彩墨松竹梅画法

作者:张锦洪 绘

页数:44

出版时间:2010-6

价格:38.00元

isbn号码:9787807385738

具体描述

《中国画技法·彩墨松竹梅画法》主要内容：秋天过后，人们面对的是冰天雪地之冬。在寒冷的冬天里，傲然挺立、坚毅不拔的苍松，虚心劲节、宁折不弯的翠竹，冲寒怒放、傲雪报春的冬梅，带来了盎然的生机和浓郁的诗意。我们的先祖喜爱寄物抒情，借自然物来表达自己的理想、品格和对精神境界的追求。

松树四季常青，姿态挺拔，叶密生而有层云簇拥之势，欹斜层叠，永远向上。竹是高雅、纯洁、虚心、有节的象征，居而有竹，则幽篁拂窗，清气满院。梅花为传统名花，漫天飞雪之际，独有梅花笑傲严寒，破蕊怒放，这是何等的高洁可贵！

虽松、竹、梅都是无情的草木，却都有不畏严霜的高洁品格，经历代哲人的赞颂和诗人的歌咏，其凌霜傲雪、忠贞不二、坚贞不屈的崇高品格也就成了一种美好道德情操的象征。其实松和竹是四季常青的，只有梅到了冬天才分外精神。早在唐代，相传李邕在一首题画诗中就写过“醉里呼童展画，笑题松竹梅花”的诗句。而《渔樵闲话》中有： “那松柏翠竹，皆岁寒君子，到深秋之后，百花凋谢，惟有松、竹、梅花，岁寒三友。”

在中国画中， “岁寒三友”是文人画家笔下“常客”。

宋人赵孟坚传世的《岁寒三友图》，绘松、竹、梅折枝，以墨竹的黑和松针的灰，衬托出梅花的白；竹叶如刀剑，松叶如钢针，更表现出梅花的傲骨冰心。整个画面笔墨秀丽，清绝幽雅，极尽文人雅士之意趣。图中松、竹、梅的构思，已明确传达出借“岁寒三友”表达出的刚正、坚贞的气节。此后“岁寒三友”成为画家表达超然高洁之气概的固定程式。著名的有明代大画家徐渭的《雪蕉梅竹图》、陈道复的《梅竹水仙图卷》和清代董邦达的《三友图》及近代吴昌硕的《岁寒三友图》，都以其特有的手法表达对松、竹、梅的欣赏与赞颂。

我们从松、竹、梅不畏严寒的特征中可以感悟到一种人生哲理，看到一种坚贞不屈的道德情操，这无疑会给人以激励，而画家们借“岁寒三友”以言志，无疑是期盼更多人能锻铸出凌霜傲雪志不移的品格。

用户评价

我作为一个对传统艺术抱有敬畏之心的业余爱好者，这本书展现出的严谨和深厚功力让我十分佩服。它并不是那种快餐式的教程，你无法指望读完它就能立刻画出惊世之作。它的价值在于其提供了一个极为完整的知识体系框架。从笔墨的性能研究，到不同季节、不同光线下景物的表现技法，甚至连装裱和收藏的基础知识都有所涉及。最让我受益匪浅的是关于“气韵生动”的论述，作者将这个抽象的概念，通过对笔触的力度控制、墨色的微妙变化，以及画面节奏感的把握，进行了非常清晰和可操作化的解读。它要求学习者要有极大的耐心和持之以恒的练习，但这种“慢工出细活”的理念，恰恰是当下浮躁社会最需要的。这本书教会我的，不仅是如何用笔墨，更是如何用一种更专注、更敬畏的心态去面对艺术创作本身。它是一本可以伴随我多年，不断翻阅并从中获得新启发的宝典。

这本关于中国传统水墨画的教程，简直是为我这种初学者量身定做的！我一直对水墨的晕染效果和笔触的轻重变化感到好奇，但市面上的书要么过于理论化，要么实例太难，让人望而却步。这本书的优点在于，它没有一上来就堆砌复杂的理论，而是从最基础的“墨分五色”讲起，讲解了如何通过加水和控制墨量来调配出丰富的层次感。尤其是对“干湿浓淡”的示范，图文并茂，每一步的力度和速度都有详细的文字说明，我试着跟着临摹了几次，立刻就领悟到了那种墨韵流淌的感觉。它不像有些教材那样只告诉你“怎么做”，而是深入浅出地解释了“为什么这么做”，让我对水墨的理解从停留在表面的模仿上升到了对意境的追求。书中的选材也非常巧妙，从最常见的山石、树木入手，循序渐进，让我建立起了扎实的绘画基础。我已经迫不及待想尝试书中关于留白技巧的部分了，相信有了这本书的指导，我的水墨之路会更加平顺。

我必须承认，一开始我对这本画册的期待值并没有那么高，毕竟市面上关于传统绘画的书籍汗牛充栋。但翻开后，我立刻被它独特的视角和对细节的极致追求所吸引。这本书的重点似乎并不在于教你画出多么逼真的物体，而在于捕捉和传达“气韵”。作者在讲解运笔时，不仅仅关注笔尖在纸上的轨迹，更强调了手臂、手腕乃至整个身体的协调发力，这让我意识到，中国画的精髓远不止于技巧的堆砌，更是一种心性的修炼。特别是关于“意在笔先”的论述，简直是醍醐灌顶。书中收录了一些大师的经典作品的局部解析，那些看似随意的几笔，在作者的解读下，仿佛都被赋予了生命和情感。对于已经有一定基础的爱好者来说，这本书能帮你突破瓶颈，找到属于自己的那份“禅意”。我尤其喜欢它对“气”的描述，那种无形却有力的存在感，是其他任何画册都未能清晰阐述的。

这本书给我最大的惊喜在于其对“写意”精神的深入探讨。我之前一直觉得学习传统绘画，就是要严格遵循古人的法度，但这本书却在强调法度的基础上，鼓励我们去发掘自我。作者用非常现代和哲学的语言，解释了中国传统艺术中“天人合一”的思想是如何融入笔墨之中的。它没有提供标准答案，而是提供了一系列激发你思考的“问题”。例如，在论述如何表现自然界的生机时，它探讨了“静”与“动”的辩证关系，引导读者去观察日常生活中那些细微的生命迹象。阅读起来，过程非常享受，不是枯燥的临摹，更像是一场与古今艺术家的精神对话。我特别欣赏作者引用了许多古典诗词来佐证绘画理念的部分，让整个学习过程充满了文化底蕴和诗情画意。对于那些不满足于仅仅学会绘画技巧，而渴望领悟传统文化精髓的读者来说，这本书绝对是值得珍藏的。

说实话，我买这本书主要是冲着它的装帧和印刷质量去的。作为一本艺术类书籍，纸张的厚度和墨色的还原度至关重要。这本书在这方面做得非常出色，每一页的触感都极佳，印刷的色彩过渡自然，即便是模拟宣纸那种吸墨的质感，也处理得非常到位。内容上，它不像传统的范本那样，只展示成品，而是将创作过程分解得非常细致。比如在处理水边景物时，作者会对比使用不同的润笔纸和笔锋的枯湿程度，展示出不同的水波纹效果，这种对比教学法极大地提高了我的学习效率。虽然我对传统绘画的学习时间不算短，但这本书还是为我提供了很多新的思路，尤其是在构图的疏密处理上，它提供了一些打破常规的建议，让我不再拘泥于传统的“S”形布局。这本书更像是一本带着你深入艺术家内心世界的旅程记录，而不是一本冰冷的教学手册。