Modernism to Realism on the Soviet Stage

出版者:Cambridge University Press

作者:Worrall, Nick

页数:260

出版时间:2008-12-11

价格:$47.46

isbn号码:9780521103961

具体描述

This is the first book to deal with the work of three important Soivet theatre directors - Alexander Tairov, Evgeni Vakhtangov and Nikolai OkHlopkov - who, although familiar names in the West, are not often the subjects of full-length studies. The present one therefore sets out to introduce their work to theatre specialists and non-specialists alike, analysing individual productions and placing them within the context of their time. The active working life of the three directors spans, in varying stages, the period of revolution and civil war with its accompanying radical artistic innovations; the conservative phase of socialist realism in the 1930s and 1940s; and the more flexible and creative artistic years of the late 1950s and 1960s. The book contains a number of photographs of the original productions as well as a chronology of theatrical and historical events. Worrall's study will be of interest to students and scholars of Russian studies and theatre history.

用户评价

这本书的文字处理散发出一种近乎冷峻的学者气质，但其内在的热情和对苏维埃舞台艺术的复杂性的深刻理解，却时常让读者感到震撼。我尤其欣赏作者在处理那些“灰色地带”时的审慎态度。在许多关于苏维埃艺术的论述中，要么将其描绘成体制的完美帮凶，要么将其奉为地下反抗的象征，但本书却拒绝这种二元对立。作者细腻地展现了艺术家们在体制内求生存、求表达的微妙策略：如何在遵守形式主义要求的同时，注入他们自己对人性和社会矛盾的洞察。例如，对于某些被官方推崇的剧目，作者能够精准地指出其表面光鲜之下，那些被故意忽略或扭曲的社会现实层面。这种穿透力的分析，需要对苏维埃美学规范有着极深的理解，同时也要求评论者保持一种近乎超脱的客观立场，既不为美学创新喝彩而忽略其政治背景，也不因政治压迫而否认其艺术成就。这使得全书的论调保持在一种高度成熟的、富有张力的平衡状态。

这本书的结构安排非常流畅，它没有采取严格按时间线索推进的方式，而是通过几个关键的“转折点”来组织论述，这极大地增强了阅读的代入感和戏剧性。作者似乎在有意地制造一种叙事上的“断裂与连续”的辩证法，正是这种断裂，才定义了苏维埃舞台艺术的本质。我尤其欣赏其中对“观众”角色的重新定义。在现代主义阶段，观众是被挑战和激发的对象；而在现实主义阶段，观众则成为了被教育和改造的对象。这种视角的变化，反映了剧场功能性的根本性转移。当作者分析某些剧目如何试图在“抒情诗意”和“政治教育”之间寻找微妙的平衡时，那种紧张感几乎要从纸面上溢出来。整部著作行文间，透露出一种对主题的执着探求，它不满足于表面的概述，而是要深入到美学思潮的核心肌理中去，探究那些决定了舞台上呈现何种“真实”的深层文化密码。这是一本需要细细品读、并且会让你不断回味其深意的优秀学术著作。

这本书的视角实在令人耳目一新，它巧妙地将俄罗斯戏剧史上的两个看似对立的阶段——现代主义的先锋探索和现实主义的扎实叙事——置于一个连续的演变框架中进行审视。我原以为，讨论现代主义时，重点会放在斯坦尼斯拉夫斯基体系的早期实验或梅耶荷德的“生物力学”的激进性上，但作者的切入点却聚焦于这些早期技术和美学理念是如何在苏维埃政权的意识形态压力下，被一步步地“驯化”并最终融入到更具社会功能性的现实主义叙事结构中的。这种动态的张力——艺术家对个体表达的渴望与国家对集体宣传的需求之间的永恒拉锯——贯穿始终，使得对诸如高尔基戏剧的分析不再是简单的文本解读，而成了对权力如何重塑艺术语言的深刻案例研究。特别是对“社会主义现实主义”这个概念的解构，作者没有将其视为一个僵化的终点，而是将其描绘成一个充满内部矛盾和妥协的复杂过渡期，这一点尤其高明。它强迫读者重新思考，在被严格审查的土壤上，真正的“现实”究竟意味着什么，以及艺术家们如何通过微妙的符号和潜台词来传达那些被禁止的声音。这种对文本背后运作机制的挖掘，远超出了普通戏剧史的范畴，更像是一部关于文化适应与抵抗的社会学报告。

阅读这部作品的过程中，我最大的感受是它在方法论上的严谨和跨学科的视野。作者显然没有满足于仅仅梳理剧作家的名录和主要作品的上演历史，而是引入了大量的文化政策文件、剧院管理层的通信记录，甚至包括当时的观众反应报告。这种档案驱动的叙事方式，使得整个论证过程建立在极其坚实的基础之上，避免了任何主观臆断的空泛之谈。例如，书中对于契诃夫作品在二十年代到四十年代的不同版本和导演处理的对比分析，就清晰地展示了政治气候如何直接影响了对同一文本的“正确”阐释。现代主义时期对心理深度的挖掘，是如何被现实主义时期对“人民英雄”的脸谱化描绘所取代，而这个转变过程中的具体剧院内部的争论细节，被作者挖掘得淋漓尽致。读到这些细节，我仿佛置身于那些烟雾缭绕的排练厅中，亲耳聆听着导演与审查员之间那些微妙的、充满暗示的对话。这种将艺术实践置于宏大历史背景下，同时又深入到微观操作层面的叙事手法，极大地提升了学术价值和可读性。

对于希望深入了解二十世纪俄罗斯戏剧如何应对社会巨变的读者来说，这本书提供了一个无与伦比的地图。它清晰地勾勒出了从象征主义的朦胧意象到布莱希特式疏离效果（即便是在苏维埃语境下的变体）的演变路径，并且，最关键的是，它揭示了“写实”这个词在不同历史阶段所承载的完全不同的重量。现代主义的“写实”可能是对人类潜意识的深入挖掘，而现实主义的“写实”则变成了对党的正确路线的忠实描绘。作者在比较两个时期美学取向的冲突与融合时，所采用的清晰的范畴划分，极大地帮助我理清了脑中原本混乱的知识结构。它不仅仅是一部关于苏联戏剧的书，更像是一面透镜，让我们得以观察极权主义意识形态如何系统性地渗透并重塑了人类表达的工具和语言本身。读完后，我对“艺术服务于人民”这句话有了全新的、更加审慎的理解。

Intro.+Chapter on Okhlopkov. 史料丰富，阐释得少，但是给出了《论假定性》一文的英译出处，如获至宝。导论对苏联成立前后的戏剧史梳理得很好。

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