Minds on Music

作者:Kaschub, Michele/ Smith, Janice/ Reimer, Bennett (FRW)

页数:283

价格:305.00元

isbn号码:9781607091943

用户评价

我对音乐理论的理解，一直停留在“我知道C大调有七个音”的初级阶段，任何涉及到调式转换或和声分析的书，对我来说简直就是天书。然而，读完这本关于音乐结构的书后，我感觉自己的耳朵好像被重新“校准”了一样。这本书的叙事逻辑非常严密，它没有急于展示宏大的理论体系，而是从最基本的音高感知和听觉训练入手，循序渐进地搭建起一座知识的阶梯。我尤其欣赏作者在论述“功能和声”那一章节的深度和广度。他不仅解释了主、属、下属和弦的基本作用，还深入探讨了副属和弦在不同风格音乐（比如从巴洛克到浪漫主义）中的细微差别和情感倾向。书中的许多例证都直接引用了古典音乐大师的经典作品片段，并配有清晰的五线谱分析，让我不再是盲目地去“听”音乐，而是可以带着目的去“分析”音乐是如何构建出特定的情绪张力的。阅读过程中，我经常会停下来，拿出键盘对照着书中的讲解去试验，那种“原来如此”的顿悟感，比单纯的背诵规则要深刻得多。这本书的文字风格非常成熟、稳重，偶尔流露出一种对音乐艺术的深沉敬意，读起来让人感到一种被引领进入高雅殿堂的庄重感。对于已经有一定音乐基础，但渴望触及更高层次分析能力的读者而言，这本书无疑提供了一个坚实的理论框架和深刻的洞察力。

说实话，我买这本书的初衷是想找一本能帮我快速上手编曲的“速成秘籍”，毕竟现在数字化音乐制作太流行了。刚翻开时，我对那些关于“曲式结构”和“对位法”的章节有些不耐烦，心想这些老掉牙的理论跟我用电脑做出来的Loop有什么关系？但神奇的是，越往后读，我越发现，那些看似“过时”的理论，恰恰是构建现代音乐逻辑的基石。这本书在讲解如何构建一个引人入胜的乐章时，并没有停留在传统的奏鸣曲式上，而是用了很多现代流行音乐的AABA结构、Verse-Chorus-Bridge的编排技巧作为案例来解析。它成功地架起了古典训练与现代创作之间的桥梁。作者的文笔极为犀利和精确，没有一句废话，每一个句子都像是经过精确计算的音符，直击问题的核心。比如，在讨论如何处理乐段的“能量释放”时，他提出的“密度与稀疏”的对比原则，让我立刻明白了为什么有些歌曲听起来平淡无奇，而有些则高潮迭起。这本书更像是一本高明的“作曲家思维训练手册”，它教你的不是具体的和弦进行，而是如何像建筑师一样去设计你的声音结构。它要求你思考：你的听众的注意力应该在哪里停留？你希望在哪个时间点制造惊喜？这对我制作音乐时的构思帮助是颠覆性的。

这本乐理入门的教材，简直是为我这种音乐小白量身定做的救星！我之前尝试过好几本号称“零基础友好”的书，结果不是晦涩难懂，就是上来就堆砌一堆复杂的术语，看得我头晕眼花。但这本书不一样，它像是有一位耐心又风趣的音乐老师在旁边手把手地教你。比如，讲解音程和和弦构成时，作者没有直接抛出枯燥的公式，而是用到了非常生动的比喻，比如把音程想象成爬楼梯，每一步的距离就是不同的音程关系，一下子就清晰明了。更绝的是，它还巧妙地穿插了一些音乐史上的小故事，让你在学习知识点的同时，也能感受到音乐是如何一步步发展到今天的面貌。我特别喜欢它关于节奏的部分，那些复杂的拍号和切分音，原本是我最头疼的，但书里通过大量的图示和实际的练习曲来引导，我竟然真的能跟上节奏，甚至开始自己尝试编排一些简单的旋律了。这本书的排版也非常舒服，留白得当，字体适中，即使是长时间阅读也不会感到视觉疲劳。如果说非要挑个小毛病，可能附带的光盘内容可以再多一些实时演奏的范例音频，那样学习起来会更直观一些，但瑕不掩瑜，对于想系统打好音乐基础的朋友来说，这本书绝对是值得拥有的宝典。它成功地把我从“只会听歌”的境界，提升到了“能听懂音乐在说什么”的阶段，这种进步带来的成就感，是无法用言语来形容的。

我是一名大学音乐系的学生，平时接触的教材大多是翻译过来的洋文原著，内容上追求严谨到令人窒息的学术性，读起来非常耗费精力。因此，当我拿起这本中文原创的音乐教材时，立刻感受到了一种久违的亲切感和呼吸感。这本书最大的亮点在于它对音乐的“感性层面”的捕捉和描述。它不满足于告诉你“是什么”，更致力于探索“为什么”。例如，在讨论转调技巧时，它不仅给出了平行大小调和关系小调的转换方法，更深入剖析了这些转换在特定历史时期作曲家手中承载的情感含义——为什么肖邦喜欢用某种转调来表达忧郁，而莫扎特又偏爱另一种来暗示希望。书中的语言风格极其富有文学色彩，阅读过程宛如进行一场优美的音乐沙龙对谈，而不是枯燥的课堂学习。它会使用一些非常富有画面感的词汇来描述音乐进行，比如“色彩的晕染”、“线条的交织”、“张力的酝酿”，这极大地激发了我作为演奏者的想象力。它迫使我不再仅仅把乐谱视为黑白符号的组合，而是去体会每一个音符背后蕴含的生命力和情感流向。这本书对于任何想要提升音乐鉴赏能力和表演深度的人来说，都是一次精神上的洗礼，它让你从技术层面升华到艺术层面的思考。

我原本以为这又是一本平庸的乐理参考书，因为市面上这类书籍太多了，内容大同小异，无非是把教科书上的知识点重新排列组合一下。但这本书的视角是如此独特且具有颠覆性，它几乎颠覆了我多年来对传统音乐分析的刻板印象。它不是按照传统的“基础理论—和声学—曲式分析”的线性结构展开的，而是采用了一种主题探索式的编排。比如说，它不是先讲完所有音阶，而是直接从“旋律的驱动力”这个主题入手，然后倒推回去解释哪些音阶和调式最适合实现这种驱动力。这种“结果导向”的教学法，对我这种已经有一定理论基础，但感到知识点碎片化的学习者来说，简直是醍醐灌顶。作者对节奏复杂性的探讨尤为精妙，他引入了跨文化视角，对比了欧洲古典音乐中的周期性节奏与非洲、印度音乐中非对称节奏的内在逻辑，这极大地拓宽了我对“律动”的理解边界。此外，书中的批判性思维训练非常到位，它不断鼓励读者去质疑既定的规则，去探索“规则之外的可能性”。它的语句结构变化多端，时而像哲学论辩般缜密，时而像音乐评论般洒脱不羁，给人一种思想不断被激活的阅读体验。读完后，我感觉自己对音乐的感知力得到了极大的拓展，仿佛拥有了一副全新的、能穿透表象直达本质的“分析之眼”。