拉丁爵士吉他

出版者:成信

作者:莊智淵

页数:0

出版时间:20050601

价格:0

isbn号码:9789572867167

具体描述

拉丁美洲的音樂風格繁多，幾乎每個國家都擁有數種不同的民俗風格。本書將重點放在其中受美國爵士樂（Jazz）影響較深的拉丁美洲音樂風格。

作者在美國Berklee College of Music 就讀期間，曾對拉丁美洲音樂做了相當的學習與研究，深刻感受到拉丁音樂之美及豐富性。因此撰寫本書，希望各位讀者能藉此踏入拉丁爵士吉他的領域。

書中針對不同的拉丁風格有詳細的解說，包括歷史文化背景及演奏手法的剖析。從最基 本的練習出發，包括以下三大單元，循序漸進引領讀者精修拉丁爵士吉他的演奏技術。

第一部分 Samba

第二部分 Bossa Nova

第三部分 Montuno

關於講師：莊智淵 Eric

畢業自全美最富盛名的現代音樂學院 Berklee College of Music，在校期間追隨 John Damian ,John Wiklins 等名師潛心研習爵士吉他，並於2002年取得吉他演奏（Guitar Performance）學位。在2002年夏天，隨Miles Ahead「超里程樂團」回台舉辦巡迴演奏會並發行樂團首張專輯（Colors），優越的表現，深獲眾人推崇。

作者简介

作者在美國Berklee College of Music 就讀期間，曾對拉丁美洲音樂做了相當的學習與研究，深刻感受到拉丁音樂之美及豐富性。因此撰寫本書，希望各位讀者能藉此踏入拉丁爵士吉他的領域

用户评价

这部音乐理论入门书真是帮了大忙！我之前对和声学的概念一直感到模糊不清，特别是关于如何将复杂的乐理知识应用到实际演奏中。这本书的讲解方式非常直观，作者似乎很懂得初学者的困惑点，用很多生活化的比喻来解释像调式、和弦转位这些听起来高深莫测的概念。举个例子，他把音程比作“距离”，把功能和声比作“旅行中的目的地”，一下子就明白了它们在乐句中的作用。最让我惊喜的是，它并没有停留在纸上谈兵的阶段，每介绍完一个理论点，都会立刻附带相应的练习曲或者即兴片段的建议，这让我可以马上动手实践，而不是读完就忘。我尤其喜欢它讲解“内声部进行”的那一章，以前总觉得内声部随意进行也没什么大碍，读完之后才发现，流畅的内声部才是让音乐听起来“高级”的关键。书中的排版也很舒服，图表清晰，字体大小适中，长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。对于想要系统学习西方音乐基础，但又不想被厚厚的传统教材吓退的人来说，这本书绝对是首选的敲门砖。它成功地将学术的严谨性与实用的操作性完美结合了起来，让我对未来学习更复杂的音乐知识充满了信心。

这本关于录音棚实践的指南，简直是技术爱好者的天堂！我一直对外录音的流程非常感兴趣，但很多书籍要么过于晦涩难懂，充满了复杂的声学公式，要么就是只关注某一个软件的操作，缺乏整体流程的概念。这本书完美地填补了这个空白。它从拾音器的选择和摆位开始讲起，详细解释了不同类型麦克风（动圈、电容、铝带）的指向性、频率响应特性及其在不同乐器上的应用场景。让我印象深刻的是它对“空间感”的讲解，作者没有简单地说“用混响”，而是深入分析了早期反射声、混响时间和扩散度对最终声音的心理影响，并给出了很多实用的房间处理技巧。更棒的是，它还将理论和软件操作相结合，每一章都会对应介绍几种主流DAW（数字音频工作站）中实现该效果的具体步骤，这种“学了理论马上就能动手实践”的模式效率极高。我按照书里的建议，重新调整了我家庭工作室里几件常用乐器的收音方式，听感上的提升是立竿见影的，声音的清晰度和立体感都有了质的飞跃。这本书真正做到了将复杂的声学工程，转化为每个音乐人都能掌握的实用工具。

这本书的内容跨度非常广，简直是一部浓缩的现代音乐史和乐器发展史的结合体。我原本以为它会专注于某个特定的流派或者技术，没想到它从早期的民族乐器发展讲起，一直延伸到二十世纪中叶电声乐器的崛起，信息量大得惊人。作者的叙述风格非常具有批判性和思辨性，他不仅仅是罗列事实，而是深入分析了社会变革、技术革新是如何反作用于音乐创作和演奏的。特别是关于“音色革命”的那几章，详细描述了拾音器、放大器以及后来的数字合成技术是如何彻底颠覆传统乐器的发声方式和音乐的可能性。书里还穿插了很多历史性的访谈片段和老照片，大大增强了阅读的沉浸感。对于我这种对音乐的“前世今生”充满好奇心的人来说，这本书提供了绝佳的宏观视角。它让我意识到，我们今天所演奏的每一个音符、使用的每一种技巧，背后都承载着漫长的历史演变和无数音乐家的探索。读完后，我对“传统”这个概念有了更辩证的理解，明白艺术的进步往往源于对既有边界的不断突破。

我必须承认，这本书在关于即兴思维的构建方面，达到了一个前所未有的深度。很多市面上的即兴指南都过于侧重于音阶的堆砌或者琶音的练习，读完之后感觉就像在背诵“即兴词典”，但在实际运用时依然卡壳。这本书完全是反其道而行之，它将即兴视为一种“对话”和“叙事”的过程。作者花了大量的篇幅来探讨“动机发展”——即如何将一个简单的旋律片段，通过重复、变奏、节奏改变等手法，扩展成一段逻辑清晰、情绪饱满的独奏。书中有大量的范例分析，通常会截取一位大师作品中的几小节，然后从不同角度剖析他是如何构建这个段落的，比如他是如何利用休止符来制造张力，又是如何通过改变音区来调整情绪的。这种自上而下的分析方法，让我从“我要弹什么音”的恐惧中解脱出来，转而思考“我想要表达什么”。它强调的是音乐的连贯性和表达的真诚性，而不是炫技，这对于培养真正的音乐家思维至关重要。

简直是为我量身定做的一本节奏训练指南！我一直是个节奏感比较弱的演奏者，尤其在面对复杂的切分音或者复合拍号时，总是容易掉拍子，导致演奏听起来松散、缺乏律动感。这本书的独到之处在于它把“感觉节奏”和“技术训练”分成了两个层面来处理。前半部分用了大量的图示和口诀来帮助建立内在的时间感，它建议用身体的运动——比如跺脚、拍手来标记重音和次重音，这比单纯地数拍子要有效得多。后半部分则是针对性的技术练习，比如专门针对三连音和五连音的交替练习，还有对波尔卡、探戈等特定舞曲节奏型的解构。我发现，书中的很多练习都是基于听力训练的，它会建议听一些特定的音乐样本，然后尝试模仿其中的律动，这比枯燥地数“一搭二搭三搭四搭”要有趣得多，也更能培养乐感。我试着按照它的建议，每天用节拍器配合这些小练习进行十分钟，坚持了一周，效果立竿见影，现在演奏一些摇摆感强的乐句时，感觉肢体和乐器之间的联系更紧密了，不再是机械地完成音符，而是真正地“跳”出来了。这本书对于提升演奏者的 Groove 至关重要。

和弦太虐手

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