路米斯经典美术课

出版者:上海人民美术出版社

作者:[美]安德鲁·路米斯

页数:160

译者:孙苏宁

出版时间:2018-7-1

价格:68.00元

装帧:平装

isbn号码:9787558608797

具体描述

一切绘画均始于5个最基本的形体？

一幅好画必须遵循的“5P原则”和“5C原则”又是什么？

你的画纸不是一个二维表面，而是一个开放的空间？

循循善诱，通俗易懂，路米斯的毕生功力，都在这本素描入门圣经中发挥得尽致淋漓。

素描，归根结底是一种观看世界的方式。

一个画家只有对块面、透视、光影、人体结构的基础知识了然于心，

才能摆脱照片、投影仪等工具，画出真正有独创性、感染力的作品。

你要了解：

每幅素描都有一条水平线；

每幅素描都有一个维度问题；

只有光线能够定义形体；

常见的透视错误如何规避；

运用形体上的光线手段绘制人物……

250余幅示例图，不仅揭示了大师级素描技巧，也是习画者临摹的绝佳范本。

就让路米斯带领你，重新掌握素描基础。

作者简介

安德鲁·路米斯，美国著名插画家、作家、美术教育家。他曾就读于美国艺术学生联盟。19岁时师从乔治·伯里曼学习绘画，随后发展并延伸了乔治.伯里曼的素描绘画体系，以独特的视角撰写了多本简单易懂的经典绘画教程，对当代素描教育产生了巨大影响。路米斯认为：好素描必须具有说服力和感染力。因此他从绘画原理方面训练读者，使之创造出“真实的”艺术作品。各绘画技法环节，他都主张作品应尽可能源于观察、实景写生和模特动态。正是由于其独特、着实有效的艺术理念，在他去世后很长一段时间，其绘画风格仍继续影响着一大批艺术家。

目录信息

一切绘画均始自这些形体中的一个或多个形体 10
基础知识 11
想象你的画纸代表着开放空间 15
草稿图 16
“5P原则” 18
“5C原则” 19
每幅素描都有一条水平线 21
每幅素描都有一个维度问题 23
铅笔的不同笔触效果 24
一幅好画始于探究 26
隐藏的透视 28
画家须知的透视 29
正方形和正方体 30
圆形和圆柱体 31
圆形和圆锥体 32
圆形和球体 33
空间体中的圆形形体 34
用空间体画圆形物体 35
如何正确地画空间体 36
特定尺寸的空间体 37
利用对角线测量深度 38
按比例画画 39
平行透视（单点透视）中的斜线 40
成角透视（两点透视）中的斜线 41
透视实体的均等间距 42
透视实体的不均等间距 43
透视中的简单投射 44
垂直比例尺的投射 45
建筑物的透视 46—47
为你的画面画比例 48—49
用比例画框格的内侧面 50—51
室内立面图的比例 52
如何用透视画弯曲的表面 53
简单投射 54
用透视复制一个图案 55
斜面的透视法 56—65
将一个实体以任意角度投射在地面上 66
人物的投射 67
尺寸的投射 68
人物的透视 69
人物的投射 70—71
斜面上的人物 72—73
倒影 74—75
透视中的常见错误 76—77
基本形体上的光线 78
基本形体上的光线 79
球体上的光线 81
球体阴影的透视 82
阴影的透视 84—88
光线下的复杂形体 89
光线下的复杂形体 90
平面 91—93
形体上的光线示例 94—97
将形体上的光线运用到漫画中 98
漫画素描作品示例 99—105
用人体模型学习解剖 106
用人体模型画画 107
人体模型素描作品示例 108—111
光线下的人体 112
光线下的人物素描作品示例 113—121
运用形体上的光线手段绘制人物 122
肖像素描作品示例 123—133
绘制着装人物 134
着装人物素描作品示例 135—143
绘画长廊 145
绘画长廊 145—157
结束语 158
· · · · · · (收起)

用户评价

这本书，就像一位经验丰富的老友，在我创作遇到瓶颈时，总能给予我最实在的指导。《路米斯经典美术课》最让我欣赏的一点，就是它并没有局限于某种特定的艺术风格，而是提供了一种普适性的绘画思维。无论是人物、风景、静物，它都能够提供一套行之有效的分析和绘制方法。我记得我曾经尝试过画一幅复杂的室内场景。我被家具的繁多、光影的复杂搞得晕头转向。但是，当我翻开书中关于“空间构图”的章节时，我豁然开朗。路米斯大师会教我们如何去分析画面的主次关系，如何去引导观众的视线，如何去运用“虚实”相结合的手法来突出主体。他会告诉你，不是所有的东西都需要清晰地描绘，有时候适当的模糊和省略，反而能够让画面更具表现力。我按照他的建议，先确定了画面的焦点，然后用更清晰的笔触去描绘焦点处的家具和人物，而对背景的物体则进行了适当的简化和模糊处理。结果，整幅画立刻就有了层次感，焦点也得到了很好的突出。这种“经营画面”的能力，让我觉得我的绘画作品不再是简单的“堆砌”，而是具有了结构和灵魂。而且，书中还包含了许多关于“材料和工具”的运用讲解，虽然篇幅不多，但却非常实用。他会告诉你不同画笔、不同颜料的特性，以及如何根据自己的需要来选择和使用它们。这让我觉得，这本书不仅仅是教我“画什么”，更是教我“怎么画”。

《路米斯经典美术课》这本书，对我最大的启发在于它对于“简化”和“概括”的重视。在很多初学者的眼里，绘画就是要事无巨细地描绘，要把所有的细节都画出来。然而，路米斯大师却告诉我们，伟大的艺术往往源于对复杂事物的精准概括。他反复强调，在开始绘制之前，要学会用最简单的几何形状来概括物体的基本形态。比如，画人物时，先用球体、圆柱体来构建头部和身体，用简单的几何形体来捕捉人物的动态和姿势。这种方法，能够极大地帮助我们抓住事物的本质，避免在细节中迷失方向。我印象深刻的是，他讲解如何画车。一开始我以为要画出轮子、车窗、车门的所有细节。但路米斯大师却引导我，先用一个大致的长方体来确定车身的整体形状，然后再用简单的圆形来表示车轮，用更小的几何形体来勾勒出车窗和车灯。这样一来，即使是很复杂的汽车，我也能够快速地把握住它的基本形态和比例，后续再根据需要添加细节，就不会显得突兀。这种“先整体，后局部”的学习思路，不仅适用于绘画，也适用于我们生活中的很多方面。而且，路米斯大师在讲解中，也鼓励我们要用“结构性的眼光”去观察世界。他会引导我们去分析物体的结构，去理解它们是如何构成、如何支撑的。比如，画一棵树，不要只看到树叶的繁茂，更要看到树干的粗壮，枝条的分布，以及它们是如何从根部向上生长的。这种结构性的思考，让我的绘画作品不仅仅是表面的描绘，而是具有了内在的逻辑和生命力。

这本《路米斯经典美术课》简直就是我开启艺术之旅的启蒙之光！刚拿到它的时候，我还是个对绘画毫无头绪的门外汉，看着那些看似精美的画作，总觉得遥不可及。然而，翻开这本书，我的感觉瞬间改变了。路米斯大师的讲解，就像一位循循善诱的老师，将那些复杂的造型原理、光影关系、透视变化，拆解得如此清晰易懂。我尤其喜欢他关于人体结构的讲解，他并没有直接给出复杂的解剖图，而是从最基础的几何形体开始，一步步引导读者去理解人体的比例和动态。比如，他用圆球和圆柱来概括头部和躯干，用简单的线条勾勒出骨骼和肌肉的走向，这种方法让原本抽象的解剖知识变得直观而富有逻辑。每一次翻阅，我都能从中获得新的领悟。我记得有一次，我花了一个下午的时间，对照着书上的范例，尝试画一个简单的头部侧写。之前我总是画不好鼻子和下巴的过渡，总觉得不够立体。但按照书上的指示，我先画出头部的基本球体，然后找到鼻子的基准线，再用轻柔的弧线连接，神奇的是，那个鼻子立刻就有了“存在感”，不再是生硬地贴在脸上的平面。这种“aha!”的时刻，在这本书里出现的频率之高，让我觉得每一次的练习都是一次成功的积累。而且，书中不仅仅是讲解技巧，更渗透着一种对美的感知和对观察的训练。路米斯大师反复强调要“看”，要“理解”，而不仅仅是“画”。他鼓励我们去观察生活中的一切，去体会光影的微妙变化，去感受形态的韵律。这不仅仅是一本绘画教程，更像是一本关于如何“看见”世界的指南，让我对周围的一切都充满了好奇和探索的欲望。现在，我不再害怕拿起画笔，因为我知道，我手里握着的，是一份宝贵的财富，一份指引我走向艺术殿堂的地图。

我一直认为，学习任何一门艺术，最怕的就是“知其然，不知其所以然”。而《路米斯经典美术课》恰恰解决了我的这个痛点。路米斯大师在讲解过程中，总是会深入浅出地解释“为什么”要这样做。比如，在讲解如何画好手部的时候，他不仅仅是给出手的结构图，而是会分析手的骨骼和肌肉的运动规律，解释为什么手指会有弯曲的弧度，为什么手掌会有掌纹。他会告诉你，画好手，关键在于理解它能够做出哪些动作，以及这些动作是如何形成的。他甚至会引导你去观察自己的手，去感受手指和手掌的联动。这种“究其根本”的学习方式，让我对绘画的理解不再停留在表面。我记得我花了很多时间在练习画手上，之前总是画得像“鸡爪”一样僵硬。但按照路米斯大师的方法，我先从最基础的手部骨骼结构入手，然后逐步加上肌肉的体积，再考虑手指的关节和弯曲。结果，我画的手明显有了生命力，不再是死板的形状。这本书让我明白了，绘画的精髓在于对事物内在规律的理解，而不仅仅是表面的描摹。这种理解，能够帮助我在面对任何新的绘画对象时，都能够举一反三，找到最恰当的绘画方法。它培养的是一种解决问题的能力，一种独立思考的能力。所以，这本书对我的意义，远远超过了一本普通的绘画教程。它教会了我如何去学习，如何去思考，如何去掌握一门技艺的本质。

《路米斯经典美术课》就像一本充满智慧的“工具箱”，为我的艺术探索提供了源源不断的动力。让我印象最深刻的是，书中关于“动态素描”的讲解。我之前总是觉得，画人物需要从静态的姿势开始，一步一步地去添加细节。但是，路米斯大师却强调，在画人物之前，要先抓住人物的“动态核心”。他会用非常简洁的线条，来勾勒出人物身体的重心、动作的方向和节奏感。这种方法，能够帮助我们在最短的时间内，抓住人物的灵魂，让画面具有极强的生命力。我曾尝试过用他教的方法来画速写。之前我画速写，总是慢吞吞地，试图把所有细节都画出来，结果往往是画不完，或者画出来的东西显得很呆板。但是，当我学习了路米斯大师的动态素描之后，我开始关注人物的整体动态，用简练的线条去捕捉动作的瞬间。我惊喜地发现，即使是很简单的几条线，也能准确地传达出人物的动感和情绪。这种“少即是多”的理念，让我对速写充满了信心。而且，书中对于“重复练习”的强调，也让我深有体会。路米斯大师并没有给我们提供捷径，而是鼓励我们通过大量的练习来熟练掌握技巧。他分享了他自己是如何通过反复练习来达到炉火纯青的。这种“踏实”的学习态度，让我不再浮躁，而是脚踏实地地去投入到绘画实践中。我感觉自己每一次的练习，都在为我未来的艺术道路打下坚实的基础。

读了《路米斯经典美术课》之后，我最大的感受就是，绘画的门槛并没有我想象的那么高，关键在于方法和理解。这本书最让我惊艳的一点，就是它对透视原理的阐述。我之前一直对透视感到头疼，感觉画面总是平面的，缺乏空间感。但是，路米斯大师用非常直观的方式，从一点透视、两点透视，再到三点透视，层层递进地讲解。他会用最简单的几何图形，比如立方体，来演示不同透视下的变化。通过他提供的图例，我才真正理解了消失点、视平线这些概念的重要性。我记得我特别尝试了书里关于街道的绘制练习，一开始我按照自己的感觉来画，总是歪歪扭扭的。但当我按照书上指示，确定好消失点和视平线，然后用准确的线条去构建建筑的边缘时，画面立刻就有了纵深感，感觉自己真的走进了那个街道。这种成就感是巨大的。除了透视，书中对光影的讲解也让我受益匪浅。我以前画人或者画物，总是涂抹式的上色，缺乏体积感。路米斯大师则详细讲解了光的方向、光源的性质（硬光、软光），以及光线如何在物体表面产生明暗、投影和反光。他用简单的明暗区域划分，引导读者去感受物体的体积和质感。我练习画一个简单的球体，遵循书中的光影指示，先用淡淡的色调铺底，然后找出光源方向，在受光面用浅色，背光面用深色，再在交界处画出明暗交界线，最后在受光面画上高光。结果，那个球体立刻就有了立体的感觉，仿佛真的从纸面上凸起一样。这本书没有那些华丽辞藻，没有故弄玄虚，每一页都充满了实实在在的干货，都是经过大师实践验证过的有效方法。我感觉自己不再是那个拿着画笔瞎摸索的人，而是开始掌握了绘画的“语言”，能够更准确地表达我想象中的物体和场景。

我必须承认，《路米斯经典美术课》彻底改变了我对“写实”绘画的看法。我之前总是觉得，写实就是要一模一样地复制，要做到“照片般逼真”。但路米斯大师在书中，并没有仅仅追求表面的逼真，而是强调“表现”和“塑造”。他会教我们如何通过线条的粗细、明暗的对比、形状的变形，来强化物体的特点，让画面更具艺术感染力。比如，他讲解如何画人物的表情时，他会告诉我们，有时候夸张一点点表情的特征，反而能够更好地传达人物的情绪。他不会让我们一味地去模仿，而是鼓励我们去理解，去感受，然后用自己的方式去表现。我记得我尝试过用书中的方法画一个老人的肖像。我注意到他讲解如何用阴影来塑造脸部的皱纹和皮肤的质感。我并没有去精细地描绘每一条皱纹，而是用一些概括性的阴影线条，来表现皮肤的松弛和岁月的痕迹。结果，画面中的老人立刻就显得非常有故事感，非常有生命力，比我之前生硬的模仿要生动得多。而且，书中对“造型”的理解，也让我受益匪浅。路米斯大师不仅仅是教我们画出“像”的东西，更是教我们如何画出“好”的东西，如何让画面具有美感。他会从构图、比例、节奏等多个方面来指导我们。这让我明白，真正的写实，不仅仅是技法上的精确，更是对美的理解和把握。这本书，让我从一个单纯的“模仿者”，逐渐成长为一个具有独立思考和表达能力的“创作者”。

《路米斯经典美术课》对我来说，不仅仅是一本绘画教程，更是一次关于“观察力”的深度训练。路米斯大师在书中反复强调，优秀的画家一定是敏锐的观察者。他会引导我们去关注生活中那些被我们忽略的细节。比如，在讲解如何画好衣服的褶皱时，他不仅仅是教你画出弯曲的线条，而是会让你去观察衣服在不同姿势下，褶皱是如何产生的，它们是如何遵循重力和布料的物理性质的。他会让你去感受，为什么有些褶皱会显得锋利，有些则显得柔和。这种对细节的深入挖掘，让我对事物的理解更加透彻。我曾经尝试过画一盆植物。以前我总是把叶子画成绿色的形状，但按照路米斯大师的指导，我开始关注叶子的脉络，叶子的边缘是否卷曲，叶子上是否有露珠，光线照射在叶子上产生的明暗变化。我发现，仅仅是观察这些细节，就能够让一盆普通的植物变得生动而富有生命力。这种“微观”的观察能力，也延伸到了我对人物的描绘上。我开始关注人物的面部表情，不仅仅是眼睛、鼻子、嘴巴，更包括眉毛的细微变化，脸部肌肉的起伏，甚至是皮肤的纹理。这种对细节的敏感，让我的绘画作品逐渐变得更加细腻和真实。这本书，让我明白，绘画不仅仅是技术的堆砌，更是对世界的深刻洞察和人文关怀的体现。

坦白说，《路米斯经典美术课》这本书，是少数几本让我愿意反复翻阅，并且每次都能从中获得新感悟的艺术书籍。它不愧是“经典”，其价值在于它所传达的不仅仅是绘画的技巧，更是一种艺术的哲学和思考方式。我特别喜欢书中关于“造型语言”的探讨。路米斯大师用非常简洁明了的语言，阐述了如何通过线条、形状、明暗等基本造型元素，来构建一个具有视觉冲击力的画面。他会告诉你，不同的线条组合能够传达出不同的情绪，比如流畅的曲线可以表现柔美，而尖锐的角度则可能显得有力或危险。他也会讲解如何运用“对比”来增强画面的表现力，比如明暗的强烈对比，大小形状的对比，等等。我曾经尝试过根据他的指导，去简化一幅风景画。我没有去描绘每一棵树、每一片云，而是用概括性的线条和色块，来表现景物的基本形态和光影关系。我运用了强烈的明暗对比，来突出天空和大地之间的界限，用简洁的线条来勾勒出远山的轮廓。结果，画面立刻就显得简洁而有力，具有了很强的视觉冲击力。这种“减法”的艺术思维，让我对构图有了全新的认识。它让我明白，有时候，“少”反而意味着“多”，通过精准的概括和提炼，能够让画面传达出更深层次的信息。这本书，不仅仅是一本绘画的“工具书”，更是一本能够提升我们审美能力，启发我们艺术思维的“启蒙书”。

《路米斯经典美术课》不仅仅是一本技法书，更是一本能够激发你创作灵感的宝典。我之所以这么说，是因为书中那些精心挑选的范例，以及路米斯大师在讲解过程中所流露出的艺术情怀，都能够触动人心。他对于人物动态的描绘，尤其让我着迷。我一直觉得画好人物的动态是一件非常困难的事情，人的身体是如此复杂，要画出那种生动、自然的姿态，需要大量的观察和练习。然而，路米斯大师却用非常巧妙的方式，将复杂的动态分解为几个关键的“重心点”和“关节连接”。他强调要抓住人物的“骨骼线”和“动作方向”，而不是去纠结每一个肌肉的细节。我尝试了书里关于跑步、跳跃、坐姿等各种动态的练习，虽然一开始画出来的并不完美，但我能感觉到，我开始掌握了人物动态的“灵魂”。比如，在画一个奔跑的人物时，我不再是从身体的各个部位分别去画，而是先找到一条代表身体运动方向的“脊椎线”，然后围绕这条线去构建四肢的动态。这种方法极大地提高了我的绘画效率，也让人物的动作显得更加流畅和有力。而且，书中那些经典的头像绘制，更是让我体会到了“形神兼备”的真谛。路米斯大师在讲解头像时，不仅仅教你如何画出准确的五官比例，更重要的是引导你去捕捉人物的表情和性格。他会分析不同脸部特征所传达出的情绪，比如眼睛的形状、嘴角的弧度，甚至是眉毛的细微倾斜。我尝试着去画不同表情的头像，比如微笑、惊讶、沉思，每一次的尝试都让我更加深入地理解了人物的情感表达。这本书让我明白，绘画不仅仅是模仿，更是对生活、对人的深刻洞察和表达。

大师就是大师，啧啧

摘抄几句结束语，“创造性来源于给创造赋予真实性，给虚构赋予事实，给无形的东西赋予群体，给看不见的却感觉得到的东西赋予说服力和力量”

看前面讲的透视方法，作为一个数学很好的理科生，我还是很懵！但是书里面的画真的好好看！也有意识无意识地记住了些基础知识，努力画画吧！

不能认同观点，对零失误的透视法的强调，脚手架般的透视线，有功底人也会生畏惧，怪不得现在已经不强调学院派的画法了，100年前的画师教学法，在画的过程中已经灵感殆尽了，还是尊重自己的内心，自由地画吧

旧版本名称为 素描的原点。