How to Understand a Painting

出版者:Frances Lincoln

作者:Francoise Barbe-Gall

页数:312

出版时间:2011-7-26

价格:USD 24.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780711232136

具体描述

Choosing ten symbols from the natural world (the sun, the shell, the bird) and ten man-made (the window, the book, the mirror), Françoise Barbe-Gall illuminates our understanding of how these have been used and developed in art from the fifteenth to the twenty-first century, with sixty-eight wonderfully vivid examples.

Painting has always made abundant use of forms and objects to convey abstract ideas: love, hope for eternal life, loyalty or betrayal. These recurring motifs, which were familiar to many in the past, have mostly become mysterious to the audiences of today. Today's art-lover will have to learn to look out for all the small things that can so easily seem like unimportant details, or simply decoration. But a flower, a reflection in a mirror or a bird in flight nearly always mean more than they first appear to.

From Holbein's apple of knowledge to the black cat at the foot of Manet's Olympia, from Magritte's mysterious candles to Georgia O'Keeffe's flowers, this book shows how each work makes use of the language of symbols in an original and more meaningful way.

作者简介

Francoise Barbe-Gall studied history of art at the Sorbonne and also at the Ecole du Louvre, where she now teaches. She also directs an association called CORETA (Comment Regarder un Tableau), for whom she gives many lectures. She is regularly called upon to participate in management workshops, where her experience of analysing images in relation to publicity and marketing is called upon. Editions de l'Agenda de L'Empresa have published a collection of her articles, and she is the author of several articles on the work of the sculptor Tom Carr. She is the author of How to Talk to Children about Art and How to Understand a Painting, both published in English by Frances Lincoln.

用户评价

这本书《如何理解一幅画》，对于我这样一个非专业出身的艺术爱好者来说，是极具价值的学习资源。它就像一位耐心细致的老师，将复杂的艺术理论掰开了、揉碎了，用最易于理解的方式呈现给我。我曾经对某些抽象画作感到非常困惑，完全不知道艺术家想要表达什么，甚至觉得它们“毫无意义”。但读完这本书后，我才意识到，抽象艺术并非没有意义，而是它采用了一种更为纯粹的视觉语言来表达。作者在书中关于“抽象艺术”的解读，让我看到了线条、色彩、形状本身所蕴含的情感力量。例如，锐利的线条可能传递出紧张和冲突，而柔和的曲线则可能带来平静和愉悦。这本书还鼓励读者去“体验”艺术，而不是仅仅去“分析”。它让我明白，艺术的魅力在于它能够触动我们的情感，引发我们的思考，甚至改变我们看待世界的方式。每一次翻开这本书，我都能从中获得新的启发，也越来越期待未来能够亲自去画廊，用我所学的知识，去感受和理解更多精彩的艺术作品。

《如何理解一幅画》这本书，让我对“形式”和“内容”的关系有了全新的认识。过去，我常常纠结于一幅画是“好看”还是“有内涵”，总觉得两者难以兼得。然而，这本书的作者用丰富的案例，清晰地阐释了形式与内容是如何相互依存、相互作用的。她指出，恰当的形式能够更好地服务于内容的表达，而深刻的内容也需要通过精妙的形式才能得以充分展现。例如，印象派画家对光影和色彩的探索，不仅仅是为了追求视觉上的美感，更是为了捕捉瞬间的感受，表现出主观的视觉体验。而达芬奇在《蒙娜丽莎》中对“晕涂法”（sfumato）的运用，则极大地增强了人物面部的神秘感和生命力。书中还探讨了不同艺术流派在形式上的偏好，例如立体主义如何通过打碎物体，从多个角度同时呈现，来表达对现实的全新认知。这些关于形式与内容的深入分析，让我明白了，评价一幅画，不能仅仅停留在“美”或“丑”的简单判断上，而需要去审视艺术家是如何运用各种艺术手段，来传达自己的思想和情感。

在我接触《如何理解一幅画》之前，我对艺术的理解，很大程度上是被动接受的，看到一幅画，觉得它好看就觉得好看，觉得不好看就觉得不好看，但具体好在哪里，不好在哪里，却说不出个所以然。这本书的出现，彻底改变了我的这种被动状态，它赋予了我主动“解读”艺术的能力。作者在书中对“光影”的描绘，给我留下了深刻的印象。我过去只注意到画面明暗对比，却从未意识到光影在绘画中扮演着如此重要的角色。书中解释了伦勃朗是如何运用“伦勃朗光”，制造出戏剧性的明暗对比，突出人物的情感；而印象派画家又是如何捕捉瞬间的光线变化，表现出物体在不同光照下的色彩。这让我明白，光影不仅仅是物理现象，更是艺术家表达情感、塑造空间、引导观众注意力的重要手段。此外，书中还涉及了“象征主义”的解读，让我了解到，许多看似寻常的物品，在不同的文化背景和艺术语境下，可能被赋予了特殊的象征意义。例如，一朵百合花可能代表纯洁，而一只乌鸦则可能象征死亡或厄运。这些关于象征意义的解读，极大地丰富了我对绘画作品的理解层次，让我在欣赏艺术时，不再仅仅停留在表面。

我一直认为，艺术是一种很个人的体验，每个人都可以有自己的看法，但《如何理解一幅画》这本书，让我看到了，在看似自由的个人体验背后，其实存在着一套相对系统和科学的解读框架。作者并没有试图强加某种“正确”的答案，而是提供了一套工具和方法，帮助读者自己去探索和发现。我尤其喜欢书中关于“象征意义”的讲解。它让我了解到，艺术并非总是直白的，很多时候，艺术家会借助各种“符号”来传达更深层的信息。这些符号可能来自于宗教、神话、民间传说，也可能来自于艺术家个人的经历和思考。例如，在西方艺术中，蛇常常被视为诱惑和罪恶的象征，而羔羊则代表着纯洁和牺牲。了解这些象征意义，就如同掌握了一把解锁画作内涵的钥匙。书中通过大量的实例，展示了这些象征意义是如何在一幅幅画作中被巧妙地运用，从而赋予作品更丰富的解读空间。这本书让我意识到，理解一幅画，是一个动态的过程，它需要我们调动自己的知识储备、生活经验，以及对艺术史的认知，去与画面进行对话。

《如何理解一幅画》这本书，对于我这样一个曾经对艺术史知之甚少的读者来说，无疑是一场及时雨。它用一种非常人性化、易于理解的方式，拉近了我与艺术的距离。我以前总是觉得，艺术史上的那些大师们，他们的作品距离我们太遥远，理解起来也一定很困难。然而，这本书的作者用非常生动的语言，将历史的厚重感与艺术的鲜活性巧妙地结合在了一起。她并非简单地梳理时间线，而是通过分析不同时期绘画风格的演变，以及这些风格背后所反映的社会、文化和思想的变迁，让我看到了艺术与生活的紧密联系。例如，在文艺复兴时期，人文主义思潮兴起，画家们开始关注人本身，注重比例、解剖学的准确性，以及画面中人物的情感表达。而到了洛可可时期，则更加强调享乐、轻快和装饰性。通过这种对比，我才真正体会到，艺术并非独立于时代而存在，而是时代精神的缩影。书中关于“艺术家生平”与“作品解读”的结合，也让我印象深刻。了解艺术家的个人经历、他们的创作动机、甚至他们所处的社会环境，能够极大地帮助我们理解他们的作品。

在我拿到《如何理解一幅画》之前，我对于“美学”这个词，总觉得有些遥远和抽象。它似乎是一个只属于专业人士的领域，与我的生活无关。然而，这本书的阅读体验，彻底颠覆了我的这种刻板印象。作者用非常接地气的方式，将那些晦涩的美学理论，化为可以直接感知和理解的语言。她探讨了“形式美”，也就是画面本身的结构、比例、线条的流畅程度等等，如何能够引起观者的愉悦感。同时，她也深入分析了“内容美”，即画作所传达的思想、情感、叙事，如何触动观者的内心。我特别欣赏作者在分析画作时，提出的“情感共鸣”的视角。她让我们意识到，艺术不仅仅是技巧的展示，更是艺术家与观众之间情感的交流。一幅画之所以能够打动人心，往往是因为它触及了我们内心深处的某种情感，或者引发了我们对生活、对世界的某种思考。书中通过对不同情绪表达的画作进行分析，例如描绘悲伤、喜悦、愤怒、或是宁静的作品，让我学会了如何去辨识和理解画面中蕴含的各种情感层次。这本书让我明白，艺术的美，是内外兼修的，既有视觉上的愉悦，也有精神上的启迪。

初读《如何理解一幅画》时，我心中曾有些许忐忑，担心这会是一本枯燥乏味的理论堆砌之作。然而，我的顾虑很快就被完全打消了。这本书的魅力在于它那令人着迷的叙事方式和丰富的案例分析。作者并非仅仅罗列观点，而是通过精心挑选的、极具代表性的绘画作品，将抽象的艺术理论具象化。每一幅画的解读都像是一个独立的微型故事，引人入胜。我惊喜地发现，原来那些曾经让我望而却步的古典大师作品，在作者的解读下，竟然变得如此生动而富有层次。书中对于透视法的讲解，让我第一次真正理解了画家是如何在二维平面上创造出三维空间的错觉，以及不同透视方式所带来的不同视觉效果。例如，当画面采用一个略微低仰的角度进行构图时，被描绘的对象会显得更加宏伟和有压迫感，而一个俯视的角度则可能带来一种渺小和脆弱的感觉。此外，作者还深入探讨了画面的“叙事性”，即一幅画是如何通过人物的姿态、眼神、以及场景的布置来讲述一个故事，传递一种情感。我曾花了很长时间去理解一幅静物画，之前只觉得它不过是摆放着水果和花朵，但读完这本书后，我才明白，即使是看似简单的静物，也可能蕴含着艺术家对生命、时间流逝的思考，甚至是对社会现实的隐喻。这本书让我学会了“看”，不再是走马观花，而是真正地去“读”画面中的每一个细节，去感受艺术家想要传达的意图。

《如何理解一幅画》这本书，对我而言，是一次视觉语言的启蒙。我一直对艺术抱有浓厚的兴趣，但常常感觉自己像一个站在画廊里，却听不懂任何语言的局外人。这本书就像一本通俗易懂的“艺术密码本”，它教会我如何去识别画面中的各种“符号”和“信号”。作者并没有回避艺术史上的复杂概念，但她总能用最简洁、最贴切的语言加以阐释，避免了不必要的专业术语。我印象最深刻的是关于“构图”的章节，它让我明白，画面的平衡、对称、黄金分割点等等，都不是随意为之，而是艺术家精心安排的视觉引导工具。一幅好的构图，能够有效地将观众的视线引向画面的焦点，并让整个画面显得和谐统一。作者还详细地解释了不同时代、不同流派的艺术家在构图上的不同偏好，例如巴洛克艺术倾向于使用充满动感的对角线构图，而古典主义则偏爱稳定、对称的三角形构图。通过大量的图例分析，我逐渐掌握了识别和分析构图的基本方法，这让我以后在观赏任何绘画作品时，都能有目的地去审视画面的组织方式。这本书不仅让我看得懂，更让我开始“品味”画面的深度和广度。

《如何理解一幅画》这本书，给我带来的最直接的改变，就是它极大地拓宽了我观察世界的方式。我以前看画，总像是隔着一层毛玻璃，看不真切，也摸不着门道。但读了这本书之后，我感觉自己像是突然拥有了一副“艺术透视镜”，能够透过表象，看到更深层的含义。作者在书中对“叙事性”的解读，给了我很多启发。她指出，许多绘画作品，即便不是直接描绘一个故事，也往往蕴含着叙事性的元素。例如，一幅人物肖像，通过人物的眼神、姿态、以及所处的环境，就能够暗示出他/她的性格、身份、甚至是当时的心情。书中对不同时期、不同文化背景下的“叙事方式”的对比分析，让我看到了艺术语言的丰富性和多样性。我曾对某个特定时期的绘画风格感到困惑，不明白为什么会有那样的色彩运用和线条表现，但读完这本书后，我才恍然大悟，原来这些艺术特征，往往与当时的社会观念、宗教信仰、甚至科学技术的发展息息相关。这本书让我明白，理解一幅画，就是去理解它所处的“语境”，这个语境既包括艺术史本身的发展脉络，也包括艺术家所生活的那个时代。

这本《如何理解一幅画》就像一位经验丰富的向导，带领我踏上了一段令人惊叹的艺术探索之旅。在我翻开这本书之前，我对绘画的理解仅停留在“好看”或者“不好看”的层面，色彩的明暗，线条的疏密，构图的平衡，这些都像是天书一般，只能粗略地感知，却无法深入理解。然而，这本书的出现，彻底改变了我的观画体验。它不是那种高高在上、充斥着艰涩术语的学术著作，而是用一种亲切、循序渐进的方式，拆解了艺术的奥秘。书中的章节安排非常有条理，从最基础的元素——色彩、光影、线条——开始讲起，然后逐步深入到构图、透视，再到更深层次的主题、象征意义、历史背景以及艺术家个人的情感表达。我尤其喜欢作者在讲解色彩时，并非简单地列举色谱，而是通过具体的画作，分析色彩如何影响情绪，如何营造氛围，如何引导观众的视线。比如，一幅画中红色的运用，可能代表热情、愤怒，也可能象征着权力或危险，而蓝色则可能传递出宁静、忧郁，或是深邃的神秘感。作者还巧妙地将不同时期的艺术风格融入到讲解中，让我看到了从文艺复兴的严谨写实，到印象派的光影捕捉，再到抽象派的自由表达，艺术语言是如何随着时代的发展而不断演变的。这本书让我意识到，理解一幅画，远不止是欣赏它的表象，更重要的是去挖掘它背后隐藏的故事、情感和思想。

选取20个西方绘画中重要的象征主体，通过对几十幅非常重要的名画分析，介绍了这些象征的内涵、图像故事与文化背景。文字清晰易读，绝对可以满足艺术史爱好者的饕餮欲。这些知识大多属于文化传承，不在这种文化中土生土长的人大多只能零星各处知道一星半点。从文化常识和图像概念普及的角度来说，这本书有用。

选取20个西方绘画中重要的象征主体，通过对几十幅非常重要的名画分析，介绍了这些象征的内涵、图像故事与文化背景。文字清晰易读，绝对可以满足艺术史爱好者的饕餮欲。这些知识大多属于文化传承，不在这种文化中土生土长的人大多只能零星各处知道一星半点。从文化常识和图像概念普及的角度来说，这本书有用。

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选取20个西方绘画中重要的象征主体，通过对几十幅非常重要的名画分析，介绍了这些象征的内涵、图像故事与文化背景。文字清晰易读，绝对可以满足艺术史爱好者的饕餮欲。这些知识大多属于文化传承，不在这种文化中土生土长的人大多只能零星各处知道一星半点。从文化常识和图像概念普及的角度来说，这本书有用。

选取20个西方绘画中重要的象征主体，通过对几十幅非常重要的名画分析，介绍了这些象征的内涵、图像故事与文化背景。文字清晰易读，绝对可以满足艺术史爱好者的饕餮欲。这些知识大多属于文化传承，不在这种文化中土生土长的人大多只能零星各处知道一星半点。从文化常识和图像概念普及的角度来说，这本书有用。