中华京剧名段集粹

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价格:13.80元
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isbn号码:9787504825209
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  • 京剧
  • 戏曲
  • 传统艺术
  • 戏曲名段
  • 中华文化
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  • 表演
  • 戏曲教学
  • 文化艺术
  • 国粹
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具体描述

《中华京剧名段集粹》是一部精心编选的、系统性地展现京剧艺术瑰宝的经典汇编。本书并非简单地罗列剧目,而是深入挖掘了京剧各个行当、各个时期最具代表性、最广为流传的经典唱段,力图为读者呈现一个完整而深刻的京剧艺术图景。 本书的编排遵循了京剧艺术发展的脉络和表演的特点,选取了包括老生、青衣、花脸、小生、武旦、老旦等主要行当的经典唱段。每一段选取的唱段,都经过了严谨的考证和精炼的取舍,确保其在艺术价值、历史地位和观众接受度上都具有高度代表性。 在内容呈现上,《中华京剧名段集粹》不仅仅提供了唱词,更注重对唱词背后蕴含的故事情节、人物情感以及表演技巧的解读。对于每一段名曲,本书都会附带简要的剧情介绍,让读者能够理解唱词的背景和意义。同时,还会对唱词的艺术特色、音乐的旋律特点、以及演唱者惯用的唱法和处理方式进行详细的介绍,例如,在介绍《定军山》时,会详细阐述其在老生唱腔中的地位,以及“亮相”、“拖腔”等技巧的运用;在介绍《贵妃醉酒》时,会分析其如何通过唱词和身段的完美结合,展现杨贵妃内心的复杂情感和醉态。 本书的另一个亮点在于其对京剧音乐行腔的细致描绘。京剧的音乐是其艺术生命的核心,《中华京剧名段集粹》力求用文字的方式,尽可能生动地还原京剧唱腔的韵味。例如,对于“二黄”、“西皮”等不同板式的特点,以及唱腔中“起板”、“收腔”、“转腔”、“落板”等关键环节的处理,都会有深入浅出的描述,帮助非专业读者也能领略京剧音乐的魅力。 此外,本书还收录了大量关于京剧表演程式的解释。京剧的表演是程式化的,每一个眼神、每一个手势、每一次亮相都有其特定的含义和表现力。《中华京剧名段集粹》将对这些程式进行详细的解读,比如,介绍“亮相”的种类及其在不同情境下的运用;讲解“髯口”的变化如何表现人物的情绪;分析“圆场”、“趟马”等身段动作的韵律和表现力。这些解读将帮助读者更深入地理解京剧表演的精妙之处。 在选择名段时,本书也充分考虑了不同时期的风格特点。从早期四大徽班的遗韵,到四大名旦的辉煌,再到当代名家的创新,都力求有所体现。例如,会选取一些能体现早期京剧演唱风格的唱段,也会选取一些展现名家独特唱腔和艺术创造的唱段。 《中华京剧名段集粹》不仅是对京剧艺术的梳理和呈现,更是对中国传统文化的一次深入挖掘和传承。它旨在让更多的人了解京剧,爱上京剧,从而为保护和发扬这一国粹艺术贡献一份力量。无论是京剧爱好者,还是对中国传统文化感兴趣的读者,都能从中获得丰富的知识和艺术享受。本书希望能成为一座连接过去与现在、专业与大众的桥梁,让更多人能够欣赏到京剧艺术的博大精深和独特魅力。 本书的编撰团队由一批资深的京剧研究者、表演艺术家和音乐家组成,他们凭借深厚的学识和丰富的实践经验,对每一段唱词、每一处音乐、每一个表演程式都进行了细致的研究和梳理。力求所呈现的内容既有学术的严谨性,又不失艺术的感染力。 本书的价值还在于它为学习者提供了一个宝贵的学习资源。无论是初学者希望入门,还是进阶者希望深化理解,都能在本书中找到有益的指导。通过对经典唱段的品读和解析,读者可以逐步掌握京剧的声腔特点、表演技巧,甚至领略到其中蕴含的中国传统哲学思想和美学观念。 总而言之,《中华京剧名段集粹》是一部集知识性、艺术性、普及性于一体的京剧经典读物,它系统地展现了京剧艺术的魅力,是了解和学习京剧的理想选择,旨在传承和弘扬中华优秀的传统文化。

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读后感

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用户评价

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要说市面上那些“戏曲入门”的书,大多流于表面,讲点历史背景就草草收场。但《行当百态录:舞台上的身份与符号》这本书,简直是教科书级别的“角色辞典”。它完全摒弃了传统的编年体叙事,而是专注于对京剧五大行当——生、旦、净、丑——的深度剖析。作者像是专业的化妆师和服装设计师,事无巨细地描述了每个行当的脸谱、服饰、水袖的运用甚至扇子的手势含义。比如,关于武生的“靠把”,书中详细讲解了那厚重的靠旗是如何影响演员的台步和动作的,以及在翻打之间如何保持平衡和气势。而对旦角的描述更是细致入微,区分了青衣、花旦、武旦在神态、身段上的细微差别,光是描述“水袖功”的“拂、抖、挑、藏”,就能让人感受到其中的千变万化。这本书的妙处在于,它让你在欣赏演出时,不再是看一个“漂亮人”,而是能立刻识别出这个角色的身份、性格乃至当下的心境,仿佛每一件道具、每一个手势都藏着一句台词。对于想系统了解舞台符号体系的戏迷来说,这绝对是案头必备的“武功秘籍”。

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这本《戏曲人生:梨园往事拾遗》简直是京剧爱好者的“天籁之音”!我拿到手的时候,就被它那沉甸甸的质感和古朴典雅的封面设计所吸引。这本书并没有直接罗列剧目,而是像一位年迈的戏班老师傅,娓娓道来京剧从诞生到鼎盛时期的那些幕后故事和风云变幻。它详细描绘了老一辈艺术家们是如何在艰苦的条件下磨练技艺,如何将唱念做打的每一个细节都融入血液之中。我尤其喜欢其中关于“角儿”们如何塑造角色的章节,作者用极其细腻的笔触,分析了梅兰芳先生的“台上一分钟,台下十年功”是如何在排练中体现的,光是描述他们如何揣摩人物的内心世界,我就仿佛能闻到那舞台上特有的汗水和油彩的味道。更难能可贵的是,书中还穿插了大量历史照片和当时的演出评论,这些一手资料的引用,让整个阅读过程充满了“穿越时空的对话感”。这本书与其说是一本戏曲史,不如说是一部浓缩的中国近现代社会变迁史,通过梨园这个小小的窗口,观察到了大时代的波澜壮阔。读完之后,我对京剧艺术的敬畏之心油然而生,它让我明白了,每一个华美的亮相背后,都凝聚着无数人的心血与坚守。

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我一直都在寻找一本能够真正“听懂”戏曲音乐的书,而这本《声腔韵律探微:传统戏曲的听觉密码》绝对是我的不二之选。这本书的学术性很强,但行文却出奇地清晰流畅,完全没有那种枯燥的理论说教。它深入剖析了京剧的核心——声腔的构造,从“西皮流水”、“二黄慢板”这些基础板式出发,层层递进地解释了它们在不同情绪表达下的微妙变化。最让我感到震撼的是作者对“韵白”的解读,那种强调气口、气息控制和腔体共鸣的论述,让我这个外行人也能大致领会到其中“以气驭声,以声传情”的精髓。书中还配有大量的乐谱片段解析,虽然我不是科班出身,但光是看着那些密集的符号和标注,就能想象出老艺术家们在台上是如何精准地把握每一个颤音和滑音的。这本书并非在介绍哪个名家唱得好,而是在解构“好”背后的科学和艺术规律。它提供了一套完整的听觉解码系统,让我现在再听到任何一出传统戏曲时,都能更清晰地捕捉到旋律是如何为剧情服务的,极大地提升了我的欣赏层次。

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这本《点燃舞台的火花:京剧名家幕后的创作与排练实录》的阅读体验,就像是偷窥了一场又一场大师级的“私房课”。它完全跳脱了“传记”的套路,专注于记录了某个经典剧目从最初的创意构思到最终上演的全过程。例如,书中详细记载了某位著名武生在创排一场高难度武打场面时,是如何与武术指导反复推敲、一遍遍尝试,甚至为此受了多少伤痛,最终才将那种“以命搏杀”的真实感呈现在舞台上的。另一个让我印象深刻的篇章,是关于“集体创作”的记录,它揭示了导演、编剧、主演、配角之间,如何通过不断的磨合、争论,最终达成对一个角色或一场戏的最终理解。书中没有华丽的辞藻,而是充满了排练场上的真实对话和笔记,那种字里行间透出的对艺术近乎偏执的打磨态度,非常有感染力。它让我明白,舞台上看似信手拈来的从容,背后是无数次精确到秒的计算和反复的否定与重塑。这本书让我从一个旁观者,变成了一个心甘情愿的见证者。

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一本优秀的文化读物,理应能激发起读者的思考,而这本《都市霓虹下的水袖:京剧的现代转型与传承困境》则精准地做到了这一点。这本书没有沉湎于对旧日辉煌的追忆,反而直面了京剧在当代社会所面临的严峻挑战和它所进行的痛苦的自我革新。作者以批判性的眼光审视了近几十年来京剧在“现代化”过程中出现的一些偏差,比如过度追求舞台的视觉冲击力而牺牲了声腔的韵味,或者在吸收外来元素时导致了文化内核的模糊。书中引用了许多当代京剧名家的访谈录,他们坦诚地谈论着如何平衡艺术的纯粹性与市场的接受度,如何在不“失味”的前提下吸引年轻观众。这种诚恳的探讨,让我感到非常受用,它不再是单向的灌输,而是一场关于文化存续的深刻对话。读完整本书,我深切地体会到,京剧的传承绝非易事,它需要一代又一代的坚守者,不仅要守住“形”,更要守住那份融在骨子里的“神”。

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