的沉默在空气中回荡。我尤其欣赏作者对于“耐心”的强调，他认为，伟大的创作需要漫长的孕育和孵化过程，而“聆听”正是这个过程中的核心驱动力。它不是一蹴而就的瞬间灵感，而是日复一日的沉浸与体悟。这本书为我打开了一个全新的理解艺术创作的窗口。

这本书的封皮就有一种独特的质感，摸上去像是陈年的羊皮纸，带着一丝温暖和历史的沉淀。当我第一次翻开它的时候，扑面而来的是一种沉静的力量，仿佛作者邀请我进入一个私密的空间，分享一段不为人知的旅程。我特别喜欢它所传递的那种对“聆听”的深刻理解，不仅仅是听觉上的接收，更是一种情感、意图、甚至是不被言说之物的捕捉。这种视角在我阅读其他音乐类书籍时是很少见的，它让我重新审视了音乐创作的源泉，以及作曲家内心深处那些最细微的触动。书中的一些章节，虽然没有直接提及具体的音乐作品，但通过对作曲家内心世界的描绘，我仿佛能感受到那些尚未成形的旋律在脑海中回荡，那些潜藏在情绪深处的节奏开始跳动。作者的文字功底非常扎实，遣词造句之间流露出对艺术的敬畏和对人性的洞察。他没有选择用过于学术的语言来分析音乐，而是以一种更接近诗歌的韵律，讲述了创作的孤独与狂喜，以及天赋与勤奋之间微妙的平衡。我常常在阅读时停下来，回味作者对于某个细微情感的捕捉，那种精准度和画面感，就像是为我量身定做了一幅内心风景画。这本书不仅仅是写给作曲家看的，它更适合所有对艺术、对生命有好奇心的人。它教会我们如何用心去感受，如何去倾听这个世界赠予我们的细微礼物。