演员的形体训练

出版者:中国传媒大学

作者:王世芳

页数:125

出版时间:2010-8

价格:27.00元

isbn号码:9787811279849

具体描述

《演员的形体训练》内容简介：形体课是表演专业中的一门重要的、不可或缺的基础课程。在表演专业形体基础教学实践中，首先要在正确的理论指导下，按照表演艺术的学习发展规律与要求制定好与时俱进、行之有效的教学计划和教学大纲。同时要掌握形体教学的程序、内容、规格和教学要求。

我在诸多的教学实践中，努力做到教学相长。每一次教与学的互动都会让我激动不已，同时留给我的是思考与探索。当一届学生完成形体基础教学后，我都会重新审视和反思，认真地观察同学们是否能运用自身的肢体，将内心的感受表达清楚。尤其是在表演教学和毕业剧目中，乃至学生走向社会，走向文化艺术市场所反馈回来的信息。他们是否有能力去适应和驾驭自己的身体，自如地运用技能与技巧，以及肢体语言技巧去完成创造人物形象？根据这些信息来调整、完善形体教学内容。

作者简介

王世芳，1946年生于哈尔滨。

退休前工作在哈尔滨话剧院。一级舞蹈编导，形体教师。现任广东亚视演艺职业学院电视演艺系主任、院教学指导委员会成员、形体教师。从事教学三十五年，并多次荣获优秀教师称号。

目录信息

总序 雏凤凌空 十载奋飞序 美从肢体来第一章 表演形体训练概述 第一节 表演专业形体训练的基本内容 第二节 演员应具备多元化创作素质与能力 第三节 表演专业形体训练的课程设置 一、表演专业形体教学的教学任务及教学特点 二、形体训练的课程及设置 第四节 表演专业形体课程的训练内容 第五节 表演专业形体训练应解决的几个问题 一、松弛与控制 二、感觉与想象 三、表现与节奏第二章 身体语言与肢体感知的训练 第一节 身体语言训练的重要性 第二节 内心感受和外部动作的训练 第三节 动作小品及音乐、音响感觉训练第三章 形体动作技能训练 第一节 概述 第二节 毯子功 一、团身前滚翻 二、鱼跃前滚翻 三、高猫 四、跺子高猫 五、吊猫 六、后翻滚 七、后滚翻呈倒立 八、叠筋 九、倒三点叠筋 十、抢背 十一、踺子抢背 十二、扑虎 十三、单腿扑虎 十四、转体跳起扑虎 十五、串扑虎 十六、翻身扑虎 十七、平串肘扑虎 十八、中穿腿 十九、硬绞柱 二十、软绞柱 第三节 摔、爬行、击打、抢救 一、摔 二、爬行 三、击打 四、抢救 第四节 在规定情境中的摔和对打 一、摔 二、对打 第五节 感应训练 第六节 中国武术 一、太极拳 二、南拳 三、剑术第四章 中国历史剧仪表、礼节与中国舞部分动作训练 第一节 仪表 第二节 礼节 一、男士 二、女士 第三节 动作组合的训练 第四节 中国舞部分动作训练 一、方向图 二、基本手势动作 三、手的部分基本动作姿势 四、脚的基本位置 五、手的基本姿势 六、手臂的基本动作 七、基本舞姿动作（选择性的介绍） 八、部分难度动作 九、部分跳跃动作第五章 欧洲代表性舞蹈及礼节 第一节 学习的目的 第二节 16世纪孔雀舞 第三节 16～18世纪小步舞 第四节 18世纪波罗涅兹舞 第五节 19世纪玛祖卡舞 第六节 19世纪波尔卡舞 第七节 19世纪华尔兹舞 第八节 西班牙舞（音乐3／4） 一、塞维亚娜 二、保来罗 三、巴拉尼克 四、霍它 五、塞巴吊克 第九节 礼节 一、鞠躬礼（男士） 二、屈膝礼（女士） 三、吻手礼 四、吻裙礼 五、仆人礼第六章 欧洲古典戏剧击剑、佩剑 第一节 戏剧击剑与体育击剑的区别 第二节 持剑礼节 第三节 击剑进攻与防守练习 第四节 佩剑的使用后记
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用户评价

这本书简直是为所有热爱戏剧、舞蹈乃至任何需要身体表达的表演者量身定做的宝典！它没有陷入那些空洞的理论说教，而是用极其直观、详尽的图解和步骤，将复杂的身体控制和空间意识拆解成易于理解和实践的小单元。我尤其欣赏作者在讲解每一个动作时，都非常注重“为什么”和“如何避免常见的错误”。比如在描述如何找到核心稳定性时，作者不仅展示了标准的姿势，还配上了肌肉群激活的图示，让我这个非科班出身的人也能迅速抓住要领。书中对呼吸与动作的结合讲解得尤为精妙，不再是单纯的“深呼吸”，而是深入到如何利用呼吸来推动情绪和塑造舞台形象。读完前几章，我感觉自己对身体的感知度立刻提升了一个档次，以前总觉得哪里“不对劲”的发力感，现在终于有了清晰的认识和修正路径。这绝对是一本值得反复翻阅、在排练厅里随时拿出来对照的实用手册，它不仅仅是训练指南，更像是一位经验丰富的导师在耳边低语。

翻开这本关于表演艺术的书籍，首先被它那种严谨又不失温度的叙事风格所吸引。它不像传统的训练手册那样冷冰冰地列举动作，而是融入了大量舞台实践中的哲学思考。作者似乎对演员这个职业有着深刻的洞察，他谈论的不仅仅是肌肉的拉伸和力量的构建，更是如何通过身体去“倾听”对手和环境。书中对“角色空间感”的探讨非常独到，它没有停留在简单的舞台调度上，而是深入到角色内心对所处环境的心理映射。我记得有一章专门分析了不同历史时期戏剧对演员身体要求的差异，这极大地拓宽了我的视野，让我明白身体训练并非一成不变的模板，而是需要根据文本和时代背景进行灵活调整的“工具箱”。阅读过程中，我常常会停下来沉思，作者提出的每一个概念背后，都蕴含着多年舞台磨砺的智慧，它促使我重新审视自己对“表演”的理解，从纯粹的模仿走向了更深层次的生命体验。

坦白说，我原本对手册类的书籍抱有一丝疑虑，总觉得它们容易流于表面。然而，这本书完全颠覆了我的看法。它的结构设计极其巧妙，循序渐进，仿佛带着读者从最基础的身体觉知开始，一步步攀登到复杂的情感释放层面。最让我称赞的是它对细节的关注，比如在描述如何进行舞台行走时，作者细致到脚掌与地面的接触角度、重心转移时的微小晃动如何影响观众的感知。书中穿插的一些小型练习，例如“静默中的张力训练”，虽然简单，但效果立竿见影，我尝试后发现自己以往的“松懈”状态有了明显的改善。更重要的是，这本书强调的是“可持续的”训练方法，它反对一蹴而就的过度使用，而是提倡一种与身体长期和谐共处的艺术。对于那些追求长久艺术生命力的演员来说，这种科学且人道的训练理念无疑是极其宝贵的财富。

这本书的文字仿佛带着一种古老的、仪式感的韵律，读起来让人心神安定，进入一种专注的冥想状态。它所构建的训练体系，绝非仅仅是体育锻炼，而是一种深入骨髓的身体哲学。作者对“意图”与“执行”之间桥梁的构建描述得淋漓尽致。他将身体视为一个敏感的乐器，而每一次的动作都是一次精准的“演奏”。我特别喜欢其中关于“视觉焦点”的章节，它解释了目光如何不仅仅是“看”，而是如何通过眼神的延伸来定义和控制舞台上的能量场。书中提供的案例分析，往往从一个经典场景入手，然后细致地解构出其中蕴含的身体逻辑，这种“反向工程”式的教学方法，极大地提升了我对剧本的分析能力。读完后，我感觉自己不再是那个被动地“穿上角色服装”的演员，而是真正学会了如何用身体去“呼吸”和“承载”角色的生命重量。

我必须承认，这本书的深度远超出了我最初的预期。它没有使用花哨的术语来故作高深，但其内容的密度和广度却令人叹为观止。它似乎囊括了从古典芭蕾的精准到现代舞的自由，再到戏剧表演的爆发力等多种美学流派的精髓，并将它们有机地融合在一个统一的训练框架内。特别值得一提的是，书中关于如何在不同光照和音响环境下调整身体反应的部分，这是很多同类书籍会忽略的实际操作层面的技术点。作者的讲解方式非常具有启发性，他总是在你以为已经掌握了某个技巧时，抛出一个新的维度让你去思考。这使得阅读过程充满了发现的乐趣，每翻过一页，都会有一种“原来还可以这样”的豁然开朗感。这本书不仅是技巧的传授，更是一次对表演艺术边界的深刻探索与重塑，对任何希望在舞台上留下深刻印记的人来说，都是不可多得的指路明灯。

讲解不太详细，有些讲解看文字是看不懂的。

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大概我去上戏报个班，理解起来会更容易，训练起来会更有效