艺术的故事

出版者:广西美术出版社

作者:[英]E.H.贡布里希

页数:692

译者:范景中

出版时间:2015-7

价格:320.00元

装帧:精装

isbn号码:9787549413140

丛书系列:贡布里希文集

具体描述

《艺术的故事》是艺术书籍中最著名、最流行的著作。它概述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，出版50多年来，一直是这一领域无可匹敌的入门书。全世界不同年龄不同背景的读者通过贡布里希的讲述认识了这位真正的大师，他把知识与智慧结合起来，以其独特的天赋，直接地传播了他本人对艺术作品深切的热爱。

《艺术的故事》因其平实简单的笔法、叙事清晰的技巧而受到持久的好评。贡布里希讲述他的写作目的是：“在大量炫赫的作品中，为丰富的人名、时期和风格找到浅显易懂的秩序来。”他为视觉艺术注入心理学的洞察力，他让我们知晓艺术史就是“各种传统不断迂回、不断改变的历史，每一件作品在这历史中都既回顾过去又导向未来”；是“一条生动的链条，将我们身处的时代与古埃及时期联系起来”。这部经典著作，以其新的版本焕往辉来，仍是艺术领域新来者的第一选择。

作者简介

作者：贡布里希教授，恩斯特爵士，获得的荣誉有：功勋团成员（O.M），高级英帝国勋爵士（C.B.E），英国学术院院士（F.B.A.），1909年生于维也纳，1936年进入伦敦的瓦尔堡研究院任教职， 1959年起，担任院长和伦敦大学古典传统历史教授，直至1976年退休。他于1972年受封爵士，并于1988年受封勋章。他有许多享誉世界的奖项及荣誉，包括：歌德奖（1994年）和维也纳市金质奖章（1994年）。主要著作有《艺术与错觉——图画再现的心理学研究》（1960年），《秩序感——装饰艺术的心理学研究》（1979年），以及10部论文及评论集，均由费顿出版社出版。他于2001年在伦敦去世前，完成了人们期待已久和广为关注的最后一部著作：《偏爱原始性》，出版后获得巨大赞誉。

译者：范景中，1951年生，天津人。1981年毕业于浙江美术学院，导师卢鸿基先生。曾任《美术译丛》、《新美术》主编。著有《附庸风雅与艺术欣赏》、《藏书铭印记》、《中华竹韵》；编有《柳如是集》（与周小英合纂）；主编《美术史的形状》、《波普尔哲学著作集》、《贡布里希文集》（与杨思梁合作）。现任教于中国美术学院。

校译：杨成凯，笔名林夕，1941年生，山东招远市人。1981年毕业于中国社会科学院研究生院语言系，获硕士学位。1981年起在中国社会科学院语言研究所从事研究工作，任至研究员。学术活动范围广泛，在语言学理论、汉语语法、文学艺术、目录版本、古籍整理等领域都有著述发表。尤为倾心中国古文献整理和研究，现为国家文物鉴定委员会委员。主要著作有《汉语语法理论研究》、《人间词话门外谈》等。其他论著见有关专业刊物。

用户评价

这本名为《艺术的故事》的书，在我手里沉甸甸的，光是纸张的质感就透露着一种对知识的敬畏。我最先被吸引的是它对古希腊雕塑的描述，那种对人体结构和理想美的极致追求，简直让人仿佛能触摸到卡拉拉大理石的冰凉。作者没有简单罗列作品和年代，而是深入挖掘了每一件艺术品背后的哲学思考和社会思潮。比如，书中详细解析了“古典主义”如何不仅仅是一种视觉风格，更是一种对理性、秩序和永恒真理的执着。我记得有一章专门讲了米开朗基罗的《大卫》，它不仅仅是一尊雕像，更是佛罗伦萨共和国精神的象征，那种即将爆发的力量感和内在的平静被文字描绘得淋漓尽致。读到这里，我不得不放下书，走到窗边，思考“完美”的定义在不同时代是如何被重新塑造和定义的。这本书的厉害之处在于，它强迫你跳出现代人的视角，去理解那些古人是如何看待世界、如何用石头和颜料记录他们的“道”。它不是一本枯燥的教科书，更像是一位博学的向导，牵着你的手，穿梭于历史的长廊之中，让你亲耳聆听那些沉默艺术品的低语。书中的配图选择也极为精妙，即便是印刷品，也能感受到原作的震撼力，特别是对光影处理的文字描述，简直达到了文学性的高度。

这本书的编排方式极其高明，它不是按时间顺序机械地推进，而是采用了主题式串联的叙事结构，这使得阅读体验非常流畅且充满发现的乐趣。举个例子，书中会突然将文艺复兴盛期的肖像画技法，与17世纪荷兰黄金时代的室内静物画进行对照，核心议题是“私密性”和“中产阶级崛起”对艺术赞助和主题选择的影响。这种跳跃式的比较，极大地增强了知识的立体感和网状连接性。我发现自己不需要强行记忆大量的日期和人名，而是通过理解这些主题性的脉络——比如“权力与图像”、“神性与世俗”、“个体与集体”——自然而然地构建起一个稳固的艺术史认知框架。这种教学方法，对于我这种偏爱理解“为什么”而不是“是什么”的读者来说，简直是福音。书的后记部分，作者对未来艺术形态的展望也颇具启发性，虽然带有一定的主观色彩，但其论证过程严谨，让人读完后不仅回顾了历史，更对未来的审美趋势多了一份审慎的期待。

翻开这本《艺术的故事》，我立刻感受到一股强烈的、近乎煸动的叙事能量。这不像是在阅读一部历史著作，更像是在观看一部史诗级的纪录片，只不过媒介是文字。我特别欣赏作者处理文艺复兴时期色彩运用的方式，他没有停留在对透视法等技术层面的赞叹，而是将色彩视为一种情感的密码。比如，他对提香晚期作品中那种近乎抽象的、燃烧般的红色调的剖析，就让我醍醐灌顶。他将这种红色解读为艺术家对生命易逝的深刻洞察和对感官享受的极度珍视，这完全颠覆了我过去将“成熟期”简单等同于“稳定”的刻板印象。这种解读方式非常大胆且富有洞察力，它把艺术史变成了一部关于人类欲望和精神挣扎的宏大戏剧。书中对于中世纪哥特式教堂内部空间的描述尤其令人神往，那种向上无限延伸的垂直感，被描绘成人类对超越尘世的渴望的具体化。每次阅读到这类段落，我都会感到一种莫名的压迫感和崇高感交织在一起，让人心潮澎湃，仿佛自己正站在巴黎圣母院那高耸的拱顶之下，被无尽的颂歌所环绕。

坦白说，我拿到这本书时，心里是有点打鼓的，毕竟艺术史的书籍往往枯燥乏味，充斥着拗口的理论术语。然而，《艺术的故事》成功地避开了这个陷阱。它最吸引我的是其对于“非西方”艺术的视角——虽然书的重心似乎在欧洲，但作者在提及中国和日本艺术时，展现出了一种罕见的谦逊和深入研究。比如，书中对比了东方水墨画的“留白”与西方油画的“填充”，作者没有简单地判定孰优孰劣，而是探讨了这两种处理空间的方式如何反映了截然不同的宇宙观和人与自然的关系。这种跨文化的比较视角，极大地拓宽了我的视野。特别是对日本浮世绘如何影响了印象派画家的那一段论述，逻辑清晰，证据确凿，让我明白了艺术的传播与演变是多么具有讽刺意味和内在的张力。阅读过程中，我发现自己不再是被动接受知识，而是在与作者进行一场激烈的思维对话，不断地质疑和印证自己的理解。这本书的行文节奏控制得非常好，时而细腻入微，时而宏大叙事，像一个经验丰富的指挥家，驾驭着不同的乐章。

我对这本书中关于现代艺术的论述感到非常惊喜，因为它避开了主流评论中对抽象表现主义和波普艺术的肤浅标签化。作者真正做到了“追本溯源”，将杜尚的现成品和马塞尔·布鲁斯的行为艺术，置于其社会和技术背景下进行审视。书中没有用太多空泛的“颠覆传统”之类的套话，而是着重分析了工业革命后期，艺术媒介和艺术家身份认同是如何被权力结构重塑的。我尤其喜欢其中对摄影术产生初期，绘画界所经历的那种恐慌与反思的描写，这让我意识到，每一次技术的飞跃都会带来艺术本体论的危机。作者巧妙地将20世纪的艺术运动，置于第一次世界大战后社会秩序崩溃的宏大背景下，从而解释了为什么艺术会变得如此破碎、个人化和充满焦虑。读完这一部分，我对那些看似随机的色块和线条，有了一种更深层次的敬意，因为它们不再是简单的“乱画”，而是特定历史语境下人类精神状态的真实投射。