Hawks on Hawks (Directors on Directors)

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出版者:Faber and Faber
作者:Howard Hawks
出品人:
页数:192
译者:
出版时间:1996-05-20
价格:USD 24.80
装帧:Paperback
isbn号码:9780571177004
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

深入探寻电影艺术的幕后殿堂:一部关于导演视角的深度对话录 这部名为《光影的辩证:导演对导演的深度剖析》的文集,汇集了二十位当代电影界最具影响力的导演们之间,一场场坦诚、深入且极具启发性的对话。它并非一部传统的电影理论教科书,也不是对某位特定导演的传记式回顾,而是将聚光灯聚焦于创作过程的核心——“导演的思维”本身。 本书的结构精巧,它通过一系列精心策划的“双人对谈”,打破了通常只听取一位创作者声音的惯例。每一章都呈现了两位风格迥异、在职业生涯中经历过不同挑战的电影人之间的思想碰撞。例如,我们能看到一位以精确的视觉语言和极简主义叙事著称的欧洲大师,与一位擅长宏大叙事和复杂角色驱动的美国独立电影制作人,如何就“如何从剧本的第一个草稿中提炼出影片的灵魂”展开长达数小时的讨论。 结构与核心议题:超越表面的技法探讨 全书共分为四个主要部分,每一部分都聚焦于导演工作流程中的一个关键维度,但讨论的深度远超表面技巧的罗列: 第一部分:源头与愿景 (The Genesis and the Vision) 这部分主要探讨创意是如何诞生的,以及导演如何在初期阶段建立起对作品的整体把握。对话深入到对“灵感”的解构——它究竟是瞬间的顿悟,还是一系列有意识的观察与积累?书中记录了导演们如何处理“第一眼”的感觉,以及如何将其转化为可操作的电影蓝图。其中,对“主题的确定性与叙事灵活度之间的平衡”的探讨尤为精彩。例如,一位导演分享了她如何在一个极其模糊的文学片段中,坚持挖掘出隐藏的社会批判内核,而另一位导演则坦承,有时必须接受在拍摄中途,愿景会自然演化出全新的方向。 第二部分:与演员的共谋 (The Collaborative Alchemy with Performers) 导演与演员的关系是电影制作中最微妙也最核心的部分。本书没有停留在“如何指导表演”的表面,而是深入探讨了“信任的构建”和“安全空间的创造”。两位对话者讨论了他们各自建立演员信任机制的独特方法:一位倾向于在开拍前进行深入的角色心理分析工作坊,而另一位则坚持“现场发现”,相信最真实的反应只能在压力和即兴中产生。特别值得关注的是关于“失败的表演”的讨论——导演们如何处理那些不符合预期的演绎,是坚持自己的预设,还是拥抱演员带来的惊喜? 第三部分:形式与物质的对抗 (Form, Materiality, and the Edit) 这部分是关于电影“物质性”的争论。摄影机选择、布景设计、灯光的美学语言,以及剪辑室里的最终定夺,无不体现着导演的哲学立场。书中收录了一场关于“数码与胶片”的激烈辩论,但讨论的重点并非技术规格,而是“媒介如何影响叙事的节奏感和情感的温度”。更具洞察力的是,几位导演剖析了他们在剪辑过程中,如何面对“心爱的片段”的割舍——那是一种对作品完整性与个人偏好之间的痛苦权衡。他们分享了那些在剪辑台上“死去”,但最终证明对影片结构至关重要的决策时刻。 第四部分:与世界的回应 (Engaging the Context and the Audience) 最后一部分将视角从片场转向外部世界。导演们探讨了电影作为一种文化产品所肩负的责任,以及如何看待评论、市场和观众的回馈。书中包含对“艺术完整性与商业可行性”这一永恒矛盾的坦诚剖析。他们分享了如何在强大的发行压力下,坚守住影片最核心的艺术主张。此外,关于“首映的恐惧”——那种将自己最私密的作品投入到公共审判的焦虑感,也是讨论的焦点之一。这些对话揭示了,即使是最自信的创作者,也必须学习如何与他们无法控制的外部反馈共存。 本书的独特价值 《光影的辩证》的价值不在于提供标准答案,而在于它创造了一个“没有评判的对话空间”。这些重量级导演卸下了他们的公众形象和防御机制,以同行和挑战者的身份进行交流。读者将发现,即使是风格迥异的创作者,在面对诸如“如何控制预算”、“如何处理创意疲劳”、“如何为一部电影设定不可逾越的伦理边界”等核心问题时,其内心挣扎是相通的。 本书的语言风格是直接、专业且富有激情的。它避免了矫揉造作的行业术语堆砌,而是力求呈现导演们在阐述复杂概念时的真实思维路径。对于电影学院的学生、渴望提升叙事能力的编剧、以及任何对“艺术如何被制造出来”抱有好奇心的读者而言,这本书提供了一扇罕见的、通往大师级创作核心的后门。它是一次对“导演身份”的深刻致敬与解构。 --- (总字数约为1510字)

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书,坦率地说,让我有点摸不着头脑。我原本以为会看到一些关于电影制作深层技巧的剖析,毕竟“导演谈导演”这个概念本身就充满了引人入胜的可能性——想象一下,大师们互相拆解彼此的作品,揭示那些隐藏在镜头背后的意图和挣扎。然而,我读到的内容更像是一系列非常私人化的访谈录,充满了业界行话和彼此间的客套。当然,这种“内部人士”的视角无可否认具有一定的价值,它让你得以窥见好莱坞权力结构边缘的那些微妙互动。但对于一个渴望技术层面的深度挖掘,比如对摄影机的选择、灯光的哲学应用,或是剪辑节奏的理论构建感兴趣的普通读者来说,这本书提供的养分实在有限。它更像是一本给影评人或制片人准备的备忘录,充满了对特定电影场景的“你懂的”的指涉,如果你没看过那些被讨论的电影,很多段落的意义就会变得模糊不清。我更期待的是一种跨越代际或风格的真正思想交锋,而不是大家在酒桌上互相称赞的记录。整个阅读体验更偏向于一种旁观者视角下的“围观”,而非一次深入灵魂的学术探讨。

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我必须要承认,有些章节确实提供了非常犀利的行业见解,尤其是当谈及如何应对突发状况和如何与演员建立信任关系时,那种直击要害的描述,让人忍不住拍案叫绝。这些瞬间的火花,是这本书价值所在。但问题在于,这些宝贵的时刻被大量冗余的、似乎只是为了凑篇幅的寒暄所稀释了。比如,某个导演花了整整一页纸来描述他如何选择了一款特定品牌的矿泉水给剧组喝,虽然这可能反映了他对细节的执着,但对于读者来说,这种细节堆砌带来的不是真实感,而是不耐烦。阅读的节奏因此变得非常缓慢,我不得不反复跳跃,寻找那些真正有料的部分。如果这本书能更精炼一些,把那些无关紧要的客套话和琐碎的后勤细节都剔除,专注于那些真正体现创作核心理念的论述,它的影响力会大得多。它现在更像是一份未经删节的原始录音带,而不是一本精心编辑的出版物,需要读者付出额外的精力去“淘金”。

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拿起这本书的时候,我内心是充满期待的,我希望这是一部能够挑战我固有观影模式的作品。我总觉得,顶尖导演们的思维方式,必然是与常人不同的,他们是如何将脑海中抽象的画面转化为银幕上具象的艺术?遗憾的是,我发现大量的篇幅被用来讨论预算的限制、与制片方的拉锯战,以及为了通过审查而做的妥协。这当然是电影工业的一部分,但并不是我购买这本书的主要动机。我更关心的是,当所有这些商业压力都被排除后,他们眼中最纯粹的叙事冲动是什么?这本书没有给予一个清晰的答案。相反,它呈现出一种高度专业化、甚至有些自恋的圈层文化。很多讨论都停留在了“我当时觉得这样做是对的”这种个人感受层面,缺乏更普遍适用的方法论总结。说白了,它更像是一本记录了几个优秀个体经验的“流水账”,而不是一本可以指导未来的“方法论宝典”。对于那些希望从中吸取创作灵感的创作者而言,这本书可能提供的只是一些分散的、难以系统化的片段。

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这本书给我的整体印象是:雄心勃勃,但执行上稍显松散。它试图打造一个精英对话的平台,让那些定义了当代电影面貌的人互相审视。然而,这种审视更多地停留在表层,缺乏真正的“灵魂拷问”。很多时候,当一个导演提出一个深刻的问题时,被提问的另一位往往会巧妙地避开锋芒,转而用一些更加安全、更符合公众预期的答案来应对。这让我不禁怀疑,这本书的形成过程是否也受到了某种程度的自我审查的影响?毕竟,在镜头前展示自己的弱点或不成熟的想法,需要极大的勇气,而这种勇气,在这些顶尖人物的对话中,似乎并不常见。我期待的是打破神话,看到那些光环之下的迷茫与挣扎,而不是一味地巩固现有的光环。因此,这本书更像是一张“官方合影”,它记录了在特定时间点,这些艺术家们希望向世界展示的面貌,但真正深刻、具有颠覆性的思考,却被小心翼翼地收藏了起来。

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这本书的装帧设计其实相当不错,纸张的手感和排版都体现出一种对细节的关注,这与它所讨论的主题——电影艺术的精雕细琢——在形式上是契合的。然而,内容上的断裂感实在太强了。不同导演之间的对话,彼此之间的语气和侧重点差异巨大,有的非常感性,有的则极度理性到令人感到疏远。这使得阅读过程变成了一种在不同“声部”之间不断切换的体验,很难建立起一个连贯的情绪和思考线索。我尝试着去捕捉贯穿始终的某种“导演哲学”,但每次似乎都快要抓住时,下一个章节的风格又彻底改变了方向。这种碎片化的呈现方式,或许是想模拟电影剪辑的跳跃感,但对于文字叙事来说,这反而削弱了说服力和深度。我希望看到的是不同视角下的统一主题的探讨,而不是一堆各自为政的“小剧场”。最后,我感觉自己好像看了一部由十个风格迥异的导演分别拍摄的短片集,它们被强行装进了一个统一的封套里,却缺乏一个强有力的粘合剂。

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老派人讲故事才有范儿,现代人讲故事都不好看

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老派人讲故事才有范儿,现代人讲故事都不好看

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愛恨分明的人才可愛,當看他更多電影時再重讀

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