曲谱研究

出版者:江苏古籍出版社

作者:周维培

页数:436

出版时间:1999-9-1

价格:22.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787805199429

丛书系列:文学遗产丛书

作者简介

周维培，男，1956年1月19日出生，籍贯安徽，中共党员。

教育背景:

1978-1982，安徽大学中文系本科生，文学学士。

1982-1985，南京大学中文系研究生，文学硕士。

1993-1997，南京大学中文系研究生（在职），文学博士。

工作简历:

1985-1997，南京大学中文系助教，讲师，副教授。

1997-1999，南京大学中文系教授，博导。

1991-1994，南京大学中文系副系主任。

1994-1996，美国哈佛大学燕京学社访问学者。

1999-2016，审计署办公厅副司级审计员兼调研处处长，外事司副司长，监察人事审计局局长，国际合作司司长，办公厅主任。

2018年7月，南京审计大学政府审计学院院长。

兼任中国审计学会常务理事兼副秘书长、国际标准化组织（ISO)所属“审计数据采集标准委员会”（PC295）主席。

主要研究成果:

著有«论中原音韵»«曲谱研究»«美国现代戏剧史»«美国当代戏剧史»«当代美国戏剧60

年»（合著）等文学研究专著，1991年曾承担首届国家社科基金项目。近年来专注于国际政府审计研究和审计数据服务技术，在«审计研究»«中国审计»«审计与经济研究»等刊物发表多篇论文，出版专著«国际政府审计散论»。

目录信息

第一章 曲谱源流考述
第二章 北曲格律谱论略
第三章 南曲格律谱论略（上）
第四章 南曲格律谱论略（下）
第五章 南北曲合谱与戏曲工尺谱论略
第六章 曲谱制作与南北曲格律
第七章 曲谱的文献价值与理论价值
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用户评价

《曲谱研究》这本书，以其独特的视角和深刻的洞察力，彻底颠覆了我之前对“曲谱”的刻板印象。它让我明白，曲谱不仅仅是音乐的文字记录，更是作曲家思想、情感和时代精神的浓缩载体。作者的叙述风格引人入胜，将那些看似抽象的音乐符号，描绘得如同一个个鲜活的生命。书中对古典主义时期作曲家如海顿和莫扎特作品中那些结构严谨、线条清晰的记谱方式的分析，让我看到了音乐在那个时代对秩序和平衡的追求。而当我读到关于肖邦那些充满诗意和情感的钢琴作品时，书中对那些微妙的踏板标记、力度变化和装饰音符的精细解读，让我感受到了音乐的细腻与浪漫。作者还深入探讨了20世纪音乐中那些极具革新意义的记谱方式，例如，对巴托克作品中那些特殊的节奏和音程标记的分析，让我看到了音乐在探索新的表达领域时所面临的挑战和可能性。书中对一些民族音乐记谱的介绍，也让我领略到了音乐作为一种世界性语言的丰富多样性。这本书让我意识到，每一次记谱方式的演变，都折射出人类对音乐的理解和表达方式的不断进步。它不仅仅教会了我如何更深入地“读懂”音乐，更让我学会了如何去“倾听”那些隐藏在曲谱背后的音乐故事，以及作曲家们想要传达的深层情感。

初拿到《曲谱研究》这本书，我原本以为会是一本晦涩难懂的理论书籍，充斥着枯燥的音符和复杂的乐理分析，然而，读罢全书，我才发现，它远比我想象的要精彩和富有启发性。这本书并非简单地罗列各种曲谱的构成要素，而是以一种极其生动和引人入胜的方式，将音乐的灵魂展现在读者面前。作者巧妙地将历史、文化、甚至是一些鲜为人知的音乐家的小故事融入其中，让每一份曲谱都仿佛拥有了生命，讲述着它诞生的时代背景、创作者的情感波动，以及在不同时代、不同演奏家手中所焕发出的独特魅力。我特别喜欢其中关于巴洛克时期复调音乐的章节，作者没有停留在技术层面的讲解，而是深入剖析了那些层层叠叠的声部如何相互交织、呼应，如同精密的建筑结构，又如同流畅的对话，传递出一种超越时空的和谐与力量。书中对于不同时期作曲家风格的对比分析也极其到位，从古典主义的严谨对称，到浪漫主义的奔放抒情，再到印象派的色彩斑斓，每一种风格的转变都被描绘得淋漓尽致，仿佛能听到音乐在历史的长河中悄然演变。更让我惊叹的是，作者还探讨了曲谱作为一种视觉符号的演变过程，从早期的文字记谱法到现代的五线谱，每一个变化都折射出人类对音乐记录和传承方式的不断探索与创新。这本书让我对音乐有了更深层次的理解，不再仅仅是耳朵的享受，更是思想和情感的共鸣，让我对未来学习和演奏音乐充满了期待，也更加敬畏这份跨越时代的艺术。

我对《曲谱研究》的喜爱，很大程度上源于它所展现出的那种宏大叙事和细腻入微的结合。这本书不仅仅是对音乐记谱法的技术性梳理，更是一部关于音乐发展史的生动画卷。作者以曲谱为载体，将我们带入了不同的时代，让我们得以一窥那个时代音乐的生态。从古希腊的调式符号，到中世纪的纽姆谱，再到现代的五线谱，每一个记谱方式的演变，都与当时的社会文化、技术条件以及人们对音乐的理解息息相关。书中对于不同时期作曲家对同一音乐主题的不同处理方式，通过对他们曲谱中细节的对比分析，展现了音乐风格的流变和演进。我尤其欣赏作者在解读贝多芬晚期作品中的某些复杂记号时，所展现出的那种对作曲家内心世界的深度挖掘。那些看似不寻常的标记，在作者的笔下，仿佛成为了贝多芬与命运抗争、与内心对话的语言。此外，书中还涉及到一些鲜为人知的民族音乐记谱方式，这极大地拓宽了我的视野，让我了解到音乐的普适性与多样性。这本书让我意识到，曲谱不仅仅是音乐的文字表达，它更是时代精神的载体，是艺术家思想的结晶。它让我对未来的音乐学习充满了新的视角和思考，也让我对那些伟大的作曲家们心生无限的敬意，他们用最精炼的符号，传递了最深刻的音乐情感。

《曲谱研究》这本书，给我带来的远不止是对曲谱本身的了解，更是一种对音乐发展脉络的深刻洞察。作者以一种极具匠心的方式，将不同时代、不同风格的音乐作品，通过其记谱法的细微之处，展现在我们面前。我尤其被书中对巴赫赋格曲中那些复杂的声部交织和对位关系的解读所吸引。作者并非简单地分析乐谱的结构，而是深入探讨了巴赫是如何通过精妙的记谱，来指示每一个声部的独立性与整体性的完美结合，这种对音乐内部逻辑的揭示，让我惊叹于巴赫的智慧。在解读肖邦的夜曲时，书中对那些充满诗意的踏板标记和微小的力度变化指示的分析，让我理解了肖邦是如何通过这些细节来营造出一种梦幻般、私密的情感氛围。作者还探讨了20世纪作曲家如德彪西和拉威尔的作品中，那些模糊、写意般的记谱方式，以及这些记谱方式如何反映了印象派音乐对色彩和氛围的追求。书中对于一些特定文化背景下音乐记谱的研究，也让我看到了音乐作为一种普世语言，在不同地域所呈现出的独特风貌。这本书让我意识到，曲谱不仅仅是记录音乐的工具，它更是作曲家思想的载体，是音乐艺术演进的历史见证。它让我对音乐的理解，从表面的旋律和节奏，深入到了其背后更深层次的结构、情感和文化意涵。

《曲谱研究》这本书，以其独特而深刻的视角，为我打开了一个理解音乐的全新维度。它并非一本堆砌理论的枯燥读物，而是通过对曲谱这个“窗口”，引领我走进了一个波澜壮阔的音乐历史长河。作者的叙述充满了智慧和趣味，将那些看似复杂的音乐符号，描绘得栩栩如生。我尤其被书中对巴洛克时期复调音乐记谱的解读所吸引，作者深入剖析了那些层层叠叠的声部如何通过精妙的记谱来展现其内在的逻辑和对话关系，这让我对巴赫音乐的精妙结构有了前所未有的认识。当我阅读到关于浪漫主义时期作曲家如李斯特和瓦格纳的作品时，书中对那些更自由、更富有个性化的表情记号的分析，让我感受到了音乐情感表达的极大拓展和深化。作者还探讨了不同乐器在演奏过程中对曲谱理解的差异，以及作曲家如何通过特定的记谱方式来指示乐器的最佳表现力，这让我对乐器本身的技术局限和可能性，以及作曲家对这些因素的巧妙运用有了更深的理解。书中对现代音乐中那些抽象化、图形化的记谱方式的分析，尤其令我着迷，它让我看到了音乐记谱法在不断突破边界，探索新的表达可能。这本书让我认识到，曲谱不仅是音乐的“地图”，更是音乐艺术发展的“编年史”，它记录了人类对声音的认知、对情感的表达以及对艺术形式的不懈追求。

当我翻开《曲谱研究》，脑海中浮现的是那些古老乐谱上的神秘符号，以及对这些符号如何转化为动人旋律的困惑。然而，这本书以其非凡的深度和广度，彻底解答了我的疑问，并引领我进入了一个全新的音乐视野。作者并非机械地罗列记谱法的演变，而是将每一次记谱方式的革新，都置于其所处的历史文化语境中进行解读。例如，书中对中世纪教会音乐记谱法的分析，让我了解了在那个时期，音乐记录的精度和复杂性是如何受到宗教仪式和音乐传播需求的双重影响。当我读到关于浪漫主义时期作曲家如李斯特和勃拉姆斯的作品时，书中对那些更自由、更富有个性化的表情记号的解读，让我感受到了音乐情感表达的极大拓展。作者还深入探讨了不同乐器在演奏过程中对曲谱理解的差异，以及作曲家如何通过特定的记谱方式来指示乐器的最佳表现力，这让我在理解乐器本身的技术局限和可能性时，也对曲谱有了更深刻的认识。书中对于现代音乐中那些抽象化、图形化的记谱方式的分析，尤其令人着迷，它让我看到了音乐记谱法在不断突破边界，探索新的表达可能。这本书让我认识到，曲谱不仅是音乐的“地图”，更是音乐艺术发展的“编年史”，它记录了人类对声音的认知、对情感的表达以及对艺术形式的不懈追求。

当我沉浸在《曲谱研究》的世界里，我感受到了一种穿越时空的音乐对话。这本书以其独特的视角，将我带入了一个由音符、符号和标记构成的奇妙宇宙，并让我从中领略到音乐艺术的深邃魅力。作者并非简单地介绍各种记谱法，而是将每一处记谱的细节，都与作曲家的创作意图、历史背景以及音乐的审美追求紧密联系起来。我尤其喜欢书中对莫扎特早期作品中那些清晰、精确的音符排列的分析，它让我看到了一个年轻作曲家对音乐形式的严谨探索。而当我读到关于贝多芬英雄交响曲的章节时，书中对那些强烈的节奏标记和戏剧性的力度变化指示的解读，更是让我感受到音乐的磅礴力量和英雄主义精神。作者还深入探讨了不同时期作曲家在乐器法记谱上的创新，例如，如何通过特殊的符号来指示弦乐器的揉弦、弓法，或是管乐器的气息控制，这些细节的解读，让我对乐器演奏有了更深的理解。书中对于一些被忽视的、非欧洲音乐传统的记谱方式的介绍，也极大地拓宽了我的视野，让我看到了音乐艺术的多样性与普适性。这本书让我意识到，曲谱不仅仅是演奏的指南，它更是作曲家思想的结晶，是音乐艺术发展轨迹的生动记录。它让我对音乐的理解，从一个听众的被动接受，转变为一个探索者，去挖掘那些隐藏在符号背后的音乐灵魂。

《曲谱研究》带给我的是一种颠覆性的阅读体验，它彻底改变了我对“曲谱”这个概念的认知。在此之前，我一直认为曲谱不过是一堆标记着音高、节奏和力度的符号，是演奏者进行音乐再创作的蓝图。然而，这本书却向我展示了曲谱的另一重意义：它是一种浓缩了历史、文化、情感和思想的艺术品。作者通过对不同时期、不同风格的曲谱进行深入剖析，揭示了曲谱背后隐藏的丰富信息。例如，在讨论肖邦的夜曲时，书中不仅分析了那些如梦似幻的旋律线条和细腻的踏板标记，更深入探讨了这些标记如何反映出肖邦对钢琴音色的极致追求，以及当时社会背景下，贵族沙龙里音乐的审美趣味。书中对莫扎特作品中那些看似简洁却寓意深刻的记号的解读，也让我惊叹于这位天才作曲家对于细节的精准把握。我尤其被其中关于20世纪先锋派音乐记谱法的探讨所吸引，作者并没有回避那些看似怪异和抽象的符号，而是尝试去理解它们背后所蕴含的革新精神和对传统音乐观念的挑战。通过对不同时期作曲家在记谱方式上的差异性进行对比，这本书生动地展现了音乐艺术在不同历史阶段的演进脉络。它让我意识到，每一个音符、每一个休止符、每一个表情记号，都承载着作曲家独特的思想和情感，而理解这些记号，就是理解作曲家创作初衷的关键。这本书的价值在于，它不仅教授了如何“读懂”曲谱，更教会了如何“读懂”曲谱背后的音乐灵魂。

《曲谱研究》这本书，对我而言，是一次深入音乐灵魂的探索之旅。它以一种极为细腻和富有洞察力的方式，将我带入了一个由音符、符号和标记构成的奇妙世界，让我得以窥见音乐艺术的内在肌理。作者的叙述语言极富感染力，将那些看似冷冰冰的音乐记谱，描绘成了充满生命力和情感的表达。书中对古典主义时期作曲家如海顿和莫扎特作品中那些结构严谨、线条清晰的记谱方式的分析，让我看到了音乐在那个时代对清晰度和逻辑性的追求，它们如同精确的建筑，展现出一种古典的美学。而当我读到关于肖邦那些充满诗意和情感的钢琴作品时，书中对那些微妙的踏板标记、力度变化和装饰音符的精细解读，让我感受到了音乐的细腻与浪漫，仿佛能触摸到作曲家内心的温柔。作者还深入探讨了20世纪音乐中那些极具革新意义的记谱方式，例如，对斯特拉文斯基《春之祭》中那些极具冲击力的节奏和音响标记的分析，让我看到了音乐在探索新的表达领域时所面临的挑战和可能性。书中对一些非欧洲音乐传统的记谱的介绍，也极大地拓宽了我的视野，让我看到了音乐作为一种世界性语言的丰富多样性。这本书让我意识到，每一次记谱方式的演变，都折射出人类对音乐的理解和表达方式的不断进步。它不仅仅教会了我如何更深入地“读懂”音乐，更让我学会了如何去“倾听”那些隐藏在曲谱背后的音乐故事，以及作曲家们想要传达的深层情感，让我对音乐艺术的理解上升到了一个全新的维度。

《曲谱研究》这本书，绝对是我近年来阅读过的最富启发性的音乐类书籍之一。它并非一本枯燥的理论手册，而是通过对曲谱这个“窗口”，为我们打开了一个观察音乐世界的神奇视角。作者的叙述语言极富感染力，将那些看似冰冷的音符和符号，描绘得如同鲜活的生命。书中对不同时期作曲家在创作中对曲谱细节处理方式的解读，让我印象深刻。例如，在分析莫扎特的奏鸣曲时，作者细致地阐释了那些细微的连奏、断奏和表情记号如何共同构建出音乐的晶莹剔透和灵动活泼，这让我对“少即是多”的音乐哲学有了更深的理解。而当我读到关于斯特拉文斯基《春之祭》的章节时，书中对那些极具革命性的节奏和音响标记的剖析，更是让我惊叹于音乐在20世纪所经历的巨大变革。作者并未止步于简单的技术说明，而是深入探讨了这些记谱方式的改变如何反映了作曲家对音乐本质的重新思考，以及对传统音乐美学的颠覆。书中对于不同文化背景下的音乐记谱方式的介绍，也让我大开眼界，让我看到了音乐作为一种全球性语言的独特魅力。这本书让我意识到，曲谱不仅仅是演奏的指南，它更是一种承载着作曲家思想、时代精神和艺术观念的独特载体。它不仅仅教会了我如何更深入地理解音乐，更激发了我对音乐创作本身的好奇心和探索欲，让我对音乐艺术的理解上升到了一个全新的维度。

【毕论口粮】之七。

【毕论口粮】之七。

烂书，作者根本对曲谱狗屁不通，全他妈的水词儿。还有鲁国尧，你说一个你根本不懂的学科，你怎么就敢写序，还跟那儿海阔天空胡吹乱捧呢？

扎实。很受益。自己欠缺也是很大的。

【毕论口粮】之七。