具体描述
康定斯基艺术理论著作第三部首次引入中国。
本书是对《艺术中的精神》《点线面》的理论延伸和阐释。
第一张抽象画是何时产生的?
康定斯基是如何走向“抽象”绘画的?
抽象艺术与自然有什么关系？
抽象画家靠的是什么？大脑还是直觉？
在康定斯基眼中，美国的“可能性”是怎样的?
康定斯基是如何看待保罗•克利的？
这些问题，你都可以在书中找到答案。
包豪斯经典译丛（Bauhaus Series）
1．克利与他的教学笔记 [德] 保罗•克利 著
2．克利的日记 [德] 保罗•克利 著
3．艺术中的精神 [俄] 康定斯基 著
4．点线面 [俄] 康定斯基 著
5．艺术与艺术家论 [俄] 康定斯基 著
6．色彩构成 [美]约瑟夫•亚伯斯 著
7．《新视觉——包豪斯设计、绘画、雕塑和建筑的基础》[美] 拉兹洛•莫霍利-纳吉 著
作者简介
康定斯基（Wassily Kandinsky, 1866—1944），二十世纪艺术大师。生于俄罗斯，早年在莫斯科学习法律和经济，并获任教授席位，30岁后赴慕尼黑学画。在德国创立青骑士社，又在现代设计教育的摇篮包豪斯学校任教十余年，直至该学校被纳粹解散。后辗转巴黎，从事纯抽象绘画，直至去世。康定斯基是现代抽象表现主义艺术的实践和理论先驱，既是伟大的艺术家，也是杰出的理论家，撰有《艺术中的精神》和《点线面》等。
目录信息
关于形的问题 1912
关于舞台构成 1912
黄色声音 1909
纯粹的艺术一绘画
形的基本元素 1923
色彩课程与研究课 1923
关于抽象的舞台综合 1923
舞蹈曲线 1926
绘画理论课程的价值 1926
而且
绘画基本元素分析 1928
莫德斯特•穆索斯基：画展的图画 1928/30
艺术教学 1928
秃墙 1929
蓝骑士 1930
保罗•克利 1931
对抽象艺术的看法 1931
问与答 1935
计算 1935
今天的艺术更活泼 1935
线和鱼 1935
空画布等等 1935
抽象绘画 1935
两个方向 1935
法兰兹•马克 1936
通往艺术之路 1937
具象艺术 1938
抽象或具象 1938
我的木刻 1938
复活的稳定 1938
具象艺术作品的价值 1939
每个精神世纪 1942
苏菲•托依伯一阿尔普的彩色浮雕 1943
附录
· · · · · · (收起)
读后感
所有的艺术都来自同一个唯独仅有的根本——康定斯基 当代艺术不过是玄学，在展览上几乎看不懂他们在画什么或是拍什么。这样的观点在生活中不少出现，然而这不过是我们对于当代艺术的错误认识，而且也是当代艺术为之努力奋斗的，即让艺术回归到最自然的本质。这也是瓦西里·康定...
评分读本书之前，需要大致的了解一下现代艺术的几个大师——毕加索、达利、马提斯。这个是优酷视频网址,http://url.cn/JWilr2 抽象和具象，其实本质上是一样的，都是表达着艺术家内在的声音。不同的时代选择了不同的形式，抽象画只不过探索更纯粹的绘画形式。 ...
评分所有的艺术都来自同一个唯独仅有的根本——康定斯基 当代艺术不过是玄学，在展览上几乎看不懂他们在画什么或是拍什么。这样的观点在生活中不少出现，然而这不过是我们对于当代艺术的错误认识，而且也是当代艺术为之努力奋斗的，即让艺术回归到最自然的本质。这也是瓦西里·康定...
评分所有的艺术都来自同一个唯独仅有的根本——康定斯基 当代艺术不过是玄学，在展览上几乎看不懂他们在画什么或是拍什么。这样的观点在生活中不少出现，然而这不过是我们对于当代艺术的错误认识，而且也是当代艺术为之努力奋斗的，即让艺术回归到最自然的本质。这也是瓦西里·康定...
评分所有的艺术都来自同一个唯独仅有的根本——康定斯基 当代艺术不过是玄学，在展览上几乎看不懂他们在画什么或是拍什么。这样的观点在生活中不少出现，然而这不过是我们对于当代艺术的错误认识，而且也是当代艺术为之努力奋斗的，即让艺术回归到最自然的本质。这也是瓦西里·康定...
用户评价
这本书的阅读体验，简直可以称得上是一场对耐心极限的残酷考验。我之所以坚持读完，完全是出于一种近乎固执的好奇心，想看看作者究竟能将“抽象”推向何种地步。如果说有些艺术评论旨在点亮读者的眼睛，那么这本书更像是一团浓稠的、令人昏昏欲睡的迷雾。书中对于“创作主体性”的探讨，简直达到了令人发指的繁琐程度。每一个论点都需要经过层层嵌套的假设和无数次的自我否定才能勉强成立，文字的流动性极差，仿佛每一句话都是用冰冷的钢筋水泥浇筑而成。我尤其失望的是，它完全没有触及到任何具体的、可供讨论的艺术作品案例。没有对某个特定时期、特定流派的美学特征进行哪怕是蜻蜓点水般的描摹，没有对某位大师的创作心路进行哪怕一丁点的揣摩。整本书读下来，我感觉自己像是被要求在没有任何地图的情况下，穿越一片只有理论模型的荒原。这哪里是在讨论艺术与艺术家，分明是在进行一场与现实世界脱节的智力游戏，读完后，我唯一获得的感受是知识性的疲劳，而非智识上的愉悦。
评分当我读完最后一个句号时，产生的不是满足感，而是深深的困惑——我到底读了些什么？这本书的写作姿态非常“内向”，它似乎只对“理论如何看待理论”感兴趣，而完全忽略了外部世界，尤其是被理论所声称要解释的那个对象——艺术。我期待的，是一场关于色彩、线条、形式与情感的碰撞，是关于艺术如何介入我们的日常体验的讨论。但这本书提供的，是一种纯粹的、脱离感官的思辨。它不断地在定义、再定义、再否定，构建了一个封闭的知识循环系统。书中没有出现对任何一件具体艺术作品的细致分析，没有描述过观者在面对蒙娜丽莎时那种复杂的心绪波动，也没有探讨过数字媒体对传统美学的冲击。它就像是在一个真空环境中进行的一场精密实验，尽管实验本身设计得足够复杂，但其结论对于身处真实艺术生态的我们，指导意义微乎其微。这是一部过于“学术化”的作品，以至于将艺术本身彻底蒸发掉了。
评分这本书给我留下最深刻的印象，就是它那令人窒息的密度。每一页纸都像是被硬生生地塞满了密密麻麻的、缺乏呼吸空间的句子。我尝试着去理解作者想要表达的那个核心观点——或许是关于艺术的“去中心化”——但是，他选择的表达方式简直是一种反沟通的实践。他似乎认为，任何清晰明了的阐述都是对思想深度的自我阉割。我找不出任何一个可以让我感到豁然开朗的段落，或者一句可以被摘录下来作为座右铭的金句。那种期待着被某个大胆的洞见击中的瞬间，从未出现过。我原本希望读到对艺术家个人生活与创作张力的探讨，比如梵高那样的极端案例如何被理论化，或者某个女艺术家的沉默声音如何被重构。但这本书里，艺术家们仿佛被抽象成了某种功能性的变量，失去了血肉和个性。我阅读这本书的过程，更像是在进行一项复杂的密码破译工作，而最终的译文，却依然是晦涩难懂的学术黑话，实用价值几乎为零。
评分初翻开这本装帧典雅的文集时，我原本期待的是一场关于审美范式的深度剖析，或者至少是对古典艺术史中那些宏大叙事的新颖解读。然而，阅读过程却像是一次意料之外的迷途。作者似乎更热衷于将笔墨倾注于那些晦涩难懂的哲学思辨，那些关于“存在”与“虚无”的缠绕，读起来让人感觉像是误入了一片茂密的逻辑迷宫。书中大量引用了德语和法语的专业术语，即便是对照着手边的词典，也常常感到力不从心。我原本希望找到一些关于绘画技巧演变或是雕塑材料特性的具体论述，哪怕是一点点对印象派光影捕捉的细微观察，但这些期待最终都落了空。取而代之的是冗长且缺乏生气的辩论，围绕着艺术作品的“本体论地位”展开，这些讨论在我看来，与实际的艺术体验相去甚远。合上书页时，我脑海中浮现的不是那些色彩斑斓的杰作，而是一些抽象的几何图形和闪烁不定的符号。这本书似乎更像是写给哲学家圈子内部交流的，对于一个渴望从艺术中汲取直观愉悦或文化滋养的普通读者来说，它的门槛高得有些令人沮丧，与其说是在探讨艺术，不如说是在解构语言本身。
评分说实话，我买这本书是冲着那个名字去的，以为能读到一些关于美学构建的真知灼见，或者至少是某些艺术思潮的精彩梳理。结果，这本书的调性与我预想的大相径庭。它的语言风格极其冷峻、刻板，缺乏任何可以抓住人心的叙事张力。作者似乎对任何带有情感色彩的表达都抱持着一种近乎蔑视的态度，整篇都在用一种居高临下的、教条式的口吻陈述着他自认为无可辩驳的公理。我试图从中寻找一些关于艺术史脉络的清晰指引，比如从巴洛克到浪漫主义的过渡是如何在社会结构中体现的，或者技术革新对媒介形态产生了哪些实质性的冲击。但这些富有洞察力的分析，在这本书里是找不到的。取而代之的是对“符号学层级”和“社会建构的审美规训”的无休止纠缠，这些内容虽然在学术上有其地位，但对于普通爱好者来说，无疑是枯燥乏味的。它没有提供任何可以用来欣赏、鉴赏或理解艺术品的实际工具，更像是一部高度自我指涉的哲学论著，对艺术本身表现出了惊人的疏离感。
评分精神
评分他的书都差不多
评分包豪斯老师系列 虽然是集子 重复率有点太高了 抓重点 广度和深度都要
评分包豪斯老师系列 虽然是集子 重复率有点太高了 抓重点 广度和深度都要
评分这些文字本身就是独立不可复制的艺术作品
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