具体描述
《杨挺工笔山水画精品集》是一本当代工笔画册，工笔山水画精品集，由杨挺绘。工笔，亦称“细笔”。与”写意”对称。中国画技法名。属于工整细致一类密体的画法。用细致的笔法制作，工笔画着重线条美，一丝不苟，是工笔画的特色。如宋代的院体画，明代仇英的人物画，清代沈铨的花鸟走兽画等。北宋韩拙《山水纯全集》有“用笔有简易而意全者，有巧密而精细者”之说，工笔的要求乃属于后者。著名的工笔画家有张萱、王维、赵佶等等。
作者简介
杨挺，受业于郑乃珧教授，将工笔画和传统壁画的艺术情趣融为一体，形成澹淡、古穆、静虚的韵律。
杨挺作品在重要国展中获奖：
2007年受同务院新闻办、中国文联、中国美协提名为联合国纽约总部创作《同一世界——晴霞》
1993年1月在中国美术馆举办“杨挺同画展”
《芳池曲径惬诗怀》获“第十届个同美展”优秀奖
《晨光微明》获“第五届当代中国山水画展”银奖
《嫩晴》获“第一届中国美协会员中国画精品展”优秀作品奖
《凝晖积翠》获“2006年中国画家提名展”优秀作品奖
《岚光凝处》获“纪念叶浅予百年诞辰中同画家提名展”优秀作品奖
《露凝幽庭》获“全国小幅了笔重彩作品展”优秀作作品奖
《微风吹户牖》获“第四届中国美协会员中同画精品展”优秀作品奖
《工笔山水》入选“全国第六届工笔画大展”
《风含翠筱娟娟静》入选“全国城市山水画展”
《绿风漫拂》入选“首届十四天协会员中国画精品展”
《葱茏青翠》入选“第三届十同美协会员中国画精品展”
《美岭晨曦》、《一帘微雨》、《汀州牛角屋》等二十五件作品入选中国美协主办的画展、画集
《晨昏线》、《秀野欣逢红欲然》为小国美术馆收藏
《雨滋芥绿》入选“全国画院双年展?首届中国画展”
《启牖沐清风》入选“第二届全国画院双年展”
1988年篆刻作品获“古象杯全国书法大赛” 一等奖。
目录信息
读后感
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用户评价
这本书的价值，还在于它提供了一个独特的视角，去审视当代工笔山水画坛的创新与传承。在一个日益追求速度和即时反馈的时代，这种需要极大耐心和时间沉淀的艺术形式，显得尤为珍贵。欣赏这些作品时，我能清晰地感受到画家数十年如一日的功力积累，那种对传统技法尊重的态度，以及在继承基础上不断探索的勇气。例如，在几幅结合了现代构图理念的作品中，画家并没有盲目地引入西方透视，而是巧妙地将传统散点透视与对细节的极致刻画相结合，使得画面既有古典的韵味，又不失现代的张力。它证明了传统艺术在当代语境下依然拥有强大的生命力和表达空间。这本书本身就是对艺术精神的一种坚守和致敬，它不仅仅是展示了一位画家的成就，更像是为后来的艺术探索者们树立了一个清晰的方向标，指引着工笔山水艺术向更广阔的天地迈进。
评分我最近迷上了研究中国传统绘画中的空间处理和层次构建，这本书在这方面简直是教科书级别的范例。它清晰地展示了中国山水画中“三远法”——高远、深远、平远——是如何被娴熟地运用的。通过对比不同时期的作品，我能直观地感受到画家在处理近景、中景和远景时所采用的不同笔法和墨色浓淡。近景往往笔触饱满、皴法清晰，充满力量感和质感，仿佛触手可及；而远景则运用了大量的淡墨晕染和“留白”，营造出一种“空濛”的虚幻美，将观众的视线无限延伸到画幅之外。这种处理方式，极大地增强了画面的纵深感和气势，让原本平面的宣纸焕发出三维立体的空间效果。书中有些作品，山体的结构安排极具巧思，流水的走向、树木的姿态都服务于整体的气韵流动，真正做到了“计白当黑，虚实相生”。这本书的价值，在于它不仅展示了“看”画，更引导我们学会如何“读”画，理解画家是如何在有限的空间里构建出一个无限的世界观。
评分这本画册的装帧设计真是让人眼前一亮，纸张的质感非常细腻，印刷的色彩还原度也极高，拿在手里沉甸甸的，充满了艺术品的重量感。内页的排版布局也十分讲究，留白恰到好处，既突出了作品本身，又给了观者一个呼吸的空间。我尤其欣赏的是，画册中对每一幅作品的介绍和赏析，文字部分简练而富有洞察力，并非空泛的赞美，而是深入剖析了画家的笔墨技巧和意境营造。比如，对于那些运用了传统“披麻皴”和“斧劈皴”的力道对比，文字都能准确捕捉到那种“势”与“韵”的平衡。每一次翻阅，都像是在与画家进行一场无声的对话，我能感受到他对山川河流的独特理解和情感投射。那些云雾缭绕的深远意境，通过精良的印刷技术，仿佛真的能将读者的心神带入到那片宁静的仙境之中。这本书不仅仅是作品的集合，更是一次视觉与心灵的深度洗礼，对于喜爱传统国画尤其是山水画的同好来说，绝对是案头必备的珍藏之作。
评分作为一个业余的中国哲学爱好者，我一直认为山水画是东方哲学思想最直观的体现，而这本画册中的作品无疑提供了极佳的样本。画中展现的，不是对自然界表象的简单摹写，而是一种“卧游”的情怀，一种“天人合一”的境界追求。那些挺拔的松柏，象征着坚韧不拔的士人品格；那些飞流直下的瀑布，蕴含着生命的活力与不息的哲理；而那若隐若现的人迹或茅屋，则透露出对超脱尘世、回归自然的向往。我特别留意到，在几幅巨幅的作品中，画家似乎刻意保留了大面积的空白区域，这在中国传统美学中被视为“气口”或“神韵”的所在，正是这种“不着一笔，尽得风流”的留白，让观者得以将自己的情感和思考投射进去，完成作品的二次创作。这本书的出现，无疑是为那些试图从艺术中探寻东方智慧的人，提供了一扇绝佳的窗口，它超越了单纯的视觉欣赏，触及到了更深层次的精神共鸣。
评分翻阅这本画册的过程，简直是一场关于“墨分五色”的视觉盛宴。很多人以为工笔山水就是僵硬的描摹，但这本书彻底颠覆了我的认知。这里的“工笔”并非一味追求线条的精细和形体的刻板，而是将精微的笔触融入到了气韵生动的写意精神之中。从浓重的焦墨勾勒出岩石的坚硬肌理，到淡墨层层皴擦形成的苔藓的湿润感，再到极淡的宿墨晕染出远山的缥缈，画家对墨的运用达到了炉火纯青的境界。尤其是那些描绘水汽氤氲的场景，墨色的过渡几乎是无缝衔接，让人分不清是墨色自然洇开的效果，还是刻意为之的控制。这种对水墨特性的深刻理解和精准掌控，使得画面既有工笔的细腻质感，又不失水墨画的写意神韵，形成了一种独树一帜的风格——既严谨又灵动。对于学习国画的学生而言，光是学习如何调墨、如何控制水分，从这本书里就能获益良多，它提供了最直观、最权威的范例。
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