Pierre Bonnard

出版者:Metropolitan Museum of Art

作者:Amory, Dita (EDT)/ Burnham, Rika/ Flam, Jack/ Labrusse, Remi/ Munck, Jacqueline

页数:208

出版时间:2009-2-24

价格:USD 50.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780300148893

具体描述

Working in his villa in the south of France, Pierre Bonnard (1867-1947) suffused his late canvases with radiant Mediterranean light and dazzling colour. Although his subjects were close at hand - usually everyday domestic scenes - Bonnard rarely painted from life. Instead, he made pencil sketches in diaries and relied on these, along with his memory, as he executed the works in his studio. These interiors thus often conflate details from the artist's daily life with fleeting, mysterious evocations of his past. The spectral figures who appear at the margins of the canvases, overshadowed by brilliantly coloured baskets of fruit or other props, create an atmosphere of profound ambiguity and puzzling abstraction: the mundane rendered in a wholly new pictorial language.The more than 75 paintings, drawings, watercolours, and gouaches in this volume, some rarely seen treasures from private collections, all painted between 1923 and 1947, are central to the ongoing reappraisal of Bonnard as a leading figure of French modernism.

用户评价

这本画册的阅读体验，与其说是“学习”，不如说是“陪伴”。我发现自己会不自觉地将它放在客厅的茶几上，随时都可以翻开任意一页，然后沉浸其中几分钟。波拿尔的作品有一种奇异的治愈力，他的色彩虽然浓烈，但整体情绪却是安宁的，没有那种过于激烈的表现主义的呐喊，更多的是一种低语般的亲密。书中对一些后期作品的细节放大展示，让我看到了颜料堆叠的肌理，那种厚重感让人联想到雕塑般的体积。我注意到，他对边缘的处理尤其精妙，画面的边缘往往是松动的、模糊的，仿佛暗示着画面之外的世界依然在继续，而我们所见的，仅仅是画家选择定格的那一刻。这种对“边界”的模糊处理，使得他的作品具有一种无限的延展性。对于那些寻找艺术灵感而非艺术理论的读者来说，这本书无疑是一份极佳的礼物，它用最直观、最美丽的方式，教会我们如何去“看”——不是用眼睛，而是用心灵去感受光、色彩和存在本身。

说实话，我对这位艺术家的了解一直停留在比较肤浅的层面，但这本书提供了一个非常扎实且深入的切入点。它不仅展示了那些著名的、被广泛复制的杰作，更挖掘出许多早期或相对少见的素描和水彩作品，这对于理解他艺术语言的形成至关重要。那些早期的草图，线条的犹豫和快速的捕捉，与他后期那种近乎油腻的、厚涂的色彩形成了鲜明的对比，清晰地勾勒出他艺术探索的轨迹。书中对画作主题的探讨也非常有意思，比如他对自己花园、对妻子玛尔蒂的反复描绘，并不是简单的重复，而是在不同光线、不同季节里，对同一主题进行永无止境的“再发现”。这让我联想到，真正的艺术创作，或许就是这样一种持续性的对话，而非一次性的宣告。阅读过程中，我甚至产生了一种错觉，仿佛自己也站在他那间光线略显昏暗的画室里，能闻到松节油和颜料混合的味道。这种强烈的沉浸感，是许多其他艺术书籍难以给予的。

这本书的装帧和纸张质感，首先就让人眼前一亮，明显是下了血本的精品制作。印刷的精度毋庸置疑，特别是那些表现波拿尔标志性暖色调的作品，色彩的层次过渡极其细腻，没有出现任何廉价的色块分离感。我尤其欣赏编辑在版式设计上的用心，他们没有简单地将作品堆砌起来，而是为每一幅重要画作都留出了足够的“呼吸空间”，让每一张图都能以一种近乎独立的姿态被审视。有些页面的布局，会将一幅室内画和一幅风景画并置，这种微妙的对比，让读者可以立刻捕捉到画家在处理不同题材时，其核心的色彩语言是如何保持一致性的。读完这本画册，我对于“后印象派”的理解又深了一层，特别是波拿尔那种不追求形体绝对准确，而侧重于捕捉“瞬间感受”和“内在情绪”的绘画哲学，通过这些清晰的图像得到了极大的强化。这是一本值得收藏的书，不只是因为内容本身的价值，更是因为它以一种极度尊重原作的方式，将艺术家的心血完整地呈现在我们面前。那种对细节的执着，让观赏体验提升到了一个全新的境界。

这本书的叙事结构非常流畅，它避免了那种枯燥的、时间线的罗列，而是将波拿尔的创作生涯放入了二十世纪初欧洲文化变迁的大背景下去考察。通过介绍他与“纳比派”群体的交往，以及他对摄影和日本浮世绘的吸收，我们可以更全面地理解他的创作动机和革新精神。尤其精彩的是，书中深入分析了波拿尔是如何在外部世界日益动荡的背景下，反而更加退守到私人空间，将家庭、餐桌、卧室这些日常场景，提升到近乎神圣的地位。这种“在平凡中寻找永恒”的艺术态度，在这个信息爆炸的时代读来，更显得弥足珍贵。我特别欣赏作者在描述那些“模糊”的造型时所使用的措辞，他们没有用“不精确”来贬低，而是将其定义为艺术家对视觉感受的忠诚，认为那是人类眼睛在真实观看时，大脑进行过滤和柔化的自然结果。这本册子成功地将一位被视为“印象派的最后一位”的画家，重新置于现代艺术史中一个非常独特且不可替代的位置。

这部画册简直是色彩的盛宴，光是翻阅那些印制精美的图版，就能感受到波拿尔晚年那种近乎迷幻的、对光线和室内空间近乎痴迷的捕捉。他笔下的日常生活场景，比如妻子玛尔蒂在浴缸里、窗边的水果盘，总是弥漫着一种温暖而略带忧郁的氛围。我特别留意到他对颜色的处理，那种饱和度极高的橘红、深紫和翠绿，仿佛是从画家的内心深处直接流淌出来的，而不是简单地模仿自然。比如他处理阴影的方式，不像传统画家那样使用深棕或黑色，而是用对比强烈的冷色调去构建阴影的体积感，这让整个画面充满了呼吸感和一种奇特的立体感。书中对不同时期作品的对比分析也做得非常到位，能清晰地看到他如何从早期的象征主义转向后来的“私人印象派”。尤其是那些关于光线穿过玻璃窗洒在地毯上的细节描摹，简直是教科书级别的示范，让人忍不住想伸手去触摸那种斑驳的光影。虽然我不是专业的艺术评论家，但光是看着这些作品，就能体会到画家在画布前那种近乎冥想的状态，沉浸在自己构建的那个私密而又永恒的“光之王国”里。这不仅仅是一本画册，更像是一本视觉日记，记录了一个伟大心灵如何与世界温柔相处的过程。

喜欢他作品里温馨的家庭场景和梦境

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